pavillondesfous.com

Le Pavillon aux trousses

Sun, 28 Feb 2010 17:49:51 +0100

Chers Pavillonnaires,

Ces temps-ci, nous sommes souvent à la bourre, mais heureusement, nous sommes quand même toujours à l'heure. Le principal est donc préservé, l'honneur est sauf, et sauf accident, la mise à jour, bien qu'amoindrie en articles, vous bercera de quelques textes divers. Je m'arrête là dans ma phrase parce que je ne vois pas l'utilité d'y ajouter "et variés" dans la mesure où des textes divers sont, presque par définition, variés. Mais c'est là l'une des amusantes particularités de l'une de nos amusantes expressions.

Ceci étant, je vous souhaite, avec amour et abjection (comme un hommage à Salinger, ce grand écrivain qui nous a quitté il n'y a pas si longtemps), une excellente lecture !

Bien le bonjour !

Liste des articles proposés :

Ses humeurs
Le Sabotage Amoureux

Pavillon de la culture
Mais qui était Kaspar Hauser

Pavillon de la littérature
L'ombre du vent

Pavillon des BD/Manga
Le sommet des dieux

Pavillon des séries
The Wire

Pavillon des jeux vidéo
Doukutsu Monogatari (Cave Story)

Résultats du sondage : « Quand j'étais gamin, je jouais avec : »

1. Mighty Max, parce que les casquettes et les monstres hideux, c'est viril [14 votes]
2. Rien, parce que je n'ai pas été gamin [13 votes]
3. Polly Pocket, parce que si un poney c'est mignon, un poney de 5 millimètres, c'est encore plus mignon [8 votes]

Total : 35 votes

dop_

Le Sabotage Amoureux

Sun, 28 Feb 2010 17:48:57 +0100

Aujourd'hui j'ai décidé de vous parler d'un sujet assez personnel, puisque je vais vous décrire précisément ce qui m'arrive depuis, allez, on va dire deux décennies, en matière de comportement face au sexe opposé.

1 Conditions initiales

Prenez une fille, soit jolie, soit avec qui je m'entends vraiment bien, soit pire, les deux ! Au début, rien de bien méchant, je la considère comme une amie. Et puis ensuite, il suffit de peu pour que je bascule de l'autre côté. Et là, c'est le drame. N'importe qui ou presque tenterait sa chance dès les premiers symptômes, usant, selon la personne, d'un rite amoureux plus ou moins poétique, plus ou moins subtile. Moi non.

2 Troubles

Tout réside dans ce terme : idéalisation. J'ai tendance à considérer la personne désirée comme inaccessible. Ce qui entraine alors plusieurs conséquences. Tout d'abord, je souffre. En effet, si elle est vraiment inaccessible, rien ne pourra se passer entre nous deux, et ça me fait l'aimer davantage, donc souffrir davantage. Ensuite, je me comporte différemment. Je fais tout pour qu'elle me trouve intéressant, je passe le plus clair de mon temps avec, et si elle s'intéresse à quelqu'un d'autre, je le prend mal. Je ne le montre pas, déjà parce que je serais pris en flagrant délit, ensuite parce que je n'ai aucun droit sur elle et que j'ai parfaitement conscience que c'est de la jalousie mal placée. Et j'attends donc, que ça tombe du ciel, comme si par miracle elle allait me prendre dans un coin de porte et me sauter dessus sauvagement... Évidemment, plus j'attends, plus je me dis que je n'ai pas de chance de sortir avec, puisque l'amitié s'installe de plus en plus. Alors j'ose de moins en moins (si c'est encore possible) aller lui parler. Je souffre davantage.

3 Complications

Vous allez me dire, c'est déjà pas mal compliqué. Mais il y a pire. Parfois, je sais dès le début que ce serait possible avec la demoiselle et pourtant je ne fais rien, de peur de me tromper. De plus, si vous avez bien suivi le début, vous avez dû anticiper la réciproque de mon assertion : plus la fille est accessible, moins j'ai envie d'elle. C'est comme ça que l'on se paye le luxe de refuser de sortir avec une fille très populaire qui n'a d'yeux que pour vous...
Et parfois, l'irréparable se produit : nous sommes ivres morts à une soirée et nous nous embrassons. Là, vous vous dites, c'est gagné. Eh bien non, toujours pas. Le lendemain, au lieu d'aller lui parler, comme le ferait toute personne normalement constituée, je me comporte comme s'il ne s'était rien passé. Imaginez qu'elle soit d'accord pour recommencer, ce serait dramatique...

Voilà, maintenant vous êtes au courant que je suis complètement cinglé, et si vous êtes une fille et que je vous plais, vous savez que vous devez me sauter dessus pour espérer quelque chose de moi.

PS : Les amateurs de la célèbre auteur belge/japonaise auront sans doute saisi le clin d'œil du titre, pour les autres, je les renvoie à la description de ce roman autobiographique.

