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EarthBound

Tue, 10 May 2011 08:16:02 +0200

(Eh non pas de traduction anglo-francophone pourrie pour cette fois, mais si vous voulez, je peux rectifier ça).

EarthBound, aussi connu sous le nom de MOTHER 2 au Japon, est de ces innombrables jeux non sortis en Europe, même si ces dernières années le titre a pu être redécouvert grâce notamment à la présence de Ness dans les jeux Super Smash Bros (et je suppose que c'est la raison pour laquelle vous avez cliqué sur le lien menant à cet article).

EarthBound, sorti sur Super Nintendo (un vieux jeu donc) est un RPG (oui, encore un) écrit par Shigesato Itoi et dont le gampelay s'inspire grandement des Dragon Quest. Le jeu fut traduit et publié aux USA mais, contrairement à sa position au Japon, ne fut pas trop bien reçu et découragea Nintendo d'une quelconque sortie européenne. Néanmoins, même si le jeu requiert une certaine compréhension de la langue de Chaplin, il en vaut vraiment la peine (tout du moins, j'essaie de vous en convaincre).

>Goods
>Il existe quand même d'autres moyens de se procurer le titre...
(je parlais des brocantes, si si)

Le jeu narre la lutte de Ness et ses compagnons envers une menace mystérieuse nommée "Giygas", à la tête d'une armée d'extra-terrestres connus en tant que "Starmen". Pour les arrêter, Ness doit en gros récolter les huit mélodies de la planète qui pourront contrecarrer la toute-puissance de Giygas.

Très original.

La renommée du jeu ne vient pas vraiment de son scénario, mais de son ambiance plutôt loufoque, avec notamment des hamburgers trouvés dans les poubelles (qui soignent !), des New Age Retro Hippie (non, non, ce n'est pas Shika) qui agressent à coups de latte, des soucoupes volantes qui infligent ce qui donne un "raidissement" durant le sommeil, des champignons qui poussent sur la tête et bien plus encore. Les graphismes très colorés, bien mignons, ne font qu'accentuer la joyeuse humeur du titre en général.

>Check
>Aucun commentaire sur le "raidissement".

Mon chien à moi ne fut pas aussi compréhensif.

La bande-son du jeu est très jazzy, surtout lors des combats, mais certains morceaux dérogent tout de même à la règle. Le tout colle bien à l'ambiance déjantée du jeu, qui ne semble pas vraiment se prendre au sérieux.

Mais tout ça n'est pas vraiment ce qui fait la renommée d'EarthBound vis-à-vis de tous ceux ayant réellement joué au jeu. La principale raison pour laquelle EarthBound demeure un classique intemporel vient surtout de son boss final, le fameux Giygas, qui fut pour beaucoup une des expériences vidéo-ludiques les plus uniques, intenses et... inoubliables jamais créées.

>Talk to
>L'association des rétro-vidéo-ludistes vous conseille de jouer le jeu seul, la nuit, quand personne n'est à la maison, par une nuit totalement silencieuse si possible. Il n'y a aucun piège.

On l'avait remarqué.

Giygas est... Giygas, le boss final du jeu. Bref, l'image résume plus ou moins le tout.

Oh, ainsi que la... bande sonore qui accompagne le combat.

Bref, EarthBound est un jeu unique en son genre, mais avant tout une expérience. Son thème principal est l'importance des valeurs telles que l'amitié, le courage ou la sagesse. Si jamais l'envie vous prend de vivre une expérience mêlant deux extrêmes, n'hésitez pas à vous le procurer chez votre vidéo-ludico-boutique préférée (voire via d'autres moyens).

>Talk to
>Boing ! Parle Saturn ? Kay-O !

Dark Link

Aux Portes de Baldur

Tue, 10 May 2011 08:02:00 +0200

Lorsque l'on parle des jeux de rôles, quand il s'agit de jeux vidéo, l'on pense souvent à des titres tels que Final Fantasy, Pokémon (si si) ou bien encore... euh... hmm... c'est tout, apparemment, ce que le public connaît bien...

Pourtant, aux côtés de ces franchises nippones se côtoient des titres nettement moins connus du joueur lambda, et pourtant eux aussi catalogués en tant que jeux de rôle, mais plutôt que de proposer une belle aventure bien linéaire qui ne fait que remplacer un roman de plus ou moins bonne qualité, ces jeux, surtout issus des contrées plus occidentales (telles que le Canada), vous offrent toute une autre expérience : celle de l'immersion. A l'occasion de la sortie récente de Dragon Age II, une belle occasion se présente sous mes doigts de rédacteur pour vous parler de Baldur's Gate, prédécesseur du acclamé successeur spirituel Dragon Age : Origins.

Baldur's Gate, un jeu culte parmi les joueurs plus anciens, vous propose une aventure épique à travers la Côte des Epées, tirée tout droit de l'univers heroic-fantasy de la saga Dongeons et Dragons. Le jeu est sorti en 1998, et je vous conseille vivement de vous ruer dessus si vous le trouvez chez votre jeuxvidéoiste préféré, étant donné qu'il ne sera probablement jamais réédité.

Avant de commencer l'aventure, plutôt que de vous proposer une cinématique, le jeu vous mènera à l'écran création de personnage, où en plus de son nom et de son sexe, il vous faudra également décider de sa classe, race, compétences, statistiques, apparence, voix, et s'il est gentil/méchant, plutôt gentil/plutôt méchant voire très gentil/très méchant.

Je ne vais rien dire sur le fait qu'apparemment, même le jeu se moque de ma tête (hormis le fait que ces statistiques reflètent affreusement bien mes capacités).

...Heureusement que vous pourrez toujours sélectionner un personnage pré-construit si vous commencez déjà à décrocher (rââh c'te djeuness élevée à la Fainal Fantaisie 22 !).

Vous voilà donc prêt pour être propulsé dans le monde de Baldur's Gate.

Tous les décors ont été dessinés à la main.

Le jeu est extrêmement vaste, et, chose rare, le joueur est libre d'explorer à sa guise la quasi-totalité du monde une fois hors des portes de Château-Suif. Cela peut bien sûr être intimidant pour les habitués du linéaire, mais il reste toujours le journal au cas où le joueur s'embrouille. L'exploration est toutefois vitale pour ceux qui désireraient accomplir des quêtes annexes, rencontrer/recruter certains personnages ou trouver certains objets rares, qui sont disséminés à travers le monde.

Les dialogues et voix sont magnifiquement exécutés et reflètent bien la personnalité des interlocuteurs. Bien sûr, les choix que le joueur effectuera lors ou en dehors des dialogues auront de multiples impacts sur le futur.

Ils sont partout !

Au cours de l'aventure, le joueur pourra recruter jusqu'à cinq membres dans son groupe. Ces membres pourront ainsi se compenser par leurs différentes classes et compétences, mais également par leur alignement (à quel point ils sont gentils/méchants, certains risquant d'approuver davantage le massacre d'un village que d'autres). On n'oubliera bien sûr pas de mentionner les remarques qu'ils émettront au cours des combats ou à propos de vos différents choix (ou juste se plaindre).

Les combats quant à eux, bien qu'assez compliqués (le joueur peut décider de tout jouer en temps réel ou avec des pauses), ne nécessitent pas trop de temps à prendre en main. Bien que réussi, le combat n'est pas la qualité principale du jeu.

Après les pigeons, les rats !

Le joueur pourra remarquer qu'il est libre d'exécuter son aventure comme il lui plaît : que ce soit en brigand qui massacre les villages pour violer leurs biens (euh, j'ai l'impression de m'être trompé quelque part ?) ou en chevalier idiot qui accomplit toutes les quêtes les plus stupides les unes des autres avec le sourire. Cela aura quelques conséquences en cours de route (comme quelques gardes furieux) mais ne vous empêchera pas d'atteindre la fin du jeu. Après tout, peu importe que le héros soit une enflure : il reste le héros.

Bien que le jeu puisse sembler assez vieux, il reste beau avec ses décors très détaillés et ne risque pas de déplaire à ceux qui ne se soucient pas trop de l'aspect visuel. En d'autres termes, il s'agit d'un jeu de rôles extrêmement immersif avec une bonne dose d'exploration. Bref, [flashback]je vous conseille vivement de vous ruer dessus si vous le trouvez chez votre jeuxvidéoiste préféré, étant donné qu'il ne sera probablement jamais réédité.[/flashback]

Ce jeu a obtenu 10 DLP* sur 10, et est donc incontournable.

*Dark Link Points

Dark Link

Crows Zero ou Le mec qui voulait devenir le plus fort.

Sat, 30 Apr 2011 20:33:58 +0200

Quand on me parle de films japonais, à part Ultraman, rien ne me vient à la tête. Alors je me suis dit qu'il était temps d'élargir un peu le peu que je connaissais de l'univers cinématographique nippon. Je me suis donc tourné vers Crows Zero, un film sur lequel j'ai beaucoup entendu parler en bien à coup de "Ça défonce du mammouth !!", "Ça poutre du ninja !" et autre.

Crows Zero est adapté du manga Crows d'Hiroshi Takahashi, mais je ne l'ai pas lu, du moins pas encore. Focalisons-nous donc essentiellement sur le long métrage. Alors en gros, ça raconte la passionnante histoire de Genji Takiya, un jeune voyou plein d'ambitions qui entre en Terminale au lycée Suzuran, surnommé le "Lycée des corbeaux" (d'où Crows), un des pires lycées de tout le Japon. Son but ? Devenir le "bancho" de Suzuran, la personne la plus puissante et la plus respectée. Voilà. Et il devra s'imposer aux autres bandes de son école à coup de pointure 40 dans la tronche, de pains et de pêches. Je vous dis tout de suite que c'est très violent, même si il n'y a pas de morts.

Coucou, moi c'est Genji. Tu veux être mon ami ?

Il rencontrera sur son chemin des compagnons comme des ennemis, mais aussi d'autres personnages assez neutres. Là où ça devient drôle, c'est que Genji règle tout par les poings, quelle que soit la situation, même à 20 contre 1. Quel homme. Quel inconscient plutôt... Je suis nouveau à l'école, je veux me faire connaitre ? Baston !! Des yakuza sont devant l'école et cherchent un mec que je ne connais même pas ? Baston !! J'ai besoin d'alliés pour agrandir ma toute nouvelle bande ? Baston !! Ma copine s'est fait kidnapper ? Baston !! Mon copain s'est fait prendre dans une embuscade ? Bon vous connaissez la réponse... Et tout cela se passe dans un bain de sang, chaque voyou perdant environ 2 litres de faux sang par bataille.

Baston !!

Il n'y a vraiment pas grand chose d'autre à dire de Crows Zero, à part peut-être une bande son vraiment exceptionnelle agrémentée de pistes Rock, Pop et dans les moments calmes, de Blues/Folk. Le tout se mélangeant très bien avec les différents passages du film. Un autre point positif du film, ce sont surement les décors. Ils se sont amusés à écrire et à salir tous les murs et meubles d'un bâtiment pour reproduire le lycée de Suzuran, et même si cela confère un côté assez cliché d'un lycée de voyous, il faut avouer que ça ajoute du charme à l'ensemble.

En conclusion, Crows Zero n'est pas un mauvais film, ni le meilleur de son genre, mais il suffira à vous divertir pendant deux heures, le temps de redécouvrir la définition de l'amour et de la fraternité. Encore une bonne raison de le voir : vous n'avez pas besoin de réfléchir devant Crows Zero, l'intrigue étant tellement simple que même le regarder à partir de la fin n'y changerait rien.

DeathZ

Oh un coupon !

Wed, 27 Apr 2011 16:49:07 +0200

Made In Asia 3 : Les sumos contre-attaquent !!

Tue, 05 Apr 2011 12:57:35 +0200

Après un premier épisode discret, un deuxième du nom de "La revanche du sushi" qui n'est pas passé inaperçu, cette année-là Made In Asia a tout explosé ce 18, 19 et 20 mars avec sa troisième édition "Les sumos contre-attaquent".

La quoi ? ...

La Made In Asia ! C'est un peu notre Japan Expo à nous les Belges. Elle ne se concentre pas uniquement sur l'archipel nippon mais aussi sur d'autres pays asiatiques. Et ce n'est pas seulement un endroit où l'on trouve des anime à gogo, des goodies, des mangas et des cosplays : une très grande partie est réservée à la culture, aux arts, aux traditions. Autant vous dire que ce salon, on l'aime. Et pas qu'un peu.

"Laissez-nous entrer !!!"

Mouais bon. Ok. Mais y avait quoi à voir dans ta "Made In Asia" ?

Détailler tous les stands, toutes les activités, tous les événements serait beaucoup trop long. Mais essayons quand même de résumer le salon.

Une partie dédiée aux jeux vidéo du nom de Akihabara (le nom d'un quartier à Tokyo avec beaucoup de magasins d'électronique et de jeux vidéo) composée de stands de nombreux éditeurs comme Electronic Arts, Square-Enix, Sony, Nintendo, Microsoft, SEGA ou Ubisoft présentaient leurs nouveautés. J'ai pu essayer la mystérieuse Nintendo 3DS et sa fameuse 3D stéréoscopique sans lunettes, qui fonctionne vraiment bien.

La "réalité augmentée" sur 3DS.

On continue notre virée en 3D avec Killzone 3 au stand Sony.

Le stand Square Enix. Que des jeux peusseupeu. Dommage.

Une piste assez large était réservée à la Kinect de la Xbox 360.

Les 3 consoles de salon (Xbox 360, Playstation 3 et Wii) étaient présentes à la MIA.

Mais aussi des jeux sur PC.

D'autres jeux a sortir/sortis étaient également jouables comme Crysis 2, Killzone 3, Pokémon Noir et Blanc, Assassin's Creed Brotherhood et bien d'autres. En tout cas, il y avait assez de titres pour geeker toute une journée.

Mais à Akihabara, il n'y avait pas seulement des nouveaux jeux. Un nombre impressionnant de consoles d'arcade étaient à notre disposition pour pas un sou. Cela allait du classique Tetris à d'autres titres célèbres comme Street Fighter, Dance Dance Revolution, The House of the Dead, etc.

Un peu plus loin, d'autres stands nous laissaient tester des jeux sur Super Nintendo, Gamecube et d'autres titres plus récents comme Super Smash Bros. Brawl, Super Street Fighter IV et j'en passe. J'aurais pu y passer des heures à regarder les tournois de Pokémon, Starcraft II, Super Street Fighter IV ou Marvel VS Capcom 3 et à crier à l'unisson avec tout un tas d'inconnus toute la journée s'il n'y avait pas tant à faire lors de ce week-end évènement.

Vraiment, Street Fighter sait mettre l'ambiance.

Dégommez les boîtes de conserve avec les peluches Angry Birds de façon à ce qu'il n'en reste plus que 2 ou moins et recevez un prix !

Bon ben je dois t'avouer que les jeux vidéo, c'est pas trop mon truc...

J'allais y venir. Mis à part Akihabara, il y avait aussi la partie appelée "Shinjuku", où l'on retrouvait toutes les boutiques de goodies manganime, de CD d'artistes asiatiques, d'accessoires pour le cosplay (nekomimi, chapeaux de paille, bandeaux ninja, lentilles de couleur, ...), de décorations ou encore tout simplement de manga et d'anime. Bref, c'est le lieu où mon porte-feuille s'est miraculeusement allégé. Un grand sentiment de vide indescriptible.

Tout au long de la Made in Asia, on pouvait se promener parmi les stands d'associations dans la partie "Ikebukuro". J'ai pu rencontrer des dessinateurs de Dragon Ball : Multiverse, des histoires fictives de Dragon Ball dessinées par des fans et qui circulent sur le net que je conseille a tout fan de Dragon Ball qui se respecte.

L'equipe de Dragon Ball : Multiverse.

Un autre stand devant lequel je me suis arrêté un bon moment était celui de Novels Expansion, qui proposait au visiteur lambda de découvrir ce qu'est un novel, en quoi cela consiste, pourquoi c'est bien, pourquoi on dit que c'est tous des eroges, leurs adaptations en anime, l'interface et plein d'autres informations qui me sont rentrées d'un côté et sortis de l'autre... Des stands proposaient même de faire votre portrait manga pour pas grand chose. De quoi satisfaire tout le monde.

Pour les filles coquettes, il y avait "Harajuku", l'endroit réservé à la mode. Donc toutes les tenues gothic-lolita-kawaii. Je n'y connais rien. Voilà ça c'est dit. Je pense que je ne vais pas trop m'épancher là-dessus...

Et enfin pour finir, "Shibuya". Le coin où se rassemblent les personnes qui voulaient bouger, participer à des activités. Un grand espace "Tatami" était réservé aux démonstrations d'arts martiaux comme le Thuy Phap, l'Aïkido, le Naginata ou le Judo. Mais c'est également sur le tatami qu'avait lieu le Tenka Ichi Sumo Budokai (En référence au fameux Tenkaichi Budokai de Dragon Ball) où de terribles combats entre sumos en mousse se déroulaient devant le regard amusé des spectateurs. A côté du "Tatami", il y avait aussi d'autres exposants comme la Belgotaku et son concours de danse d'anime, Bulle Japon et ses quizz également sur les anime ainsi que le karaoke des openings. Dans un contexte plus culturel, il y avait aussi les bonsaïs, la calligraphie, le go, les origamis, le shogi, la cérémonie du thé,... C'était le côté relaxant du salon qui était plongé dans une ambiance de musiques pop, de brouhaha indescriptible et de tatake.

Il y avait aussi de vraies machines à purikura importés du Japon. Bon il y avait surtout des filles...

Sur des murs étaient exposées de très belles photographies sur le Japon.

Tu vas me dire que toute la journée, tu t'es baladé comme un touriste ?...

Bien sûr que non ! Au patio, l'éditeur d'anime Dybex projetait sur grand écran le film de Full Metal Alchemist, Conqueror of Shamballa samedi et le deuxième épisode de Rebuild of Evangelion : 2.22 You Can (not) Advance, un régal.

Comme chaque année, la MIA invite des artistes japonais. Cette année, malgré ce qui s'est passé récemment au Japon, les invités ont eu la gentillesse d'être quand même présents. Nobuhiro Watsuki, l'auteur du cultissisme manga Kenshin le Vagabond accompagné de son épouse, était en dédicace avec Hiroki Kanno , le chara-designer de la série anime Full Metal Alchemist : Brotherhood. Autant vous dire que la file était gigantesque. Une conférence a également eu lieu avec les deux invités. Avec Hiroki Kanno, on abordait les questions comme le travail du mangaka, ce qu'il en pense des mangas d'aujourd'hui (ses mangas préférés sont Jojo's Bizarre Adventures et One Piece, quel homme), tandis qu'avec Hiroki Kanno, l'interview était plus concentrée dans les modifications qu'il a apporté aux personnages de Full Metal Alchemist et la série en général. Chaque spectateur présent dans la salle avait une chance de gagner un dessin de Hiroki Kanno réalisé en direct devant nos yeux, un ticket avec un numéro nous étant distribué. Autant vous dire qu'avec ma chance légendaire, je l'ai vu passer sous mes yeux à 20 numéros près...

Hiroki Kanno en pleine conférence avec les organisateurs de la Made In Asia. Malheureusement je n'ai pas de clichés d'Hiroki Kanno, l'auteur ayant souhaité ne pas être pris en photo.

Et le voila en train de dessiner Roy Mustang qu'un heureux visiteur a ramené chez lui.

On a également eu droit à un concert de Ryo Fujimura et un autre de Pinky Doodle Poodle au même endroit quelques heures plus tard, très bruyant mais très entrainant également.

Je kiffe le cosplay. Où qu'elles sont les jolies filles ??

Un événement "Japonanimanga" comme celui-ci sans cosplay, c'est comme manger du riz sans baguettes. Et lors de ce week-end, c'était bourré de gens en cosplay, et du bon cosplay ! La preuve en images :

Kick Ass !!

Captain America, Batman, Spiderman. Décidément, les fans de comics étaient aussi nombreux à la MIA.

Midona de The Legend of Zelda. Magnifique.

Zero de Code Geass.

Des disciples de l'école Kame.

Assassin's Creed : Brotherhood. Ils étaient armés jusqu'aux dents.

Inu Yasha !

Lightning et Serah de Final Fantasy XIII.

Miyafuji Yoshika, de Strike Witches.

Le salon était très bien assuré. Les membres de la sécurité étant très compétents et dignes de confiance.

Dignes de confiance je vous dis.

Et finalement l'année prochaine tu y retournes ?

En sachant qu'à la Made In Asia 4, Akira Toriyama sera présent ? Faut-il vraiment une réponse à ta question ? Rendez-vous tous le 29 mars 2012 à Bruxelles à la Made In Asia !!

Deathz.

Le Pav' est mort, vive le Pav'

Wed, 02 Mar 2011 19:31:24 +0100

Bonsoir,

Je ne sais pas si vous vous souvenez encore de nous, car il est vrai que le Pavillon des fous a été inactif pendant une période plutôt longue, toutefois vous ne nous échapperez pas : nous avons une nouvelle mise à jour à vous proposer et vous allez la lire. Comme je ne suis pas très doué pour tout ce qui est blabla, je laisse le soin à Liloo de vous expliquer pourquoi nous avons été absents. Rassurez-vous, il ne s'est rien passé de bien grave : seulement, ce site, et donc VOTRE VIE, risquent de changer après le message de notre chef.

Voilà donc les articles que nous vous proposons ce mois-ci :

Pavillon de la Culture :
- "La folie "K-On"
- "comment est né le fameux personnage de Dracula"

Pavillon de la Littérature :
- "le cercle littéraire des amateurs d'épluchures de patates"

Pavillon BD/Manga :
- "le Dorohedoro, un sport révolutionnaire"

Pavillon du Cinéma :
- "Michael Moore : POLEMIQUE SYSTEME (manufacturing dissent)"
- "Millenium 2 et 3"

Pavillon des Jeux-Vidéo :
- "Super Meat Boy"

Sur ce, je vous souhaite une bonne lecture et vous dit à bientôt, si j'ai le courage d'écrire un article. Ah, on me dit dans l'oreillette que si je n'écris rien pour Avril, je vais me faire virer. Bon eh bien à très bientôt alors !

Hachimaki

Tout d'abord je vous présente toute nos excuse pour la MAJ de Novembre non faite. L'équipe a dû remettre des choses au point afin d'être le plus en accord possible avec le mode de fonctionnement du site.
Plus haut, Hachimaki évoque des changements à venir, je vais donc vous les expliquer ici. Vous avez sous les yeux la dernières MAJ mensuelle du site. Désormais, les articles seront postés sur le site dès leur création, afin de pouvoir coller au mieux avec l'actualité. Plusieurs actions seront mises en place afin de vous faciliter la lecture, mais pour être tenu informé le plus rapidement possible, vous pouvez toujours vous abonner au flux RSS.
Dans quelques temps les catégories du site changeront. Ainsi vous verrez indiqué :
Pavillon de l'écran (regroupant cinéma, série télé et jeux vidéo et crème solaire *)
Pavillon du papier (littérature, bande-dessinée, magazines, WC)
Pavillon de la sono (acoustique, radio, podcast)
Pavillon du reste (actualité, "culture" restante, délire, humeur publicité, sport, papille etc.)

* Sauras-tu retrouver, ami lecteur, le jeu de mot qui se trouve derrière ce gag rocambolesque et millénaire ?

Toutes les autres nouveautés vous seront présentées au fur et à mesure afin de ne pas vous perdre dans le flot d'information.
En espérant que tout cela facilite la lisibilité du site.

Bonne lecture à tous!

Liloo et Leto

Bonsoir,

Je viens compléter l'intervention de Liloo en ajoutant que dop_ nous a quitté. En effet, notre regretté admin m'a laissé sa place pour ouvrir un blog sur la photographie. Afin de lui succéder comme il se doit, je compte mettre en place quelques améliorations quant à la lisibilité du site, concernant les catégories notamment, comme l'expliquait Liloo plus haut.
Je pense que la nouvelle formule du Pav' sera plus attractive et moins contraignante, en espérant que vous l'apprécierez comme nous.

Bonne dernière lecture mensuelle !

Shaolan

Super Meat Boy

Wed, 02 Mar 2011 19:09:46 +0100

Disponible sur : XBLA - PC

Cliquez sur la four du comic book pour découvrir l'histoire tragique de Super Meat Boy !