Shaolan

Mais qui était Kaspar Hauser

Sun, 28 Feb 2010 16:38:47 +0100

L'enfant apparait le 26 mai 1828, comme par miracle, sur une place de Nuremberg, grognant, vociférant, très mal à l'aise. Il est très pauvrement vêtu et tient à la main une lettre, son unique pièce d'identité. La missive est adressée à l'un des capitaines commandant au 6e Chevau-légers.
Quelques passants l'interpellent. Les yeux hagards, il demande à être conduit auprès de cet officier. La lettre contient deux messages. Le premier trace en quelques mots le passé du jeune inconnu, en substance "Il m'a été confié le 7 octobre 1812, j'ai moi-même 10 enfants et beaucoup de mal à me tirer d'affaire. On me l'a confié pour assurer son éducation ..." . Le second message, censé émaner de la mère, encourage le destinataire à veiller à l'éducation de cet enfant et à en faire, comme son père, un militaire, en lui faisant intégrer les corps des Chevau-légers.

Les autres informations mentionnées dans les lettres permettent de retracer le passé de l'enfant. Non déclaré aux autorités à sa naissance, il a passé, à l'évidence, une enfance dramatique, littéralement emprisonné dans la maison de son tuteur, sans aucun contact avec le monde extérieur, sans même jamais mettre le nez dehors...
Au vu des documents fournis, l'officier de cavalerie ne peut que suspecter une tromperie. Les messages semblent, en effet, rédigés d'une seule et même main et non, comme annoncé, de celle du tuteur et de la mère. L'enfant, s'exprimant avec d'extrêmes difficultés, est jeté en prison. Son sort commence à émouvoir une partie des habitants de Nuremberg, notamment le maire de la ville qui décide de s'occuper de ce pauvre inconnu. La presse se fait également l'écho du triste sort de Kaspar, devenu à la première page des journaux "l'orphelin de l'Europe".

Ayant quitté sa geôle, Kaspar est accueilli par une première famille qui tente de lui faire rattraper le temps perdu. Il est la cible d'une tentative de meurtre en 1828. Qui a voulu intenter à la vie de ce misérable et pourquoi ? Cette mystérieuse agression va nourrir une thèse qui va rapidement faire fureur : le jeune homme serait en fait de noble naissance et une vulgaire question d'héritage l'aurait précipité dans la plus sordide des disgrâces. Qui plus est, le comportement de Kaspar, son allure noble, semblent conforter cette thèse. L'une des pistes suivies remonterait à la maison de Bade et à son Grand-duché. En décembre 1833, le cruel dossier concernant l'inconnu de Nuremberg se referme tragiquement : il est poignardé par un inconnu dans un parc de la ville et succombe rapidement à ses blessures.
Il y a quelques années, le magazine allemand Der Spiegel finança une opération visant à comparer l'ADN retrouvé sur l'un des vêtements du jeune homme et celui des descendants de la Maison de Bade. L'étude ne donna rien de probant. Le mystère Kaspar Hauser reste donc entier.

Voici un poème de Paul Verlaine, Gaspard Hauser chante :

Je suis venu, calme orphelin
Riche de mes seuls yeux tranquilles,
Vers les hommes des grandes villes :
Ils ne m'ont pas trouvé malin.

À vingt ans un trouble nouveau,
Sous le nom d'amoureuses flammes,
M'a fait trouver belles les femmes :
Elles ne m'ont pas trouvé beau.

Bien que sans patrie et sans roi
Et très brave ne l'étant guère,
J'ai voulu mourir à la guerre :
La mort n'a pas voulu de moi.

Suis-je né trop tôt ou trop tard ?
Qu'est-ce que je fais en ce monde ?
Ô vous tous, ma peine est profonde :
Priez pour le pauvre Gaspard.

Ce poème est extrait d'un recueil de Paul Verlaine, Sagesse, publié en décembre 1881 et écrit pendant son séjour en prison de 1873 à 1875 (pour avoir blessé son ami Rimbaud de deux coups de pistolet), durant lequel le poète fait un retour douloureux sur son passé.
Verlaine donne ici la parole à Gaspard Hauser, ce personnage étrange qui avait intrigué l'Europe un demi-siècle auparavant, et dont le désarroi lui rapelle le sien.
Verlaine rend ici un hommage à Gaspard Hauser, en témoignant sur les différentes périodes de sa vie, une vie morne et empreinte de solitude à laquelle le poète cherche finalement un écho à sa propre vie.

L'emplacement de l'attentat : une inscription indique aujourd'hui encore « hic occultus occulto occisus est » (ici, un inconnu fut assassiné par un inconnu).