It's a mad mad world

Si l'acronyme de Super Meat Boy est similaire à celui du jeu de plates-formes le plus connu au monde, ce n'est pas une coïncidence. Certains pourraient qualifier Super Meat Boy de Super Mario Bros Next Gen. La simple insertion de Leaderboards pour vos meilleurs temps dans tous les niveaux, ainsi qu'un compteur du nombre de niveaux surpassés donne au soft une touche moderne et un aspect de compétition que Nintendo n'a pas encore franchi. De plus cette idée simple mais au combien effective renforce le désir et la force du joueur à toujours vouloir faire mieux.
Bienvenue dans Super Meat Boy. Ce jeu vidéo est non seulement une lettre d'amour aux classiques du vidéoludisme (Super Mario, Mega Man, Castlevania, etc.) mais aussi un clin d'œil aux jeux indies. Votre objectif est de sauver votre petite amie, mais au malheur, à chaque fois que vous vous apprêterez à la réconforter dans vos bras, Dr. Fetus vous l'arrachera au dernier instant, après tout la princesse est toujours in "another castle"...
Super Meat Boy est un jeu de plates-formes qui emprunte et va piocher les bonnes idées à beaucoup de classiques inoubliables. J'ai moi-même tendance à comparer le personnage principal "Meat Boy" (qui n'est rien de plus qu'un morceau de viande saignante sur pattes) à une fusion déjantée mais ingénieuse de figures paternelles du jeux vidéo : la vitesse folle de Sonic, le Wall Jump de Mega Man, la grâce et l'Air Control de Mario. D'ailleurs, chaque vidéo d'intro à l'entrée d'un monde est une parodie des classiques introductions de certaines des figures citées plus haut. Vous le comprendrez rapidement une fois rentré dans Super Meat Boy. L'ambiance semble déjantée et étrange, mais au combien réfléchie. Un des détails les plus étonnant dans SMB est que le personnage de base est le plus rapide du roster. Ainsi les nombreux personnages secrets possèdent chacun une habilité spéciale qui peut faciliter l'accomplissement de certains niveaux mais ils vous sembleront pour la plupart incroyablement lents et bon nombre d'entre vous retourneront sans regret auprès de Meat Boy tellement les sensations de vitesse et de contrôle qui l'accompagnent sont délicieuses et inégalées. Mais tout de même il ne faudra pas pour autant ignorer les prestigieux invités qui se cachent dans Super Meat Boy : chaque version (PC, 360) possède des guest stars exclusifs provenant d'autres jeux indies inoubliables qui ont eux aussi reçu beaucoup d'amour de la part de leurs créateurs durant leur développement. Ainsi, sur 360, vous pourrez par exemple remonter le temps avec Tim (Braid) tandis que sur PC vous pourrez inverser la gravité avec Captain Veridian (VVVVVV).

Cliquez sur la four du comic book pour découvrir la fin tragique de Super Meat Boy !

Ça va SAIGNER !!

Autant ne pas y aller par quatre chemins. Super Meat Boy est dur. Les derniers niveaux sont d'une difficulté atroce et la concentration, les réflexes mais surtout la patience nécessaires pour accomplir la tâche vous sembleront surhumains. Mais en contraste la satisfaction acquise qui vous sera procurée quand vous aurez traversé la barrière qui vous faisait face sera exponentielle à toutes vos souffrances passées. Mais évidemment SMB n'est pas un jeu injustement difficile. Les contrôles et le gameplay sont parfaitement calibrés et si vous mourrez c'est encore et uniquement votre faute. Ainsi le soft atteint l'attrait des bons vieux jeux retro impardonnables, mais tellement récompensateurs. Il ne sera pas rare de mourir plus d'une trentaine de fois à la découverte d'un nouveau niveau. Les scies, trous, missiles et nombreux autres obstacles auront raison de vos tentatives futiles et l’environnement sera rapidement enveloppé d'une peinture rougeâtre. Entre autres, il y aura aussi des pansements parsemés à travers les niveaux à ramasser. Ceux-ci sont souvent placés dans les coins les plus retords, et devoir les attraper pour les rapporter à la sortie du niveau fera naître nombreux cheveux blanc sur votre tête. La majorité des niveaux ne durant pas plus d'une trentaine de secondes, le rythme perdure à chacune de vos tentatives. Une fois mort, la musique divine ne bronche pas, et vous réapparaissez quasi instantanément au début de l'épreuve, vous élançant à nouveau dans la course. Un des plaisirs basiques de SMB étant de ne jamais s’arrêter, quasiment tous les chapitres semblent avoir été envisagés de manière à être réalisables au pas de course. Ne jamais ralentir le rythme effréné, s'élancer dans le vide avec le moins de doutes possible, calculer les dangers et les sauts au pixel prêt à la vitesse de l'éclair, mourir bêtement et répéter à outrance jusqu’à la ligne d'arrivée procurent une sensation facilement qualifiable comme juteuse et presque malsaine. D'ailleurs, en parlant de trucs malsains mais savoureux, autant référer le "replay". A chaque mission accomplie, le jeu vous "récompensera" d'une vidéo regroupant tous vos échecs en même temps. Ainsi un ballet hypnotisant de toutes vos tentatives frustrés dans lesquels tous vos Meat Boy s'écraseront les uns après les autres jusqu'à ce qu'il ne reste plus qu'un élu victorieux, se déroulera devant vos yeux ébahis. Une idée simple mais brillante qui, j'en mettrais ma main au feu, sera futurement pompée et copiée dans de nombreux autres jeux vidéo à venir...

Vous l'aurez compris Super Meat Boy est une expérience que l'on qualifierait aisément d'endiablée. Pour son prix très accessible et son contenu très riche (plus de 300 niveaux et de nombreux secrets !!), je ne peux qualifier ce titre que de hautement recommandé. C'est une expérience qui se désigne comme retro mais qui apporte son lot de nouveautés au genre, insufflant carrément une touche moderne à l'indémodable genre des plates-formes, qui ici obtient une de ses nouvelles figures historiques.

Ce jeu est fait pour moi ?

Je suis un casual gamer et je souhaite
avant tout une expérience relaxante.

LOL !!
Rebrousse chemin petit chenapan et retourne sur ton Bejeweled.

Je suis quelqu'un qui joue à Super Mario
sans jamais lâcher la touche courir.

Quel plaisir de voir un frère de sang dans le coin.
Tu vas adorer Super Meat Boy au point qu'il fera surgir en toi une épiphanie, camarade !!
Les amoureux du speedrun auront aussi une expérience inoubliable.

Je suis masochiste.

Ce jeu est fait pour vous.
Ses créateurs sont des sadiques de première catégorie.
Vous allez bien vous entendre...

Je joue sur Wii.

Pas de chance la version Wiiware a été annulée il y a peu.
Mais ne perdez pas espoir, Team Meat a promis d'amener SMB sur une console Nintendo.
Peut-être une version boîte pour la Wii ou, qui sait, une arrivée sur 3DS ?
Croisons les doigts !

Je joue sur Playstation 3.

Ce jeu n'est pas fait pour vous. Veuillez mourir d'un incendie dans un magasin de carpettes.

Metal D. Luigi

Millenium 2 et 3

Wed, 02 Mar 2011 18:54:08 +0100

Bien que ça fasse un certain temps que je n'aie pas pondu d'article pour le Pavillon (les études et la productivité sont difficilement compatibles) je m'y remets tout de suite, pour vous livrer un petit compte-rendu.

Ça fait en effet un certain temps que j'avais abordé le sujet de Millénium, la série littéraire et policière à succès du feu suédois Stieg Larsson, qui s'est rapidement popularisée dans nos vertes contrées. Cela fait un petit peu moins de temps (mais toujours considérable, cela dit), dont j'avais abordé l'adaptation de son premier volume en film, réalisé par Niels Arden Oplay, avec, dans les rôles de Mikael Blomkvist et Lisbeth Salander, respectivement, Mikael Nqvist et Noomi Rapace.
J'ai, il n'y a pas très longtemps, eu l'occasion de terminer l'adaptation de cette série en film, en attendant le remake américain de ces derniers qui, aux dernières nouvelles, compteront notamment Daniel Craig dans le rôle du rédacteur en chef du célèbre journal fictif de Millénium.
Dans cet article, je grouperai le tir sur les volumes / épisodes 2 et 3 de la trilogie qui sont très liés pour ce qui est de leur sujet et de leur intrigue, le premier faisant surtout office d'affaire introductive, les puristes l'auront compris, de même que les profanes s'ils avaient lu les deux articles de mon cru sur le livre et le film.

Synopsis
Comme pour les autres articles, je vous prierai de vous référer aux articles cités ci-dessus.
Si c'est déjà fait, tant mieux !

L'histoire traitée dans les derniers opus de la trilogie est nettement plus riche que dans le premier, de par ses sujets qui, même s'ils sont assez différents l'un de l'autre, sont quand même connectés, de par leurs rapports étroits avec le personnage central de l'histoire, j'ai nommé Lisbeth Salander. Mais au lieu de vous spoiler tel un gros malotru, je vais tenter de vous clarifier la chose, afin que vous puissiez vous en délecter en toute quiétude.
Si vous n'êtes quand même pas satisfait, allez donc zieuter le blog d'Hachimaki qui s'est un peu plus attardé sur les opus séparément.

Avis
Comme pour Niels Arden Oplay vis-à-vis de Les Hommes qui n'aimaient pas les Femmes, Daniel Alfredson a tenté d'adapter La Fille qui rêvait d'un bidon d'essence et d'une allumette et La Reine dans le Palais des Courants d'air d'une façon que Leto a extrêmement bien rendu dans son commentaire sur le premier opus : bête comme chou.
En effet, Alfredson va droit au but. Il s'attache aux points essentiels de l'histoire, sans pour autant négliger sa profondeur ou encore faire du trop simpliste.
C'est une grande qualité que l'on peut déceler, car le réalisateur s'est vraiment bien débrouillé pour construire le film, puis pour le retranscrire, au contraire du premier volet qui a été un peu négligé dans ces aperçus, car on avait nettement moins de flou dans l'énigme qui nimbait son scénario, en raison du nombre réduit de suspects présentés (cf l'article sur Millenium 1).

Ici, donc, rien à dire du côté du scénario, si ce n'est un ou deux petits points noirs. On a l'impression que le réalisateur a essayé de ressortir un élément annexe au livre pour le mettre dans l'histoire principale du film, en le détachant du contexte dans lequel il se trouvait à l'origine. Cependant, c'est vraiment négligeable, je l'assure, parce qu'Alfredson a quand même réussi à le caser autrement dans son scénario en bricolant comme il pouvait avec ce qu'il y a autour, ce qui donne un résultat plutôt potable au final. Certains personnages, notamment Dag Svensson et Mia Bergman dans le 2ème opus, sont aussi sous-traités, si bien que le spectateur serait tenté d'oublier qui ils sont après environ une heure de film.

Pour ce qui est du rendu visuel, j'aurai les mêmes observations que pour le premier opus. En effet, Leto l'avait souligné, les couleurs et les tonalités du titre sont toujours très froides, peu importe l'endroit et les conditions où les événements se déroulent. Pas tellement de différences, au final.
Ensuite, pour ce qui est de la mise en scène et de la façon dont les divers passages clés de la série sont traités, j'aurais à dire que le réalisateur s'en tire très bien de ce côté. Sans pour autant perdre de leur cachet, en les traitant toujours le plus crûment possible pour la grande majorité, les moments les plus intenses du livre sont vraiment très bien retranscrits et s'accordent à merveille avec le reste. Ma seule déception concernerait la fin de Millenium 3, qui est trop raccourcie par rapport au livre à mon goût.
Bref.
Pour terminer cet article plutôt simpliste, je dois dire que j'ai tenté de faire un truc synthétisé au maximum, en spoilant le moins possible également tout en essayant d'exprimer au maximum ce que je pense. Si vous n'avez jamais entendu parler de Millenium, vous pouvez voir leur adaptation suédoise sans risque, c'est toujours une très bonne trilogie, avec un scénario qui tient suffisamment bien la route pour vous tenir en haleine, pour autant que vous ne soyez pas trop sensible à certaines scènes vraiment très trash. Pour les autres, vous risquez peut-être une petite déception, mais vous n'aurez certainement pas perdu votre temps. En tout cas moins que si vous allez voir plus tard le remake américain !

VonSturm

MICHAEL MOORE : POLEMIQUE SYSTEME (Manufacturing dissent)

Wed, 02 Mar 2011 18:48:59 +0100

MICHAEL MOORE : POLEMIQUE SYSTEME (Manufacturing dissent)

Voilà un film documentaire que je n’aurais probablement jamais vu si on ne me l’avait pas recommandé. De plus, un document qui prétend montrer "le vrai visage de Michael Moore" ne pouvait que titiller ma curiosité. Je tiens toutefois à préciser que cet article cible le documentaire en lui-même et non Michael Moore.

Ce film fut réalisé et produit par Debbie Melnyk et Rick Caine, documentaristes canadiens dont l’intention première était, selon eux, de réaliser un film sur Moore à la suite du visionnage de Fahrenheit 9/11, suscitant chez eux une certaine admiration pour celui-ci. Le tournant qu’a pris le projet, s’alignant ainsi sur les quelques autres films anti-Moore, serait le résultat des recherches de Melnyk et Caine sur sa vie. C’est ainsi que ce documentaire prétend faire tomber le masque du documentariste le plus influent de la dernière décennie.

N’étant moi-même pas tellement fan de Michael Moore ni de ses films (Bowling for Colombine étant le seul que j’ai vu), j’étais, au premier visionnage, prêt à entendre toute sorte de révélations justifiant cette méfiance vis-à-vis du documentariste (rien de personnel, hein ?!). Comme on pouvait s’y attendre, le film n’est pas tendre avec son sujet. Se reposant principalement sur des entretiens avec différentes personnes qui ont eu l’occasion de travailler avec Moore, Melnyk et Caine dressent un portrait négatif sur le documentariste et ses méthodes peu conventionnelles dans le milieu du documentaire. Certains exemples décortiqués dans le film, comme l’acquisition d’une arme dans une banque dans Bowling for Colombine, ou encore le vol d’un véhicule de journalistes dans Roger & Me, montre que Moore n’hésite pas à mettre en scène certaines séquences de ses films pour servir un propos déformé, voire totalement faux. D’autres exemples mettent en avant les différents raccourcis pris par le documentariste comme la dé-/re-contextualisation ou l’omission volontaire de certains faits.

Le documentaire Polémique Système permet effectivement de se faire une idée plus précise sur le personnage Michael Moore (j’imagine que Melnyk et Caine approuveraient le choix du terme "personnage") en dénonçant son mépris pour l’éthique du documentaire, mais également en décortiquant sa personnalité (à travers l’intervention de ses anciens collaborateurs, entre autres…). L’impression m’était donnée que la plus grande partie du film faisait un procès à Michael Moore l’homme, plutôt qu’à Michael Moore le documentariste. Évidement, sa personnalité a une grande importance dans son travail si on considère le fait que ses films sont dit "engagés" (porteurs de messages/convictions personnelles, etc.), mais j’estime que Melnyk et Caine n’ont pas assez pris de recul par rapport à Moore et entrent trop rapidement (et surtout trop longtemps) dans le cadre intime de leur sujet, empruntant par là même certains raccourcis douteux (impression totalement subjective, je vous l’accorde). C’est bien là que se situe toute la faiblesse de Polémique système : Melnyk et Caine semblent tout droit sortis de l’école Moore, pointant du doigt des procédés qu’ils utilisent à leur tour. De la même manière que la méta-fiction, l’auto-référence présente le risque d’exposer les faiblesses des mécanismes employés (ici mécanismes du documentaire). L’illusion (plus employée qu’on ne le croît dans le milieu du documentaire) qui a une place importante (semble-t-il) dans le travail de Moore (mise en scène, dé-/re-contextualisation, etc.) en étant mise en relief par Melnyk et Caine invite le spectateur (peut-on parler de spectateur pour le documentaire ??) à douter des procédés de ces derniers, leur enlevant une part de crédibilité.

L’impact général du film est bien trop faible, l’ensemble étant trop vite bouclé pour un sujet où il y aurait beaucoup à dire. Polémique Système porte bien son nom puisqu’il semble alimenter une polémique qui n’est pas nouvelle, sans apporter suffisamment d’arguments pertinents pouvant inquiéter le documentariste à scandale. Toutefois, bien que cet article ne soit pas tellement tendre avec son sujet (c’est la moindre des choses, non ?), j’invite ceux qui liront cet article à voir ce film pour deux raison : tout d’abord même s’il ne manque pas de prétention en s’attaquant à Moore, ce documentaire présente tout de même le documentariste sous un jour difficilement contestable, ce qui ébranlera certainement certains de ses admirateurs ; mais aussi parce que ce film peut rappeler à quel point la vigilance du spectateur est importante lors du visionnage d’un documentaire où tout est supposé être vérité.

Little Boy.

Le Dorohedoro, un sport révolutionnaire.

Wed, 02 Mar 2011 18:45:31 +0100

Dans le monde actuel, le sport est présent sous d'innombrables formes, passant du travail d'équipe aux performances personnelles, que ce soit sur terre, air ou mer, capable donc de satisfaire aux attentes des exigences les plus farfelues, et peut même plaire aux fainéants (des gens comme moi) à travers des compétitions auxquelles l'on peut assister, méthode grâce à laquelle un grand nombre de sports est devenu incontournable dans la vie courante d'une bonne partie de la population, que ce soit dans sa pratique ou sur le petit écran. Hélas, il existe également des sports injustement oubliés, presque inconnus, dont le citoyen lambda n'en a rien à cirer, ne serait-ce que par son nom (Dorohedoro ? C'est un concours de fumeurs de champignons ?) ou par son manque de publicité.

Il a un symbole original pourtant.

Et pourtant, il ne s'agit pas d'un sport qui nécessite un matériel extrêmement onéreux ni compliqué. Il vous suffit en effet de vous procurer une collection de manga seinen éditée chez Soleil Manga, bien qu'elle soit encore en cours d'expansion (vous permettant de faire durer le plaisir) et plutôt difficile à trouver, et votre coin lecture préféré. Vous voilà donc paré pour plonger dans l'un des matches les plus étranges, violents, noirs et pourtant brutalement joyeux qui n'aient jamais existé.

Les joueurs principaux. Ensemble pour la photo.

L'histoire narre la lutte entre certains habitants d'Hole, une ville qui ressemble plus ou moins à Paris après que les pigeons ont pourri le climat (ce qui devrait arriver bientôt), et certaines personnalités du monde des Mages, personnages capables de projeter de la fumée possédant de multiples effets qui dépendent de la personne.

Le "héros", si l'on peut dire, s'appelle Caïman, a une tête de crocodile (tiens, je me demande pourquoi je n'ai pas été nommé babouin ?), est amnésique et est devenu immunisé contre la magie. Convaincu que son état est l'œuvre d'un mage, il se met à jouer, en compagnie de son amie Nikaïdo, à « la chasse aux Mages », l'un des nombreux jeux qui constituent Dorohedoro, dans l'espoir de trucider celui responsable de sa malédiction afin de recouvrir sa mémoire et de retrouver une tête humaine.

Néanmoins, il finit par attirer l'attention d'En, un maffieux plutôt paternel fanatique des champignons (ah zut, ceux qui ont été rebutés par le nom n'avaient pas totalement tort en fait) avec une coupe qui ferait pâlir de jalousie les hérissons, qui charge ses subordonnés Shin (portant un masque représentant un cœur) et Noi (une grosse brute, emphase sur "une") de jouer au « sus au croco »*.

Et c'est ainsi que démarre un match dantesque mais farfelu entre l'équipe de Caïman, qui aimerait bien vivre une vie pépère, sans tête de crocodile si possible, et celle d'En, qui voudrait bien vivre une vie pépère, sans menace contre ses subordonnés si possible.

Totalement règlementaire.

Bien sûr, ces deux équipes ne seront pas les seuls compétiteurs, et en plus de nouveaux joueurs dans chacune des équipes (une mention spéciale à Jonson, un cafard géant qui sait dire « Diantre ! », je jure sur la tête de croco que c'est vrai), des challengers, des équipes illégales et même des organisateurs participeront à l'affrontement, qui se voudra plutôt brutal, mais toujours dans la bonne humeur.

Il est bien entendu que l'histoire ne se focalise pas uniquement sur ces matches. De ce fait, on assistera également à quelques épisodes de la vie quotidienne de toutes les équipes, qui peuvent aussi bien être constituées d'une scéance au cinéma du côté des joueurs de l'équipe d'En, que d'apprendre à préparer des gyôzas chez l'équipe de Caïman, le tout bien sûr dans la bonne humeur et l'humour noir. On ne manquera pas également quelques jeux divers en solitaire qui permettront de d'occuper les joueurs si un match est reporté.

Une pause casse-croûte entre deux matches.

En conclusion, Dorohedoro est un manga, ou sport (auquel cas on oubliera pas d'ajouter un "le" devant), très original qui se transcende des éternelles notions de gentils contre méchants et met en scène des personnages farfelus, qui ne font chacun que défendre leur équipe/intérêts, le tout arrosé d'une bonne dose d'humour fumée noire et de joie parfumée aux gyôzas.

Qu'attendez-vous donc pour vous adonner à ce sport burlesque ? Diantre !

*Ceci n'est absolument pas un appel à la cruauté envers les animaux, du moins pas techniquement. La Société Protectrice des Animaux est donc priée de reposer ses procès.

Dark Link

Le cercle littéraire des amateurs d'épluchures de patates.

Wed, 02 Mar 2011 18:38:17 +0100

Mary Ann Shaffer & Annie Barrows

Mary Ann Shaffer a commencé à s'intéresser aux îles anglo-normandes en 1976 lorsque sur un coup de tête elle prend l'avion pour rejoindre le Guernesey, où elle reste coincée à cause d'un épais brouillard. Durant son séjour forcé elle devore un ouvrage sur le Jersey, à cette occasion elle se decouvre une veritable passion pour cette île. "Le cercle littéraire des amateurs d'épluchures de patates" est son unique roman, écrit en collaboration avec sa nièce Annie Barrows (écrivaine pour enfant).
Mary Ann Shaffer est décédée en Février 2008, après avoir appris que son roman sera publié et traduit en plusieurs langues.

Avis

La narration épistolaire de ce livre m'a attirée dans un premier temps, puisqu'elle permet de changer de narrateur régulièrement, chose que j'apprécie particulièrement. Malheureusement l'auteur n'a pas su différencier/caractériser certains de ses personnages, de sorte que nous nous retrouvons parfois face à un courrier sans vraiment réussir à trouver de qui il vient. Je trouve dommage d'être obligée de vérifier qui écrit à qui pour savoir quel personnage s'exprime. Je reconnais tout de même que d'autres personnages sont facilement identifiables et que l'auteur a su rendre attachant l'intégralité des protagonistes (si si, même Miss Adelaide Addison).
Vendu dans un "point relay" à la gare, sans être un grand roman, c'est assurément une agréable surprise !

Liloo

Comment est né le fameux personnage de Dracula ?

Wed, 02 Mar 2011 18:33:03 +0100

L'écrivain irlandais Brian Stoker (1847 - 1912) publie un premier roman fantastique en 1875 : The Chain of Destiny. Il écrit aussi quelques histoires pour les enfants et des chroniques de théâtre. Puis, dès 1890, il se met à se passionner pour un étrange souverain : Vlad Tepes (1431 - 1476).

- Vlad Tepes

Cet homme règne sur la principauté de Valachie, une région de plaines et de vallons située au nord du Danube et au Sud des Carpates. En 1859, la Valachie et la Moldavie donneront naissance à l'actuelle Roumanie.
D'abord province romaine (107 ap. JC), la Valachie sera ensuite soumise à des vagues successives d'invasions dont celle des Mongols (1241). Fondée en 1330, la principauté de Valachie passe sous l'autorité des Turcs ottomans (1417). Face à l'envahisseur, elle parvient toutefois à conserver une "relative" autonomie administrative et religieuse jusqu'en 1526.
Entre 1456 et 1462, puis de 1475 à 1476, Vlad Tepes conduit avec difficulté les affaires de sa principauté affaiblie par l'incessante guérilla qu'il mène contre l'ennemi turc. Effroyable tyran et souverain sanguinaire, Vlad va s'illustrer par son indicible cruauté qui navigue aux confins de la folie. Par exemple, l'un de ses plus grands plaisirs consiste à faire empaler vivants les prisonniers, voire certains de ses propres soldats, afin d'exacerber leur courage. Et on dira même que le prince apprécie tout particulièrement de s'installer devant ce spectacle de corps agonisants pour dîner. Cette déviance lui vaut alors le surnom de "Vlad l'Empaleur". Il sera assassiné en décembre 1476, puis décapité. La légende veut que sa tête ait fini au bout d'un pieu ! Bram Stoker va donc s'enthousiasmer pour l'histoire de ce prince sadique.

- Dracul...

Revenons un peu arrière ...
En 1431, le Saint Empereur romain germanique, Sigismund de Luxembourg, intronise dans l'ordre du Dragon le père de Vlad l'Empaleur. Créé en 1408 par Sigismund, cet ordre demande notamment à ses initiés de combattre les ennemis de la chrétienté, et tout spécifiquement les Turcs. De façon symbolique, l'emblème de cette association représente d'ailleurs un dragon terrassé par une croix ! Et le père de Vlad prend alors le surnom de Dracul, en référence à sa forte implication dans l'ordre qui l'a énergiquement aidé à monter sur le trône de Valachie (1436). Le mot dracul vient du latin draco et il signifie dragon. Quant à Vlad l'Empaleur, il utilisera le sobriquet de son père en le gratifiant d'un infime déformation. Ainsi se fera-t-il appeler "Dracula", une sorte de diminutif qui voudrait dire "fils de Dracul". Et c'est ainsi que naquit le comte de Dracula dans l'imagination fertile de Bram Stoker, nourri dès sa plus tendre enfance par les récits légendaires irlandais, puis fortifié par la fréquentation assidue des nombreux cercles ésotériques londoniens de l'époque. A l'image de son lointain modèle, Vlad Tepes dit "l'Empaleur", le comte de Dracula sera lui aussi assoiffé de sang.
Sobrement intitulé Dracula, le livre de Stoker sort en 1897.