el-d-brokeur

L'ombre du vent

Sun, 28 Feb 2010 16:31:19 +0100

L’Ombre du Vent Carlos Ruiz Zafòn

1945, Daniel a huit ans quand son père, libraire mélancolique, l’amène au petit matin à travers les ruelles brumeuses de Barcelone, jusqu’à l’irréel Cimetière des livres oubliés. Dans ce Temple à l’existence gardée secrète, des milliers de livres uniques attendent à l’abri du temps et des hommes, pour qu’un jour quelqu’un les retrouve et leur offre une seconde vie.
C’est perdu au milieu des rayonnages poussiéreux de cette incroyable bibliothèque que Daniel va faire la connaissance de Julian Carax, auteur espagnol exilé à Paris, puis mystérieusement disparu, oublié de tous, tout comme son œuvre. En lisant son roman, L’Ombre du Vent, Daniel Sempere découvre un univers et une prose qui le fascinent. Poussé par sa soif de lire et par une dévorante curiosité, il se lance dans une enquête sur la vie de l’auteur prodigue.
Mais tandis qu’il grandit en poursuivant ses recherches, il découvre une histoire qui mêle la vie de l’écrivain maudit à la sienne, à celle de nombreux autres et à L’Histoire de Barcelone, " ville des prodiges ", marquée par les cicatrices de la guerre civile et déchirée par le poids du franquisme.

Avec L’Ombre du vent, Carlos Ruiz Zafròn est devenu l’auteur hispanique contemporain le plus lu dans le monde. Barcelonais partageant son temps entre l’Espagne et Los Angeles, écrivain depuis l’enfance, mais également scénariste de film, l’auteur n’a pas forcément le profil d’un génie littéraire. Il démontre pourtant dans l’écriture de cette œuvre une réelle maitrise de l’intrigue et de la narration, entrainant sans peine le lecteur à la découverte de sa Barcelone, ville magique ancrée dans l’histoire et pourtant peuplée par l’imaginaire gothique de l’auteur.
En suivant le héros dans sa quête initiatique des Ramblas au cimetière de Monjuic, en passant par la cathédrale, on découvre ou redécouvre une cité incroyable, son ambiance, mais également ses personnages. Figures loufoques et attachantes ou spectres terribles, tous les protagonistes sont soignés et aimés par leur créateur, apportant une touche d’humanité et de vie au tableau fantastique qu’il dépeint.
Au cours de l’enquête qui mène Daniel dans les pas de Julian, on revisite l’Histoire, on voyage à travers le temps, de la paix à la guerre, de la guerre à la dictature, jusqu’à ce que les époques, comme les intrigues, s’entremêlent. Ruiz Zafròn intègre avec succès cette toile de fond historique dans la vie de ses personnages pour en faire le support de leur univers, pour faire d’eux des acteurs du réel.

À mi-chemin entre le roman policier, le récit initiatique et l’univers fantastique, L’Ombre du vent entraine sans peine le lecteur et le tient captif de son intrigue. Mais la grande force de Ruiz Zafòn c’est aussi que quand la vérité éclate et que le réel reprend le pas sur le fantastique, il n’en rend le récit que plus poignant.

Grenouille Bleue

Le sommet des dieux

Sun, 28 Feb 2010 16:19:04 +0100

Ou « Le résultat de l’adaptation de la fusion de l’intégrale des Frison-Roche avec l’Himalaya en manga »

Il existe des montagnes de bouquins parlant de l’ascension des plus hauts sommets du monde*, réputés inaccessibles** (avant que quelqu’un ne réussisse à les vaincre, bien entendu) en raison de leur hauteur, des conditions climatiques effroyables qui y règnent ou encore de leurs parois impossibles à escalader. Les grandes Jorasses, le K2, le Mont McKinley, le Mont Blanc, le Cervin/Matterhorn, j’en passe et des meilleures, la liste n’en serait que trop longue.
La plus haute montagne – je ne vous apprendrai sans doute rien en vous révélant cela – du monde n’est autre que l’Everest, qui, du haut de ses 8848 mètres (au-dessus du niveau de la mer), est la plus proche du ciel, ce qui a pour conséquence d’être l’un des monts les plus convoités que les meilleurs alpinistes se doivent d’avoir grimpé au moins une fois dans leur vie, cela même s’il a été officiellement « vaincu » pour la première fois par Edmund Hillary et Tensing Norgay en 1953.
Ce magnifique édifice naturel trônant parmi ses sœurs de l’Himalaya s’est vu attribuer divers surnoms, parmi les plus flatteurs, outre ses autres appellations dans diverses langues (notamment locales). Ainsi, la montagne s’appelle Sagarmatha (népalais) et Chomolungma (tibétain).
Je vais arrêter de dévier ma prose afin que cet article qui – vous vous en douterez, vu son emplacement – traite d’un manga ne devienne pas un documentaire géographique indigeste à lire (car force est de reconnaître que ce genre de reportages passe bien mieux à la télévision, l’image à l’appui des commentaires) et surtout très/trop chiant. D’une part parce que ça me fera arrêter de faire des copier-coller réguliers de Wikipedia, et d’autre part parce que je suis en train de changer de sujet. Bref. Je discourrai donc d’un manga dans quelques lignes.
Je viens de vous le dire, l’Everest étant la plus haute montagne du monde, divers surnoms lui sont attribués. L’un d’entre eux retient particulièrement mon attention. Vous l’avez vu dans le titre de cet article, c’est Le Sommet des Dieux, pour une raison que vous pourriez deviner facilement.