- Le cinéma...

Par la suite, le mythe de Dracula va connaître une exceptionnelle carrière cinématographique. Il y aura tout d'abord le remarquable Nosferatu le vampire de Friedrich Wilhelm Murnau (1922), un film muet très librement inspiré du roman de Stoker. L'industrie cinématographique va flairer d'emblée le bon filon commercial avec le mythe de Dracula. Aussi va-t-elle exploiter sans vergogne le personnage de Dracula pour fabriquer une ribambelle de films qui relèvent souvent de la culture du navet. :lol: Ce qui permet de mettre le mot Dracula à toutes les sauces ! D'ailleurs, dans certaines productions affligeantes, le vampire des Carpates n'apparaît même pas, mais les scénaristes mettent en scène sa fille, son fils, ses maîtresses...
Mais citons cependant quand même quelques références dignes d'intérêt. Notamment le Dracula de Tod Browning (1931), et tout comme son prédécesseur, Christopher Lee va incontestablement marquer le rôle (Le Cauchemar de Dracula ; Dracula, prince des ténèbres ; Dracula et les femmes ; Les Nuits de Dracula ; Une messe pour Dracula ; Dracula vit toujours à Londres ou encore Dracula père et fils).
Le rôle de Dracula, outre Bela Lugosi et Christopher Lee, sera également marqué par deux autres comédiens : d'abord par Franck Langella dans le sobre Dracula (John Bradham, 1979), et ensuite par Gary Oldman, dans le remarquable film de FF Coppola (1992), Bram Stoker's Dracula. La plus fidèle adaptation du roman de Stoker. Enfin c'est mon avis aussi ! ^^

el-d

La folie "K-On"

Wed, 02 Mar 2011 18:24:44 +0100

Les gens considèrent souvent la mode comme une tendance passagère : on voit telle ou telle marque partout jusqu'à l’acheter nous-même et on trouve ça beau, chic, moderne, etc. Récemment au pays du sushi, une mode-maladie-folie-épidémie (appelez ça comme vous voulez) frappe les otaku sans défense : La folie “K-On!”.

"Bonjour, nous sommes jeunes, mignonnes et nous allons tous vous ruiner !"

Tout a commencé en mai 2007 par un petit manga de Kakifly du nom de K-On! -けいおん!- (à prononcer “keill'on”) abrégé de 軽音楽 (à prononcer "keill'ongaku") et qui signifie “musique douce”, le tout mettant en scène des lycéennes du club de musique douce voulant créer un groupe de pop-rock. Voilà. Sauf que derrière ce synopsis tenant sur une feuille de PQ se cachait dans le noir la véritable menace : le “Moe”, pire que le "Kawai".

C’est en avril 2009, avec l’adaptation en anime de K-On! par Kyoto Animation, qu’on appelle la “Kyoanification” de K-On! ou tout simplement sa “moefication” qui a fait naître ce mouvement, faisant littéralement exploser les records d’audience et les ventes, puisque les chiffres lors du premier jour de vente de K-On! ont été de 33.000 exemplaires DVD et de 8.000 exemplaires Blu-ray vendus, surpassant de très loin ceux de Code Geass et de Macross Frontier (tous les deux des anime sur des robots géants). La première saison de K-On! a été si populaire qu’ils ont diffusé la seconde sur plus de 20 chaînes japonaises alors qu'en temps normal, un dessin animé n’est diffusé que par 3 ou 4 stations.

La boîte à mouchoirs officiel K-On!. Faites-en ce que vous voulez mais ça ne me regarde pas.

Il faut avouer qu’un anime “slice of life” qui met en scène cinq charmantes jeunes filles dans leur club de musique et qui profitent de leur jeunesse, ça a tout pour plaire. Il n’y a aucune scène à censurer dans K-On!, car c’est cette innocence, cette pureté, qui fait sa puissance, ce moe. Mais le fanservice n’est pas laissé de côté pour autant car nous avons droit à des oreilles de chat, du cosplay, des queues de cheval ou encore des maillots (bouh le spoil). Chaque héroïne possède son charme, et ce n’est pas pour déplaire à la gente masculine qui regroupe plus de 90% des fans. Pas besoin de scénario en béton, la seule vue de filles et d'instruments de musique dans un épisode suffit à vous combler, et vous vous retrouvez à baver bêtement devant votre écran pendant 24 minutes.

En plus d’être mignonnes, n’oublions pas que ces demoiselles jouent également dans un groupe, ce qui fait que les openings, les endings et les insert songs sont toutes “jouées” et chantées par nos héroïnes. Cela ne fait que booster les ventes des produits dérivés grâce à une flopée d’albums et de singles (très) populaires. Le single “Fuwa Fuwa Time” a fini troisième dans le classement hit-parade du site japonais Oricon, “Cagayake Girls” et “Don’t Say “Lazy”” ayant quant à eux été pendant un certain temps deuxièmes dans le classement des meilleurs disques sur Amazon.co.jp. Rien que ça.

Chaque nouvel épisode de K-On! est un évènement international chez les otaku passionnés : chaque image, chaque scène, chaque objet est analysé, décortiqué, puis critiqué sur les forums, les sites et les blogs. Non je n’exagère pas : Les petites erreurs de dessin, les personnages secondaires, les objets dans l’anime, etc... Tout, je dis bien absolument tout a été découvert pour vous :

Un admirateur s'est amusé à refaire le bento de Tsumugi...

Publicité involontaire ou complot marketing ?...

Les 5 personnages de K-On! ont également été toutes les 5 dans le top 5 des personnages féminins du magazine japonais NewType.

Ce qui fait le plus peur là-dedans, c’est la réaction des fans face à ce phénomène : ils achètent des produits derivés comme des posters, des figurines, les CDs, des accessoires estampilés “K-On!” etc... Jusque là, tout va bien. Mais ces derniers dépensent aussi leur argent dans les guitares de l’anime, en sachant que la basse de Mio est une Fender American Standard Jazz modèle gaucher et qu’elle vaut dans les 1400 dollars, que la guitare de Yui est une Gibson Les Paul Standard (1800 dollars) et qu’enfin celle d’Azusa est une Fender Mustang ’65 avoisinant les 900 dollars. Vous allez me dire qu’une seule guitare ne va pas ruiner ces pauvres gens ? Eh bien figurez vous que si : K-On! a provoqué un véritable boom dans les ventes de guitares et ce n’est pas pour déplaire aux magasins de musique comme vous pouvez le voir :

Le plus impressionant, c’est la façon dont les otaku font “vivre les héroïnes” en fêtant leur anniversaire (tradition d’otaku d’après le peu que j’ai compris), en créant des modélisations 3D et en les incrustant dans une vidéo ou encore tout bêtement en leur faisant des bises à travers leur écran....

"Smack, smack, lapelapelape..." Vous pouvez aussi faire ça chez vous.

"Alors comme ça, vous jouez dans un groupe ?"

Et sinon... Votre gâteau vous le mangez avec qui ?...

Il y a aussi eu un cas de cambriolage dans l'école qui a servi de modèle dans K-On! où certains goodies et instruments de la série étaient exposés. Les voleurs ont néanmoins jeté la basse mais gardé les figurines. Seigneur.

Pour ceux qui n'ont vraiment rien à faire (ou alors pour ceux qui trouvent mon article intéressant - merci à vous - voici la liste de classe complète de la classe de Yui, Mio, Ritsu et Mugi avec les noms des élèves. Impressionnant.

Les fans ont fouillé les noms dans les endings et analysé la liste de classe affichée sur le tableau dans l'anime pour arriver à ce résultat.

Les maniaques aussi se sont amusés à chercher des culottes, comme ce genre de scènes sont inexistantes dans K-On! :

"Les mecs !! J'ai trouvé une scène où l'on voit la culotte à Mio !! Joie !!"

Heureusement (?), en avil 2010, K-On! se voit dépassé par Angel Beats!, un autre anime sur des jolies jeunes filles qui font de la musique et qui maîtrisent des guitares mais avec des combats et du fantastique en prime. Car c’est bien au talon d’Achille de K-On! qu'Angel Beats! a frappé : le scénario ! Vous savez, cette chose si indispensable dans une histoire avec un début, un milieu, une fin ? Cet élément si important mais qui est pourtant absent dans K-On! à part un but très vague ? (On va faire péter la scène pop japonaise !!! Direction le Budokan !! Objectif oublié après le 2-3ème épisode...)

N’oublions pas les dakimakura OFFICIELS de K-On!...

On a aussi eu droit au concert de K-On! avec les cinq doubleuses de K-On! qui jouent leur instrument respectif de l’anime en playback devant une horde de fans dont une majorité écrasante de mâles. Ou comment vendre.

K-On! a aussi réussi à faire de la publicité involontaire pour certains produits que les fans cherchent au fur et à mesure des épisodes. Rien n'y échappe.

Un exemple assez bluffant quand même : Les ventes du casque K701 de AKG que porte Mio dans l'épisode 5 ont connu une montée fulgurante même s'il coûte 560 euros...

"Loulz, j'en ai acheté 6 au cas où. Malin hein ? ;D"

Il devait vraiment aimer Mugi pour acheter tout ça à mon avis.

[imhttp://img577.imageshack.us/img577/5905/konfan.jpg]
Sur cette photo, le vélo, les trois instruments de musique, l'ampli, le ventilateur, les baffles, le portable, la tasse, le casque ainsi que le netbook apparaissant dans la série. Respect.

Pour finir, n'oublions pas que tout ceci reste une mode. Et que toute mode a une fin. Et donc j'en déduis que K-On! a déjà presque disparu de l'esprit de ces pauvres otaku et que Kyoto Animation ne tenteront plus rien d'autre pour exploiter ce filo-

UN FILM???

To be a suivre...

DeathZ

Heureusement que le Père Noel n'est pas syndicaliste !

Wed, 05 Jan 2011 21:58:02 +0100

Lecteurs, lectrices de tous horizons, touristes de passage sur le site, espèces non encore identifiées par l'homme s'étant perdues dans l'océan du net, bonsoir.

J'espère que le Père Noel, mais si vous savez ce vieux bonhomme rouge et blanc crée par Coca Cola et qui ne travaille qu'un jour par an pour se mater des animes le reste du temps (le fourbe !) a été gentil avec vous et qu'il vous a offerts ce que vous désiriez, autrement dit des espèces sonnantes et trébuchantes. Ou un chèque. Voire un virement bancaire. Et peur être même un combo des trois. Si d'ailleurs, par une quelconque ironie du sort, vous ne sauriez que faire de vos étrennes, mon compte PayPal acceptera avec plaisir de sortir de son régime forcé et pourrait vous alléger de quelques menus deniers dont vous ne savez que faire, histoire que durant les quelques 300 prochaines soirées, je puisse discuter Jeux Vidéos avec le Père Noel, Geek pur souche s'il en est, ce que je suis sûr, esprit brillant que vous êtes, auriez déjà avoir dû deviné depuis bien longtemps. D'ailleurs, j'espère bien, mais je n'y crois guère, avoir déjà brisé deux ou trois rêves innocents de gamin avec cette vaine introduction ou au moins obligé mes quelques rares lecteurs à relire ma phrase précédente pour en saisir un illusoire sens. Celui ci étant juste de vous préparer à ce qui va suivre. En l'occurrence, encore plus de texte mais peut-être un peu plus compréhensible(j'espère).

Car oui, lecteurs, lectrices de tous horizons, touristes [...] du net, sachez qu'entre deux tranches de saumon et un peu de fois gras, les quelques fous qui errent ici ont écrit des articles. Bon, moi je laisse juste ma folie s'exprimer sans autre retenue que la langue française mais ceci n'est qu'un détail sans la moindre once d'importance. Maintenant, je pourrais essayer d'introduire les articles que vous pourrez retrouver juste après avoir fini de lire mes palabres incohérentes, à moins que vous ayez passé outre preuve que votre cerveau est encore à peu près intact, mais je n'ai pas la moindre idée de ce qui a été écrit durant ce mois et du coup, je ne le peux point (introduire pour les quelques-uns du fond qui dorment) !

Sur ce, bonne lecture.

Culture
Le métier de facteur (1ère partie)
Facebook, mon vieux pays natal

BD/Manga
L'accablanthe apathie des dimanches à rosbif
Bakuman, la version anime

Cinema
La Photographie [Part.01]

Jeux Videos:
Conker's Bad Fur Day

Jonh Smith

Conker's Bad Fur Day

Wed, 05 Jan 2011 21:38:51 +0100

Lorsqu'on évoque les jeux vidéo d'il y a environ une dizaine d'années, on avait des idées relativement arrêtées à leur sujet. Ils étaient produits en règle générale pour des garçons, plutôt jeunes et innocents (ça dépend des jeux, mais en général ça ne ciblait pas très haut), ce qui peut se ressentir surtout chez certaines firmes. À l'heure où le casual gaming fait légion et que l'industrie vidéoludique est devenue plus que rentable et digne d'intérêt, on produit vraiment de tout, en vue de toucher un maximum de public : les jeunes comme les moins jeunes, les « hardcore gamers » comme les casuals, etc.
Cela n'était pas vu sous cet angle à l'époque.

Il y a longtemps, bien avant que la guerre des consoles se caractérise par la genre de relation conflictuelle entre Nintendo, Sony et Microsoft (Sega étant tombée au combat, hommage à elle), on avait surtout du Nintendo. Bon ok, j'étais pas très au fait de ce genre d'actualité il y a dix ans, mais, je ne connaissais pas grand chose d'autre.
Quand on pense Nintendo, ça nous évoque l'idée d'un plombier gay moustachu en salopette, un lutin vert, une boule de chewing-gum rose, des singes, bref, des trucs tout à fait bon enfant et traités comme tels. J'entends, on n'aurait jamais imaginé des jeux trash comme cela peut se faire maintenant, relativement régulièrement.
Le studio RARE (ou RareWare), que je traiterai ici, est principalement connu pour plusieurs licences. Parmi celles-ci, l'on citera surtout Donkey Kong Country (de la SNES et suivantes) et Banjo-Kazooie (Nintendo 64, Game Boy Advance, Xbox 360), des jeux de plate-formes par excellence, qui ont ravi nombre de petits et grands devant leur console durant longtemps (et qui continuent de le faire pour la plupart). À côté de ces jeux tout mignons et innocents qu'ils sont se cache un monstre, qui, sous ses traits aussi colorés et enfantins qu'un simple Mario, cache un esprit complètement dérangé, décalé, vulgaire, mais toutefois énormissime, chose qu'on n'imaginerait jamais dans un jeu estampillé Nintendo (surtout pour ce qui se faisait sur Nintendo 64 à l'époque).
Ce jeu, le voici, le voilà, c'est :

En cliquant, vous accéderez au thème principal du jeu. Edifiant n'est-il pas?

Conker's Bad Fur Day, Bad Fur étant basé sur l'expression anglaise « bad hair » qui signifie avoir la gueule de bois (fur se traduisant par fourrure), est un jeu de plate-formes sorti en 2001 sur Nintendo 64, dont il existe un spin-off (Conker's Pocket Tales sur Game Boy Color) et un remake (Conker : Live & Reloaded sur Xbox).
Le pitch du jeu est assez simple – mais aussi terriblement original pour une production de chez Nintendo – de ce côté-là. Conker, lors de la cinématique d'intro, passe la soirée dans un bar à s'aviner comme régulièrement. Quand il décide de repartir, l'alcool aidant dans le mauvais sens du terme, il se perd dans les bois et se retrouve à des kilomètres de chez lui. Le rôle du joueur sera ainsi de le ramener à la maison – et vers sa copine Berri, à travers les diverses zones du jeu, tout en amassant un maximum de thunes (car oui Conker a de très solides motivations vénales), bravant des dangers en tous genres.
Bien entendu, il existe un problème. Le roi du pays de Windy (une énorme panthère noire) a un petit souci : sa table est bancale, et n'arrête pas de pencher, empêchant ainsi les verres de lait de rester droits et de ne pas répandre leur contenu sur le sol. Toutefois, son scientifique a une solution miracle! Après divers calculs et expériences, il a enfin pu trouver que l'objet qui a une taille idéale pour remplacer son pied de table est un petit écureuil roux...

Sous ces aubes joyeuses, Conker devra ainsi entreprendre son aventure à travers un monde complètement dingue, rempli de personnages attachants, tels un tournesol à gros seins, une fourche qui a des envies suicidaires, un poisson-bouledogue, un épouvantail alcoolo, et bien d'autres gueules toutes aussi originales les unes que les autres.

Outre son scénar qui est bien sûr extrêmement parodique – de même que les phases de jeu et les quêtes que l'on doit réaliser pour pouvoir avancer dans les niveaux – le titre est une grosse caricature des jeux de plate-formes de chez Nintendo (en règle générale), avec entre autres, une explication logique au fait que les items lévitent au-dessus du sol (le scientifique balance sa dernière invention, des plaques de chocolats flottantes, par la fenêtre de son labo au début du jeu), comme les pièces dans les Mario Bros., ou encore le fait que Conker puisse faire « le truc avec sa queue » afin de ralentir sa chute, ce qui nous rappelle surtout un certain renard de chez Sega. Conker, avec tout ça, peut se servir allègrement d'une poêle à frire pour faire fi de la plupart de ses ennemis.
D'ailleurs, puisque j'y viens, Conker peut accomplir des tas d'autre actions en fonction de la situation dans laquelle il se trouve. Ces actions, qualifiées de « contextuelles », surviennent soit dans le feu de l'action – notamment face aux Boss – soit lorsqu'il marche sur une grosse dalle sur laquelle est inscrit la lettre B, qui sert à les faire. Ainsi, lorsqu'une ampoule apparaît au-dessus de la tête de Conker (signe qu'une action est possible), ce dernier sera capable de se transformer en enclume pour enclencher un interrupteur, sortir un chalumeau pour se débarrasser de chauve-souris qui l'attaquent, jeter du papier hygiénique dans la gueule d'un tas d'excréments vivant, etc. Les possibilités sont extrêmement variées de ce côté-là, et on s'en prend plein la gueule. Face aux Boss, qui sont aussi bien fendards de ce côté-là, de par leur genre (une botte de foin terminator, une chaudière géante, etc.) et aussi par leur manière de les vaincre, illustrée en beauté par ces actions, qui offrent un moyen – JAMAIS normal – de les mettre à bas, en sortant des briques pour lui cogner en plein dans les parties sensibles, lui mordant le postérieur avec un dinosaure, et bien d'autres façons complètement barrées et hilarantes, quoiqu'un peu logiques si on y réfléchit un peu.

Intégralement doublé en anglais, ce jeu est vraiment une perle de l'auto-dérision, de la satire, des jurons et du mauvais goût, mais qui arrive très bien à séduire quiconque s'y connaît un minimum. À noter que la version sur Xbox est sous-titrée en français, mais d'une manière assez succinte, qui est à mon sens TRÈS loin d'égaler la version N64.

Je vous disais bien que je ne déconnais pas !

Avec des graphismes très jolis, doublés d'une musique entraînante et d'un univers attachant, Conker's Bad Fur Day offre une expérience de jeu vraiment divertissante et hilarante, parfaite pour des amateurs du second degré et suivants. Il y a aussi un mode MultiJoueur aussi, qui est extrêmement bien fourni également, vu le nombre d'options proposées.

Sérieux, les gens. Dans Conker's Bad Fur Day, vous pourrez, notamment (sautez la liste qui va suivre si vous ne voulez pas être encore plus spoilé que vous ne l'êtes déjà) :
- Être la cible des moqueries d'un pot de peinture et d'un pinceau
- Rencontrer la Mort
- Affronter un tas d'excréments géant qui chante de l'opéra
- Ramasser des tonnes de billets de thune qui insultent quiconque les ramasse
- Participer à une scène de « Il faut sauver le soldat Ryan »
- Rencontrer un engrenage schizophrène
- Devenir Roi du Monde
Etc.

En somme, si vous trouvez ce jeu pour les fêtes (ou autres), procurez-le vous immédiatement, il est très difficile à trouver sur le marché de nos jours, et, vu ce qu'il propose, ce ne sera certainement ni de l'argent, ni du temps perdu !
À bon entendeur !

VonSturm

La photographie [Part. 01]

Wed, 05 Jan 2011 21:35:01 +0100

Rassurez-vous d’emblée, nous n’allons pas entrer dans des considérations autrement techniques. Bien sûr, éviter purement et simplement d’aborder cet aspect de la photographie est impossible pour évoquer un sujet d’une telle largesse, cependant, nous allons essayer de limiter autant que faire se peut le jargon et autres joyeusetés du genre. Dès lors que cette mise au point est faite, par où commencer ? Après tout, il faudrait bien une centaine d’articles pour ne serait-ce qu’effleurer cet art populairement grandissant qu’est la photographie. Nous allons prendre une tangente : en fait de photo en tant que telle, parlons plutôt de photo, mais au cinéma !

Le cinéma est également un art, vous le savez aussi bien que moi. Et s’il a mis du temps à s’imposer comme tel, il reste qu’aujourd’hui, on lui accorde sans grand mal ce statut. Et pour aller encore plus loin, c’est un art dans lequel s’exprime un autre art, à la fois si proche et si éloigné : la photo. Les bons magazines sur le cinéma – ce qui est chose rare, je vous l’accorde – parlent sans cesse de la photo et de son esthétique dans leurs critiques de films. Dans le langage courant, c’est très compréhensible, mais qu’en est-il en réalité ? Qu’est-ce donc que cette photo cent fois ressassée mais jamais clairement définie aux yeux du grand public ? Surtout, pourquoi est-elle si importante ?

Je ne saurai dire avec certitude si la photo a contribué à populariser le cinéma ou même l’inverse, toujours est-il que ces deux formes d’expression sont intimement liées – d’un côté plus que de l’autre mais tout de même. On a tendance à dire qu’un bon photographe fait souvent un piètre cinéaste, et en définitive, un bon cinéaste doit obligatoirement s’entourer d’un bon photographe. La première force de la photo réside dans sa capacité à magnifier un récit par la puissance émotionnelle qu’elle peut procurer. On accorde plus de crédit et de poids à une image figée parce qu’elle réfère immédiatement à un événement passé et donc devenu immuable. C’est, en quelque sorte, un témoignage physique, une preuve visible. Les scènes prennent plus facilement une dimension dramatique lorsqu’elles sont contées presque au ralenti, par juxtaposition d’images fixes. Une première remarque ici – alors que je semble, n’est-ce pas, m’éloigner grandement du sujet de base –, que serait une telle scène si elle était affublée d’une horrible photo ? Un drame survenu dans la nuit aurait-elle un quelconque impact drapé dans une lumière étincelante ?

Nous y voilà : la photo d’un film, c’est d’abord l’esthétique de son image, c’est-à-dire l’éclairage du plateau de tournage, par prolongement, la lumière, et en fin de compte, l’exposition. Au lieu de donner une définition grandiloquente sur ce qu’est l’exposition, sachez simplement qu’une image sous-exposée qualifie une image trop sombre par rapport aux teintes normales et qu’une image sur-exposée est au contraire une image trop claire. Pourquoi cette histoire d’exposition est-elle si importante aux yeux des cinéastes ? Parce que c’est grâce à elle que l’on crée l’ambiance d’un film. De manière simple, une photo volontairement sous-exposée focaliserait l’attention du spectateur sur l’expression des personnages, occultant plus ou moins le reste, tandis qu’une photo sur-exposée pourrait faire référence à un aspect divin ou céleste. Le directeur de la photographie d’un film peut ainsi jouer sur différentes expositions afin de rendre compte de ce que le réalisateur souhaite nous transmettre. Et c’est d’autant plus subtil qu’il est possible de modifier toute cette cuisine à l’aide de différents filtres dont certains peuvent vous coûter pas moins d’un bras.

C’est bien joli tout ça, mais comment contrôle-t-on l’exposition ? me direz-vous. Eh bien, accrochez-vous parce que ça va devenir compliqué, surtout qu’influer sur l’exposition peut, dans une certaine mesure, poser des contraintes sur la composition d’une photo. Grosso modo, l'exposition repose sur le triangle ouverture-vitesse-ISO. Ne nous précipitons pas dans le gouffre dès l'orée de cette explication qui promet d'être agité, procédons dans l'ordre. D'abord, qu'est-ce que l'ISO ? Il s'agit tout bonnement de la sensibilité du capteur (ou de la pellicule) à la lumière. La pellicule, ça parle d'elle-même, tout le monde peut comprendre à quoi ça peut bien servir, ou en tout cas, c'est à espérer ; le capteur est le pendant de la pellicule à l'heure du numérique, c'est donc sur ce truc que va être "imprimée" l'image. Il est bien évident qu'un capteur ayant une grande sensibilité aura besoin de moins de lumière pour restituer une image suffisamment exposée qu'un capteur de moindre sensibilité. Ce paramètre est déterminant dans certains cas de figure puisqu'il a également une influence sur le bruit d'une image. Le bruit ce sont des petits grains, souvent indésirables, qui viennent s'incruster comme des parasites ; on l’appelle, lorsqu'il est sciemment recherché, l’effet numérique d'une photo. Plus on augmente l'ISO d'un capteur, plus le bruit sera accentué, si bien que la plupart du temps, la grande masse essaie de garder l'ISO au niveau le plus faible possible permettant toutefois d’exposer correctement une image. Cependant, il peut arriver qu’un photographe ou un cinéaste, en pleine connaissance de cause, règlent volontairement l’ISO sur une grande valeur, ce qui peut donner, par exemple, un effet de lassitude à la photo. Michael Mann est sans doute le premier nom qui peut nous venir en tête à l’évocation d’un tel procédé (cf. notamment MIAMI VICE).