Qu’est-ce que Le Sommet des Dieux ? Où veux-tu en venir, Von ?
Et c’est tout simplement le nom d’une adaptation d’un roman à succès de Yumemakura Baku par les pinceaux de Jirô Taniguchi (que l’on connaît entre autres pour avoir dessiné Quartier Lointain), qui a donc donné un manga en 6 volumes que voici.

Une image type qui représente le concept de L'Homme face à la Nature. Malgré l’impression de cliché que ça peut donner, c'est beau, quand même...

Commençons donc (vous avez l’habitude maintenant) par
Le Synopsis
Fukamachi, la trentaine, est photographe alpiniste de métier. Alors qu’il va accompagner une équipe japonaise prévoyant d’escalader l’Everest, une bonne partie de celle-ci meurt dans la montagne, rendant l’expédition compromise.
Avant de rentrer au Japon, un événement mystérieux se produit. En se promenant dans Katmandou, il met la main sur un vieil appareil photo dans une boutique douteuse de la ville. En l’étudiant, il commence à penser que cet appareil aurait appartenu au célèbre George Mallory. Cet homme avait tenté deux ascensions sur le plus haut sommet du monde : une en 1922, qui échoua, et une autre en 1924, à propos de laquelle on n’a jamais su si son expédition avait vraiment atteint le sommet, de laquelle proviendrait l’appareil photo.
Revenons à Fukamachi. Quelques jours après l’acquisition du fameux objet, on le lui vole. Il se met alors à sa recherche, et rencontrera Habu Joji, un alpiniste japonais qui vit dans la région.
En parallèle avec son enquête, il prendra connaissance de l’histoire de cet homme, mouvementée par bien des abords. Il finira également par découvrir que le fait que ce grimpeur exceptionnel, mais mal-aimé, ne stationne pas à Katmandou pour rien, et vivra une aventure inoubliable à ses côtés.

Ce que j’en pense
N’ayant pas lu le roman de base éponyme de Yumemakura Baku, je ne pourrai certainement pas faire un commentaire sur la retranscription/adaptation du roman en manga. Néanmoins je peux dire quelques mots sur le sujet, sinon je n'aurais certainement pas créé cet article, vous vous en douterez. C’est ce que je vais donc faire, évitant donc la comparaison avec l’œuvre originale, afin de ne pas m’aventurer en territoire inconnu.
Je n’irai pas par quatre chemins, Le Sommet des Dieux est un manga tout simplement magnifique, autant visuellement que du côté du scénario. Sous une trame qui se révèle être bien plus ficelée qu’elle ne le paraissait au premier abord, on a un véritable délice visuel, avec des dessins de montagnes vraiment superbes. On voit bien que le sieur Taniguchi a dû faire un paquet de recherches photographiques (à moins qu’il ne se soit lui-même déplacé sur les sites qu’il a dessiné, ce qui paraît moins probable) pour les produire, et le résultat est plus qu’à la hauteur, on s’y croirait. Les décors sont presque en train de surclasser les personnages visuellement. Non pas qu’on ne les voit pas, bien au contraire… Parlons-en justement !

Je ne sais pas si vous avez déjà entendu parler de ces gens que l’on pourrait qualifier d’ « amoureux » de telle ou telle activité. Vous savez, le genre de personne qui est un tel passionné de la chose qu’il en fait une obsession. Ces derniers ne peuvent pas vivre sans rester au contact de ce qu’ils aiment et se sentent mal s’ils n’essaient pas de pratiquer régulièrement leur activité. C’est le cas des alpinistes chevronnés qui vivent toujours auprès de massifs montagneux, ce afin de pouvoir pratiquer leur passion.
Habu Joji est ce genre d’homme, détenteur, entre autres, d’une volonté inexpugnable de devenir le meilleur dans son domaine. En effet, tout au long du manga, ce dernier est empreint de la soif inextinguible de grimper n’importe quelle paroi, ce même s’il doit en mourir. Sa combattivité émane de lui tout au long de l’histoire, ce qui lui fait parfois prendre des risques inconsidérés. De plus, il est également doté d’un mental à tout épreuve (qualité essentielle de l’alpiniste), et d’une volonté inébranlable. En effet, comme il le dit lui-même, « si je ne grimpe pas, je ne vaux pas mieux qu’un déchet », raison pour laquelle il s’obstine à rester près de sa dangereuse amante qu’est la montagne.
C’est ce qui lui donne, en dépit de son caractère – avouons-le – d’ours mal léché doublé d’une mule, ce côté attachant qui nous donne envie de le soutenir jusqu’au bout dans son objectif.
Fukamachi, de son côté, même s’il n’est pas le narrateur de l’histoire (alors qu’il pourrait tout à fait l’être vu la manière dont l’histoire nous est contée), pourrait totalement l’être tant l’œuvre est basée sur sa personne. Il sera tour à tour observateur, puis acteur, ce qui occasionnera de nombreux changements chez lui. En effet, on verra en lui une lente évolution tout au long de ses recherches. D’abord intrigué, puis fasciné, puis passionné et enfin obsédé, ce sont pratiquement deux hommes différents qui sont dépeint aux deux extrémités du manga. Son sujet d’étude et son caractère si particulier aura complètement déteint sur lui, le transformant en une sorte de – je cite – « démon » assoiffé d’efforts et de dépassement de soi. Mais est-ce en bien ou en mal ? C’est au lecteur de se faire sa propre idée.