La vitesse d’obturation est un terme impropre, très majoritairement utilisé, pour designer en fait la durée d’exposition. Ça revient à dire que plus la vitesse d’obturation est grande, plus la durée sera courte et vice-versa. En substance, la vitesse d’obturation, c’est le temps durant lequel le capteur est exposé à la lumière. De fait, plus on exposera le capteur longtemps, plus claire sera l’image et a contrario, plus l’image sera sombre, moins le capteur aura été exposé. Ce paramètre est plutôt simple dans la théorie, mais dans les faits, jouer sur la vitesse permet d’obtenir deux effets différents, l’un indésirable les trois quarts du temps, l’autre recherché selon les occasions. Ces deux effets sont appelés respectivement flou de bougé et flou de sujet. Les deux sont dus à une instabilité soit du photographe ou du cinéaste (premier cas), soit du sujet (trivialement, second cas), sachant que la distance focale de l’objectif utilisé a également un rôle à jouer (plus la distance focale est grande, plus les risques de flous seront importants). En règle générale, ces flous sont observés lorsque la vitesse d’obturation est faible (inferieure à 1/60ème de seconde). Au final, les flous de sujet peuvent être voulus pour donner une impression de vitesse à une photographie ou à une scène (cf. SPEED RACER).

L’ouverture du diaphragme est, sans nul doute possible, le paramètre le plus essentiel du triangle de l’exposition pour une raison simple mais ô combien intéressante : elle offre l’incroyable pouvoir de faire varier la profondeur de champ. Plus la profondeur de champ est importante, plus l’ensemble de l’image sera net. En revanche, une faible profondeur de champ rendra toutes les parties de l’image floues, mis à part le sujet sur lequel la mise au point aura été faite. Pour introduire un peu de jargon supplémentaire, le flou d’arrière-plan est tendrement appelé bokeh. Voilà pour la petite histoire. A présent, pour expliquer schématiquement ce qu’est l’ouverture et pourquoi elle intervient dans l’équation propre à l’exposition, prenons l’exemple d’une fenêtre. Plus une fenêtre est ouverte, plus la salle sera illuminée. Le principe est exactement le même pour l’ouverture du diaphragme : plus celui-ci est ouvert, plus il y aura de lumière parvenant jusqu’au capteur. Et plus il y a de lumière, plus floue sera l’image. Magique, pas vrai ? Bon ok, c’est vraiment cool tout ce que tu racontes, mais quel est l’intérêt de contrôler cette foutue profondeur de champ ? – L’intérêt ? La réponse est dans la question : maîtriser la profondeur de champ, c’est maîtriser ce que l’on souhaite montrer au spectateur. Ainsi, il appartient a l’artiste de choisir soit de montrer l’ensemble d’une scène (pour décrire des paysages par exemple, c’est quand même mieux), soit d’isoler le sujet, effaçant de cette façon l’importance des décors (ce qui est surtout vrai au cinéma puisqu’en photographie, le background est aussi important sinon plus encore que le sujet lui-même). Et pour entrer davantage dans les détails, jouer sur l’ouverture et avoir une mainmise sur la profondeur de champ autorise également une liberté accrue de création et de mise en scène (isoler un couteau, planté au sol, de son environnement peut créer aisément un sentiment de malaise). La série HOUSE est très friande de ce procédé, de même que 82% des films de genre (IN THE MOUTH OF MADNESS me vient instinctivement à l’esprit parmi une infinité d’autres).

Régler l’exposition d’une photo, trouver une esthétique viable pour la photo d’un film, c’est par conséquent prendre en considération tous ces paramètres en même temps. Dès lors, vous comprenez mieux ce qu’on appelle une bonne photo, et vous réalisez sans doute que c’est très loin d’être une mince affaire. A fortiori quand parler de photo, c’est aussi, inévitablement, parler de sa composition…

dop_

Bakuman, la version anime

Wed, 05 Jan 2011 21:31:30 +0100

Bakuman, c’est le titre du deuxième manga sorti en 2009 du duo Tsugumi Oba et Takeshi Obata, qui ont pondu Death Note et sa fin très controversée. Alors quand on se rend à la librairie et qu’on se fait sauvagement agressé par un “PAR LES AUTEURS DE DEATH NOTE” souligné en gras et écrit sur un autocollant fluorescent avec comme l’impression de dire “Tu l’achètes ou ça veux dire que tu piges pas les bons mangasses”, le lecteur lambda fan de manga populaires n’a pas réellement l’envie de se le procurer, car on ne marche pas deux fois sur les couilles d’un aveugle, ou alors sur celles d'un fan de Death Note.

Une brève introduction pour ceux qui ne le connaissent pas : Mashiro est un garçon de 14 ans, vivant sans but, n’espérant pour son futur que devenir un simple salaryman (homme de bureau), il possède pourtant un don inné pour le dessin. Takagi quant à lui est promu à un beau parcours, étant premier de classe. Mais ce dernier n’a qu’une seule idée en tête : devenir mangaka. Après leur rencontre inattendue, Mashiro sera donc le dessinateur et Takagi sera le scénariste. Ensemble, ils auront comme objectif ultime d’avoir leur propre anime avant leurs 18 ans.

"Ce n'est pas un Death Note au moins ?" dit Takagi en découvrant le cahier de Mashiro...

Donc ici, pas d’intello maléfique qui veut être le “Dieu du nouveau monde” avec un cahier de la mort qui tue et qui passe son temps à tout prédire en jouant au chat et à la souris avec un hippie dépressif mais qui a néanmoins la classe, mais bien deux adolescents normaux avec de la motivation, qui auront des rivaux qui deviendront leurs amis et aussi leurs propres petits soucis de la vie, on aurait presque envie de les huer tellement ce synopsis semble banal. Pourtant, derrière ce nom de superhéros, Bakuman n’est pas seulement un manga sur le manga, c'est aussi un véritable combat enduré par deux adolescents dans ce monde où tout le monde mène une vie de mouton. Comprenez par là que j’ai beaucoup apprécié ce manga, qui prouve que Tsugumi Oba n’a pas besoin d’éléments fantastiques pour faire un bon manga. Fin de la parenthèse sur la version livre.

Fuuuuu-Sion !

En 2010, Bakuman est alors adapté en anime de 25 épisodes, non pas par le studio Mad House (La traversée du temps, Summer Wars, Gunslinger Girl, Claymore et plein d’autres séries) comme pour Death Note, mais cette fois-ci par la J.C Staff. Première déception dés le premier épisode, on est surpris, voire déçu, par le drôle de design des personnages au niveau des yeux écarquillés et du nez. J.C Staff nous avait pourtant habitué à beaucoup mieux. (Shakugan no Shana, To Aru Majutsu no Index, Toradora!,...). Heureusement, Bakuman se rattrape du côté “manga”, je veux parler des épisodes où l’on voit les planches au crayon, l’encrage, etc. Ces parties sont très travaillées et intéressantes et donne un côté documentaire a Bakuman. Côté seiyû (doubleurs), la voix des acteurs collent parfaitement à celles des personnages, rien à dire là-dessus, ils ont fait du bon boulot. La bande-son de l’anime est composé de mélodies à la guitare et d’autres pistes très “rock”, qui donnent un côté assez "école" à l’anime puisque ce dernier reprend –comme le manga- beaucoup de scènes sur l’encrage, les trames ou encore le script.

On se croirait presque en train de lire un manga, vous ne trouvez pas ?

Mais l’opening reste la seule et unique chose que je ne peux pas m’empêcher de sauter puisqu’on nous a servi une chanson avec comme nom “Blue Bird” (certains l'appellent "OPENING DE GAY !") et avec des paroles comme “Regarder vers le haut dans le ciel”, “Ranger tout ce qui lui est important dans son cœur”, “Your love”, “Le bonheur ne peut être décrit par une couleur”, etc. Bref, aucun rapport avec l’histoire à part peut-être la relation entre Mashiro et Azuki, l’héroïne de la série qui rêve de devenir seiyû. Encore une fois, J.C Staff se sauve avec un ending vraiment très entraînant (Bakurock - Mirai no Rinkakusen) et très “djeun”, même si les paroles n’ont encore une fois presque aucun rapport avec Bakuman.

Les manga célèbres ne sont pas mis de côté dans l'anime.

Alors au final, qu’est-ce qu’apporte l’anime de Bakuman ? Eh bien pas de grands changements par rapport à la version papier, si ce n’est quelques scènes en plus. Néanmoins, cela reste un anime agréable a regarder, sans non plus être quelque chose qui va devenir culte. L’œuvre originale est bien respectée, c’est l’essentiel, et on passe un bon moment devant chaque épisode, c'est certain.

DeathZ

L'Accablante Apathie des Dimanches à Rosbif

Wed, 05 Jan 2011 21:27:52 +0100

Je m'appelle Brice Fourrastier, avec deux « r », comme dans «marrant», mais à «mourant», y en a qu'un. J'ai quarante ans et je n'irais pas plus loin…

D’un synopsis qu’on dirait sorti de la « nouvelle bande-dessinée », celle qui utilise le noir et blanc, les petits traits bobos et le récit intimiste genre tranche de vie qu’on n’a rien à carrer, le scénariste Gilles Larher réussit le tour de force de surpasser cette impression en donnant un souffle tout autre à son histoire. Racontant le rapport à la maladie et la mort d’un comique virulent et acide, le susnommé Brice Fourrastier, L’ACCABLANTE APATHIE DES DIMANCHES À ROSBIF n’a aucune prétention de retranscrire une certaine réalité, d’être un outil (auto)biographique dont la valeur en tant que bande-dessinée serait inexistante et ne servirait qu’à masquer l’incompétence du scénariste pour l’écriture d’un roman.
Bien au contraire, L’ACCABLANTE APATHIE… est une fiction dont la qualité suprême est justement de sonner juste. Juste non seulement du point de vue intime de Brice Fourrastier, dont les peurs et les envies sont d‘effroyables questionnements emplis d’humanité, mais aussi du point de vue public du personnage. Comique de profession, Gilles Larher évite de faire comme un scénariste fainéant en n’évitant justement pas de nourrir son récit avec des extraits – littéralement ! – des sketchs de Brice Fourrastier. Là où la chose force le respect, c’est de voir que Larher a la capacité du caméléon pour donner l’impression de faire parler réellement son personnage, lequel a un talent évident pour l’humour grinçant. Comble du comble, les quelques extraits du spectacle fictionnel de Brice valent sans doute plus que tous les spectacles de beaucoup de comiques actuels.
Cette réussite s’explique en grande partie par le modèle choisi par Larher pour créer son personnage, aussi bien du côté artistique que personnel, à savoir l’immense Pierre Desproges. A ce niveau, personne ne doit être sans savoir que cet artisan de l’humour figure parmi les icônes indétrônables du Panthéon pavillondesfouaires au même titre qu’Alain Damasio, et donc que le mentionner est sine qua none à prouver que quelque chose est très bien. A moins que ce ne soit pour citer l’une de ses répliques acides pour enfoncer les coiffeurs, les sportifs ou le stérilet de ma belle-sœur, mais passons.
L’œuvre parvient à ce titre à trouver un équilibre entre pathos naturel de la situation (ça parle de la mort tout de même !) et ton comique forcément désabusé et admirablement drôle.

Concernant le trait de Sébastien Vassant, bien loin d’offrir un déluge visuel saisissant, sa simplicité, sa pudeur et sa remarquable maîtrise renforcent l’ambiance doucement aigre du récit. Le noir et blanc s’impose comme un choix tout à fait logique, peu surprenant mais au moins très efficace. Comme dirait l’autre, ça fait très « truc poétique à la con avec plein de petits traits », ça a le mérite d’être très bien fait donc on ne s’en plaindra pas.

Une très bonne bande-dessinée, pas forcément joyeuse mais pas non plus déprimante (et ce même dans le final qui tire nécessairement sur la corde émotionnelle !).