La Nature elle-même joue un rôle déterminant, vu qu’il est impossible de ne pas y faire référence lorsqu’on parle d’alpinisme. La montagne, ses dangers en tout genre, tout constitue un obstacle visant à raviser les « fous » qui oseraient les défier. Sagarmatha en constituant la représentante principale de ces dernières, car défi ultime pour tout alpiniste qui se respecte, constitue le pilier central de l’histoire, jouant ainsi le rôle d’un genre de « décor observateur », donc neutre, mais qui n’hésite pas à se montrer cruel pour les personnages.
Quelle vandale cette femme!

En fin de compte, le surnom de « Sommet des Dieux » n’est peut-être pas si exagéré que ça…

*L'auteur rit encore de cette vanne vraiment trop facile
**Pas les bouquins, les montagnes... Faut suivre un peu!

VonSturm

The Wire

Sun, 28 Feb 2010 16:10:30 +0100

Si le nom de THE WIRE vous évoque quelque chose ou suscite en vous un tremblement d’excitation, laissez-moi vous féliciter pour votre culture télévisuelle américaine ; si le nom ne vous dit rien, ce n’est pas grave : d’une part vous allez bientôt en savoir plus, d’autre part la série dont je vais parler a surtout inscrit son titre de noblesse auprès des média, où elle a été plébiscitée. Pourquoi ? Je vais y venir.
La distribution en France de THE WIRE, rebaptisée sobrement pour l’occasion en SUR ÉCOUTE, a été faite dans l’indifférence générale, que ce soit du public (même 5 ans après leur sortie, les coffrets DVD sont toujours à 50 € chacun), de la presse générale ou de la télévision (il n’y a que Jimmy qui l’a diffusée à des heures indues). Pourtant, la série a acquis aux Etats-Unis le titre de « meilleure série de toute l’histoire de la télévision américaine », excusez-moi du peu. Paraîtrait même que Barack Hussein Obama la regardait. Diantre. Si votre curiosité n’a pas été titillée à ce niveau de l’article, je ne peux plus rien pour vous !

"Don't matter how many times you get burnt, you just keep doin' the same." – Bodie

Oh, tiens un générique. Composé habillement de plans provenant majoritairement de passages clefs de l’intrigue, sans qu’ils ne dévoilent un micro-chouïa de celle-ci, et de variations différentes par saison de la chanson de gospel "Way Down In The Hole", on peut dire qu’il est parfaitement réussi !

THE WIRE a été créée par David Simon, un ex-journaliste du Baltimore Sun et coécrite avec Ed Burns, un ex-inspecteur de la police criminelle de Baltimore. Des gens qui n’ont peut-être pas un curriculum artistique permettant de prévoir qu’il allait créer un chef-d’œuvre télévisuel (j’emploie les grands mots dès maintenant), mais il faut leur accorder deux grandes qualités : l’écriture et la connaissance de leur sujet.
Pour ceux qui ne le sauraient pas (et je doute qu’en dehors des géographes, des Science-Posars et des Américains, les gens le savent), Baltimore est l’une des villes des Etats-Unis parmi les plus peuplées (son agglomération est la quatrième plus importante du pays). Située entre New York et Washington D.C, cette ville cumule pauvreté (20 % de sa population vit sous le seuil de pauvreté), criminalité (près de 2.000 crimes pour 100.000 habitants) et coloration (60 % de sa population est d’origine afro-américaine). Autant dire qu’on fait plus joyeux.
Dès lors, il paraît un peu étonnant que peu de séries avant THE WIRE aient pris place dans ce contexte sociogéographique riche et intéressant à aborder.

En quelques mots, la série parle de Baltimore en tant que ville et personnage : policiers, trafiquants, politiciens, fonctionnaires, syndicalistes, citoyens... Autant de points de vue qui vous être abordés pendant 5 saisons de 60 épisodes (d’une heure chacun) et qui font s’efforcer de dépeindre une réalité sans fioriture ni de parti-pris.
Bien sûr, je pourrais parler des intrigues qui vont servir de fil conducteur à la série, mais ce serait en gâcher le plaisir de la découverte.

"Conscience do cost." – Butchie

Une belle démonstration du fait que la série est dramatique sans pour autant virer dans la photographie sombre. Un choix artistique peu courant de nos jours, et pourtant, il est bon.