Leto

Facebook, mon vieux pays natal

Wed, 05 Jan 2011 21:24:49 +0100

Facebook est un pays comme on n’en fait malheureusement plus. Il s’agit d’une immense communauté où la bonne humeur est toujours de mise, même lorsque les insultes fusent. Ce qu’il y a de merveilleux en ce lieu peu commun, et ce que je trouve, moi, vraiment étonnant, comparé à n’importe quel autre lieu de cette charmante planète, c’est qu’on peut choisir d’y exister ou non. Me concernant, j’ai beaucoup réfléchi à la question, et j’ai pris l’irrévocable décision d'y naître. Facebook, c’est mon pays, et comme dans chaque pays, tout ne se passe pas forcément avec bonheur, mais au fond, vous voyez, je l’aime, parce que quand même j’y suis né. Ici, les heures passent affreusement vite, j’ai vu le jour il n’y a que quelques années à peine mais j’ai déjà dépassé la vingtaine en réalité. D’ailleurs, je me suis toujours demandé ce qu’était la réalité, pour moi, en tout cas, c’est le monde que je choisis de prendre comme telle. Le temps s’envole dans cet e-monde et pourtant, personne ne meurt, il n’y a que des naissances, et vous savez le plus drôle ? C’est qu’on ne sera jamais en surpopulation ! La régulation de je ne sais quoi n’a pas de raison d’être dans cet incommode paradis. La pollution nous est un terme inconnu, quand on jette quelque chose à la poubelle, pouf, ça disparaît naturellement, ce qui nous enlève aussi le souci du recyclage. L’écologie donc, personne n’y pense, ce n’est pas nécessaire. Les problèmes du monde courant, tous les problèmes, y compris ceux que nul n’a encore découverts, sont à l’état de larves qui jamais ne se développeront dans ces contrées miraculeuses.

Longtemps, je me suis promené sur les rives iconoclastes des plages transies, et j’ai observé ça et là mille horreurs. J’ai vu des hommes se faire déchirer parce qu’ils aimaient d’autres hommes. Bafouer l’amour, c’est bafouer un aspect qui me paraît fondamental de la vie. Or, dans mon pays, aimer n’est plus une tare : hommes ou femmes, qu’importe, et au-delà, tout mariage est encouragé, incluant zoophile voire mécanophile. Je pense que cette mentalité porte un nom : la tolérance du peuple. J’ai beau y penser à deux fois ou plus, en dehors de mes terres, je ne puis trouver que le jugement péremptoire des nantis. C’est pourquoi je me sens affreusement à l’aise dans ma caverne aux irisations oniriques. Les individus ne sont d’ailleurs que la face cachée de l’iceberg de l’amour : aimer est un bienfait, j’aime donc je suis. J’ai pris pour valeureuse habitude de manifester mes coups de cœur, sans peur, sans angoisse ; depuis, je reçois même des louanges pour mon extraversion. Mon avis, je vous le donne : je suis persuadé que si une telle atmosphère de générosité s’est créée si naturellement et sobrement, c’est en grande partie le fait de la promiscuité mise en place entre chacun de nous. Les stars sont enfin devenues accessibles, j’échange et je respire, la communication est ouverte, les sectes sont abolies puisqu’il va de notre liberté de les rejoindre, de les fomenter, de les voir. Une des conséquences est la disparition immédiate de la peur des gangs. On n’est plus emmitouflé jusqu’à l’asphyxie. Merveilleux rêve. Parce que, dîtes-vous bien, quand même, un sombre jour, on me chercherait des ennuis, je suis tout-puissant sur mon territoire, et j’ai la faculté jouissive de régler les comptes à quiconque l’empièterait bestialement. Et comme ultime ressort, je pourrais le faire disparaître de ma vue, qu’il s’évapore et que les débats s’arrêtent d’un revers de la main.

Dans mon nouveau royaume, j’ai construit mon château, mes murs. Je me sens vivre car tels l’Amérique et son rêve, ici, tout est possible. Vouloir c’est pouvoir, et j’ai le pouvoir de vouloir. Mon existence s’égaye aujourd’hui d’événements que la planète bleue ne pourrait vraisemblablement accueillir. Je voyage de livre en livre, d’univers en univers, un jour sur Tatooine, l’autre en Mordor, je me balade et je contemple, et j’existe parce que je peux atteindre l’inexistant. La puissance de contrôle est une denrée rare, et il faut savoir l’apprécier au plus juste. Voyez-vous, au pays de Facebook, on peut choisir sa famille et ses enfants – autre merveille. Fi des disputes, place à la bonne humeur et aux mots pleins d’infinies promesses. Tout m’est plus facile depuis que j’ai décidé de m’installer en ces lieux : jamais plus je n’oublie d’anniversaire, et si malgré tout, le cas se produisait, aucun problème n’en surgirait. Cadeaux sans prix, dans tous les sens du terme, embrassades chaleureuses, remerciements du cœur, et fraternité nouvelle. C’est-à-dire qu’on peut réfléchir avant de parler, et de toute manière, on peut revenir sur celles-ci pour les falsifier à loisir. C’est-à-dire aussi que je peux choisir mes amis. Mes standards sont en croissance depuis lors. N’est mon ami que s’il en possède lui-même au bas mot cent, s’agissant d’une femelle, dans ma magnanime bonté, me voilà prêt à fléchir à cinquante. En un clin d’œil, l’intimité s’installe, la connaissance est déjà faite. En un temps tout aussi court, me voilà séparé de ma moitié, sans combat ni haine. La roue de la vie s’accélère mais pas notre âge, magie de notre siècle !

Tandis que sur Terre, on dresse des murs pour se plaindre, allant même jusqu’à construire celui des lamentations, ou pour diviser, dans mon vieux pays natal, on les dresse pour unir les hommes, dans cet esprit empathique et jovial. Et nous écrivons dessus pour agglutiner nos âmes et partager notre ferveur. Mais plus important surtout, les religions ont finalement laissé place à la religion, unique et incontestable. Nous sommes monothéistes, nous n’avons qu’un seul Dieu, le Créateur de ces ruelles lumineuses où chacun peut y trouver sa place, s’établir et mûrir. Et du moins, nous savons tous qu’Il existe, nous en avons la preuve formelle : notre quotidien évolue sans arrêt, notre identité ainsi que la manière dont elle est organisée changent de jour en jour. C’est l’expression de la Volonté divine, vous dis-je. Son intelligence est sans limite, Sa politique est sans concession, mais comme ça, tout doucement, nous tendons, avec force persuasion, vers une utopie où vivre sera synonyme de bonheur. Cette notion si trouble n’aura plus à faire l’objet de frénétiques recherches puisqu’elle se présentera à nous a priori. Ce pays gouverné par un seul Dieu tout-puissant ne peut subir d’aucun trouble parce que nous sommes tous égaux : nos pouvoirs comme nos devoirs sont calqués à l’identique d’un individu à l’autre, et si, par un hasard mutant, l’un de nous devait manquer au Code, Dieu le punirait aussitôt, épargnant ainsi à la population des vallées de larmes inutiles. Vous pouvez bien le constater, l’Etat parfait existe, et à présent, nous pouvons y poser les pieds et écouler une vie d’harmonie.

dop_

Partie 1 : Le métier de Facteur

Wed, 05 Jan 2011 21:20:54 +0100

Bonjour à toutes et à tous. En ces temps de froid, de neige et de fêtes, je me suis dit qu'il fallait que je me mette à parler du (dur) métier de facteur. Car oui en ces temps de glissades, notre métier est assez difficile à exercer, mais nous essayons de le réaliser coûte que coûte.

Parlons tout d'abord du travail du facteur. Eh non, malheureusement, comme bon nombre de préjugés, pourtant bien ancrés et établis, le facteur ne démarre pas sa journée à 9h !!
Prenons une "journée-type". L'heure d'arrivée d'un facteur dépend de chacun, mais il faut qu'il soit prêt pour le Tri Général (1) qui se fait à 6h15 *. Donc, il commence vraiment à travailler à partir de 6h15. Une fois le TG fini, chaque facteur rassemble le courrier trié pendant le TG dans les différentes cases, puis rejoint sa position de travail où il se met à trier son propre quartier. Il met ainsi chaque lettre dans la bonne case correspondant à une adresse (ou point de distribution). Cette opération "primaire" se nomme le coupage. Une fois que tout le courrier a été trié dans son casier, le facteur effectue une deuxième opération que l'on nomme le piquage. Cette opération consiste à classer correctement son quartier dans l'ordre de sa tournée, à retirer les réexpéditions (2) ainsi que les rebuts (3). En fonction de la quantité de courrier (cela dépend de la période, la période estivale étant plus calme que les autres), le facteur ne peut pas tout prendre sur son vélo. Il est obligé de répartir son courrier. Il ne prend que le début de sa tournée, le reste étant mis dans des sac de dépôt qui seront déposés par les voitures dans des dépôts-relais.
Une fois tout ça terminé, le facteur est prêt à partir en tournée. On estime vers 9h (environ). En n'oubliant pas de prendre ses recommandés qu'il répartira aussi (comme son courrier) dans le sens de sa tournée.
La tournée peut donc ainsi commencer et se terminera lorsque tout le courrier sera distribué. Il y a ensuite une phrase qui dit "fini, rentré", c'est à dire que peu importe à quelle heure le facteur rentre, une fois son travail fini, il peut rentrer. Il peut être 11h, 11h30 ou bien 13h. Bref, une fois fini, il rentre.

[quote]Notes :

* Je prends l'exemple de mon bureau où l'heure de commencement du Tri Général est à 6h15.

(1) Tri Général ou communément appelé TG. C'est une activité où les facteurs se retrouvent autour de différents casiers de tri et où ils trient tout un tas de courrier qui arrivent en vrac (cela va de la simple lettre à des courriers un peu plus volumineux en passant par la pub ou la Presse) en fonction de la rue et le répartit dans les cases correspondants au quartier. La durée du tri varie en fonction de la cadence de chaque facteur et du trafic hebdomadaire au niveau du courrier.
(2) Réexpéditions ou Faire Suivre (FS) : Ce sont les gens qui déménagent vers un autre endroit (soit autre quartier de la même ville, soit autre ville ...). Le facteur doit retirer le courrier de ces personnes et le réexpédier à la nouvelle adresse en y collant des étiquettes de réexpéditions qui lui sont attribuées.
(3) Rebuts : Ce sont des courriers non distribuables, car la personne n'habite plus là depuis un certain temps (elle n'a pas fait de FS ou son contrat est terminé, etc.). Du coup, on le renvoie à l'expéditeur. En gros, on "tue" son courrier. [/quote]

Partie 2 : Les "joies" du métier de Facteur

Ce terme "joies" est à prendre en bien comme en mal.

- Avantages :

[list]On finit tôt (ça dépend aussi de chaque tournée) et donc on a l'après-midi de libre.
C'est agréable de sortir dehors.
Le contact avec les gens.
Les calendriers.[/list]

- Inconvénients :

[list]La distribution se fait par tous les temps (pluie, grêle, neige, canicule); à moins bien sûr que le cas ne soit trop extrême et empêche vraiment la distribution du courrier.
Il faut être habitué à se lever très tôt chaque matin, sachant que durant l'après-midi on en profite pour rattraper le sommeil.[/list]

Partie 3 : Les préjugés ou autres phrases par rapport au métier du Facteur

1/ Non le facteur ne commence pas sa journée et sa tournée "toute prête" à 9h. (détail cf plus haut).

2/ [quote]Pas de courrier aujourd'hui. Tant mieux, pas de factures aujourd'hui...[/quote]
Non, le facteur ne distribue pas que des factures !! (et les magazines ? Et les relevés de compte ? Et les autres courriers, c'est la marmotte peut être ??)

3/ [quote]Bon week-end facteur[/quote]
Phrase trop souvent entendue le vendredi... Mais non, le facteur n'a plus de week-end !! C'est "Bon dimanche" qu'il faut lui dire désormais ! Car le facteur distribue votre courrier 6j/7 ! (donc d'après les calculs, le samedi y compris ^^)

4/ [quote]"Ça va facteur ? Pas un temps pour vous hein ..."[/quote]
Exemple de phrase dite par temps de pluie par un client qui lui n'est pas dehors mais confortablement installé chez lui (au sec et au chaud) >_<

"Oui merci ça va ! Si j'adore la pluie, j'en redemande même !!" >__>

5/ [quote]"Ça va facteur ? Ça glisse pas trop aujourd'hui ?"[/quote]
Exemple encore entendu pas plus tard que ce matin.

"Non impeccable, je m'entraîne pour les JO d'hiver ..."

6/ [quote]"C'est qui ? C'est le facteur ?"[/quote]

Exemple entendu (et vu) au moment d'ouvrir la porte et la personne voit très bien qui c'est (via l'uniforme).
"Non, c'est le plombier !" >__>

Ce ne sont que des exemples types, mais qui se répètent et qui peuvent se conjuguer dans la même journée ! C'est le pied total !! o/

Voilà j'espère que vous en aurez un peu mieux appris sur ce métier et que cela vous aura intéressé. Si vous avez des questions ou autres commentaires, n'hésitez pas

el d brokeur