Tout d’abord, pour aborder THE WIRE, il faut en décortiquer la forme. Ayant pour aspect artistique de se rapprocher très fortement du documentaire, la série évite toute théâtralité (hormis de rares exceptions, les épisodes ne se terminent jamais par un twist) et propose une image des plus dépouillées.
Pour parler de la photographie, celle-ci se cantonne à offrir au spectateur une image colorée sans utilisation de filtres dégueux ou jeux de lumière complexes. Ce qu’elle offre se révèle très simple de ce point de vue, et paradoxalement travaillé à l’extrême. Un coin de rue reste un coin de rue, pas de lézard, mais il est beau. Beau tout en conservant un côté vétuste ( on est ghetto ou on ne l’est pas). Là est le premier coup de fouet de THE WIRE. La réalité est sans cesse graphiquement recherchée, mais la réalité pour elle seule ne sert à rien. Sa stylisation sans artifice la rend par contre diablement intéressante, tout en permettant au spectateur d’opérer une distanciation.
Néanmoins, la réalisation documentarisée ne se limite pas, et c’est une audace parfaitement relevée, à l’emploi d’une caméra à l’épaule et d’un zoom grossier et continu sur le visage des personnages (procédé immonde souvent utilisé dans les réalisations qui se veulent proche de la réalité, c’est d’une bêtise). Au contraire, rarement une caméra n’aura été si précise, si contrôlée et libre (paradoxe pas évident à expliquer autrement qu’en regardant la série) ; et rarement une série n’a employé une telle échelle des plans, ne se contentant pas de champ/contrechamp et de plans d’ensemble avec gros plans lors des dialogues. La variation à ce niveau est continue et toutes les scènes paraissent différentes dans leur réalisation et leur propos (une scène qui pouvait n’être qu’un plan-séquence comme une autre pourra être savamment montée). On n’a jamais l’impression de tourner en rond. On regrette un peu que certains plans floutent à outrance l’arrière-plan (j’ai souvenir d’une scène entière où le décor nocturne derrière les personnages est illisible, alors que ceux-ci n’hésitent pas à le qualifier de superbe ! Un comble), mais c’est globalement admirable. Et, au pire, on pourrait justifier ce parti-pris en disant que c’est une manière de dire au spectateur qu’essayer de voir le tableau dans son ensemble est très complexe, et qu’il faut mieux s’attacher à chaque détail indépendamment pour le reconstituer à sa convenance. Rien de grave, donc.

Cette plastique complexe et brute s’explique par la volonté des auteurs de ne rien dramatiser dans THE WIRE. Le propos de la série étant focalisé sur la perdition de la ville dans la spirale de la criminalité et de la drogue, il aurait pu en être tiré un triste show à sensation enthousiasmant le prépubère en manque de violence. Il n’en est rien. Les scènes d’action dans la série sont d’autant plus rares qu’elles ne sont généralement pas euphorisantes, et pour cause, la violence n’a pas à l’être. Il en ressort même plus souvent une impression de lenteur voulue, rappelant la lourdeur des institutions. Il arrive que les scénaristes décident de ne pas montrer des passages importants en ne les évoquant que par un bref échange. Bref échange qui en dit souvent long (la narration des sous-entendus est fantastique et rythme toute l’histoire) et qui permet de surprendre le spectateur dans ses choix de ne pas montrer ce qu’il attendait. Bien sûr, certaines scènes paraissent être des redites d’autres séries, on a des impressions de déjà-vu et il arrive que des enchaînements de passages soient trop gros pour n’être que des coïncidences ; mais dans sa globalité, la narration de THE WIRE est extrêmement riche et romancée (c’est de la fiction après tout !), sans pour autant tomber dans la dramatisation à deux balles.
De même, leur mise en scène est brute de béton et ne s’encombre pas de la spectacularisation de l’histoire. Si leur montage diffère toujours (comme vu précédemment), on retrouve en revanche toujours la même manière de présenter les faits. Explication devant le propos confus que je viens d’énoncer : l’absence de musique (si ce n’est celles qui sont inhérentes à l’histoire et le générique de début et de fin) et un cadrage précis, brut et non-dramatique à chaque scène brouille le spectateur dans ce qui l’attend. L’issue d’une scène n’est jamais prévisible, parce qu’aucun indice dans la réalisation n’est donné : un dialogue pourrait s’achever sur une fusillade ou une accolade qu’on ne le saurait pas à l’avance. Le drame ne surviendra donc que de la situation en elle-même, et non pas de la réalisation qui incitera le spectateur dans sa réaction émotionnelle.
De ces deux composants est mise en exergue la volonté des auteurs de créer une série qui se joue du spectateur par une surprise et un brouillage aussi bien narrative que mise en scénique. Ne serait-ce que par sa forme, on peut dire que THE WIRE ne prend pas le spectateur pour un imbécile, mais qu’elle le titille. Mais ce serait oublier d’aborder le deuxième point...

"No one wins. One side just loses more slowly." – Prez

THE WIRE est certainement la seule série se passant dans les années 2000 où les policiers travaillent à la machine à écrire. C’est sûr que niveau glamour, LES EXPERTS battent à plate couture THE WIRE, mais niveau écriture par contre, c’est l’inverse.

Mais surtout, ce qui a fait la renommée de THE WIRE, c’est son fond. Ayant pour but de dépeindre une société en perdition, elle nous met face à un lieu où le manichéisme n’a pas sa place.
Quasiment tous les personnages sont à ce titre travaillés à l’extrême. Ce travail se traduit surtout par une galerie de protagonistes vertigineuse (à la louche, je dirais une vingtaine) de milieux sociaux différents (on doit pouvoir les classer selon 5 ou 6 « groupements », genre policiers, dealers, politiciens...) dont aucun n’est mis en retrait. Il y a, bien évidemment, des personnages plus centraux que d’autres, qui prennent parfois plus de place ou vampirisent l’intrigue (Jimmy Mc Nulty surtout) ; mais il y a toujours un moment où l’histoire prendra le temps de se pencher sur les autres. La saison 4 est un exemple fabuleux de l’utilisation de personnages en retrait dans les autres saisons pour arriver à l’une des intrigues les plus captivantes de la série, tout en laissant derrière les gros bonnets (Jimmy Mc Nulty, encore une fois). Cet approfondissement et cette richesse des personnages ne se limite jamais (et c’est quelque chose de rare dans une série, et c’est donc délicieux) à un passé qui les a conditionné à devenir gentil ou méchant parce que parce que parce que. Non. Ils sont tous plus ou moins ambiguës, révèlent parfois des côtés de leur personnalité qu’on ne soupçonnait pas, mais sont toujours cohérents et profondément humains (ce qui ne veut pas dire aider toutes les vieilles du quartier ou sauver le monde d’une attaque terroriste). Il arrive aussi que parfois, la narration fasse en sorte de cacher certains passages bien larmoyants qui construisent les personnages, et ce afin de ne s’intéresser qu’à la post-réaction et non pas la réaction en elle-même.
L’anti-manichéisme intervient donc, en mettant en scène des personnages aussi socialement compartimentés que complexes : un dealer ne sera pas forcément un mauvais garçon, de même qu’un flic ne sera pas obligatoirement un saint ; mais cela ne veut pas pour autant dire que le crime se justifie et que la loi, même brutale, n’est pas juste ; de même que la criminalité peut s’expliquer et la justice être confuse... Autant de problématiques qui renvoient à d’autres et ce indéfiniment, comme si les auteurs ne cherchaient qu’à nous embrouiller. A moins que ce ne soit une manière d’admettre qu’un problème en apparence simple révèle souvent des données beaucoup plus subtiles qui viennent compléter le tableau, sans pour autant y apporter une explication unique. Malin...

Mais ne parler que du travail formidable sur les personnages ne serait que voir l’arbre cachant la forêt, car l’histoire (servie par les personnages) se révèle être un bijou de questionnement social et de tentative de réponses.
Chaque saison (à l’exception de la deuxième, qui est vraiment à part dans la série et qui donne l’impression de temporiser l’action entre la première et la troisième ; un chaînon indispensable en somme) se propose de résoudre les problèmes de Baltimore par différents moyens. Avec des conséquences bonnes ou mauvaises, mais toujours dans un souci de faire plus qu’un constat, d’aller plus loin que la représentation filmique bête et méchante et de donner des pistes pour améliorer les choses. Car il n’est question que de ça dans THE WIRE, au fond. Aller vers l’avant, en essuyant des revers, mais sans jamais faiblir. En substance, c’est le message qu’elle veut faire passer ; en pratique, elle le fait passer de manière très subtile. Après tout, les réponses qu’on fournit, quelles qu’elles soient, ne seront ni noires ni blanches, il y aura des aspects positifs et négatifs, et THE WIRE rend terriblement bien ce constat pessimiste – pessimisme relativisée par le fait qu’elle n’arrête jamais de proposer des solutions. Que ce soit pour arrêter la criminalité (saisons 1 et 3) ou changer les institutions (saisons 4 et 5 ; la 2 étant vraiment très à part dans son propos et son ambiance), la série explore les possibilités avec gourmandise.
Cette force de la série de présenter problématique et solutions potentielles est ahurissante et démontre bien des qualités qui lui sont attribuées, et qui ont fait sa renommée auprès des média américains.

"All in the game..." - Traditional West Baltimore

On pourrait croire à l’ambiance d’un film d’horreur. C’est une scène incroyablement badass en vérité. Sans être abusée, si si, c’est possible et c’est dans THE WIRE. Notez au passage l’aspect granuleux de l’image, tournée au numérique.

On voit donc que THE WIRE a une volonté autant artistique que thématique de brouiller le spectateur dans sa narration (pourtant très fluide) et son propos ; et ce afin de faire une peinture gigantesque, phénoménale et passionnante où questions et réponses s’entrechoquent. Mais si la série est d’un point de vue intellectuel excellent, ce n’est pas pour autant qu’il faut croire qu’elle n’est pas divertissante. Loin de là même ! L’humour intervient par petites touches, au même titre que la tragédie ; rien n’est surjoué, tout est parfaitement dosé. A tel point que même si les épisodes durent une heure, ils passent toujours à une vitesse incroyable. On ne s’emmerde pas une seule seconde ! De son rythme lent et posé surgit alors une puissance sans pareille, sans égale, dont le revisionnage est conseillé et se fera sans rechigner !
Autant de qualités qui font de THE WIRE l’une des meilleures séries américaines, oui, mais aussi l’une des plus grandes productions filmiques (c’est-à-dire que ce soit un film ou une série – THE WIRE a d’ailleurs une structure très proche d’un film de 13H par saison, comme dirait dop_) jamais faites. Et en plus d'être vrai, c’est succulent.

Je terminerai en vous conseillant de vous jeter dessus, si ce n’est déjà fait. Après tout, les 50 € déboursés pour chaque saison sont justifiés pour chaque seconde passée, et en ratio temps/prix, c’est beaucoup plus vite rentabilisé qu’un film de 1H30 à 20 €. Et au pire, pour les radins, je vous pousserai à vous précipiter sur Amazon.co.uk, où l’on trouve l’intégrale des cinq saisons dans un coffret pour 60 € environ, sachant que la VF et la VOSTFR sont comprises à l’intérieur ! Si après ça, vous ne vous laissez pas tenter...

Leto

Doukutsu Monogatari (Cave Story)

Sun, 28 Feb 2010 16:02:11 +0100

Lorsque je joue à un jeu vidéo, s'il y a bien quelque chose qui m'assure d'apprécier, voire plus, cette expérience, c'est de ressentir que le jeu a un âme. Que celui/ceux qui l'ont créé étaient vraiment à fond dans leur travail, et qu'ils ont aimé ça, les bougres. Généralement, ce ressentit provient de petits détails, d'éléments indéfinissable, mais qui, lorsqu'on y pense, nous font sourire intérieurement. Comme les créateurs ont du le faire eux-même. C'est donc d'un jeu de ce type dont je vais vous parler.

Libre comme un pixel sauvage

Doukutsu Monogatari, ou Cave Story (qui est la traduction littérale du titre : Histoire de grottes), est un jeu en soi exceptionnel, car il a été réalisé par une seule et unique personne : Daisuke Amaya, plus connu sous son pseudonyme de Pixel et, logiquement, seul et unique membre du Studio Pixel. Sorti en 2004, il ne lui aura pas fallu moins de 5 ans pour créer son jeu, du design au scénario en passant par le codage. Tout un programme (ha ha ha). C'est d'autant plus impressionnant quand on voit la qualité du résultat final. On peut difficilement reprocher quoi que ce soit à Doukutsu Monogatari, tant tout a été fignolé avec soin. Mais voyons ça plus en détail.

Scénario : vous vous réveillez dans une pièce inconnue

C'est comme ça que l'aventure commence. Votre personnage se réveille en un lieu inconnu, visiblement frappé d'amnésie. Vous sortez alors de la grotte où vous étiez pour arriver dans le village des créatures choupikawai du coin : les Mimigas. Il vous apprennent qu'ils sont sous la menace du terrible Docteur, un scientifique fou ayant acquis des pouvoirs immenses grâce à une couronne maléfique, qui semble vouloir utiliser les Mimigas. Ayant sympathisé avec les Mimigas et n'écoutant que votre courage, vous partirez défaire les plans du Docteur et de ses sbires...
Rien de foudroyant, mais cette histoire permet un enchaînement du jeu parfaitement crédible, avec des personnage qui remplissent très bien leur rôles : des bras droits du méchant aux villageois à sauver en passant par la compagne d'armes, il y en a pour tous les goûts.

Graphismes : faire du vieux avec du neuf

Vous aimez les pixels ? Vous aimerez ce jeu. Vous aimez le pixel art ? Vous adorerez ce jeu. Le style 8-16 bits, même si vraisemblablement choisi pour des raisons techniques, est réalisé d'une main de maître. Si vous êtes nostalgique de l'époque des jeux de plate-forme de la Nes, ou tout simplement adepte du minimalisme, vous serez immanquablement séduit par les graphismes de Doukutsu Monogatari.

Une capture d'écran, c'est tellement plus parlant

Gameplay : aux petits oignons

Indéniablement le gros point fort du jeu. Doukutsu Monogatari est un jeu qui se rapproche du genre Metroid/Castlevania, c'est à dire une grosse dose de plate-forme, couplée à de l'exploration de zones, un peu de retour en arrière pour récupérer des objets impossibles à obtenir avant, du shoot d'ennemis avec diverses armes et la possibilité d'améliorer son personnage en ramassant des power-up. Chaque élément étant une réussite.
Les phases de plate-forme sont un régal, tant la maniabilité est précise et fluide. La physique du jeu est assez facile à prendre en main, ce qui permet de se concentrer sur le challenge plutôt que de se casser la tête à maîtriser les commandes.
Plusieurs armes sont à la disposition du héros, qu'il faut bien évidemment acquérir avant. Certaines doivent être échangées contre d'autres, autant dire donc que vous ne les découvrirez pas toutes lors de votre première partie. Un système d'expérience existe pour les armes : en mourant, les ennemis laissent tomber des points d'expérience, qui servent donc à augmenter le niveau de l'arme que vous utilisez. Chaque arme possédant trois niveaux.
Concernant les power-up, outre les objets qui donnent accès à de meilleurs sauts, on peut augmenter ses points de vie en ramassant des capsules de vie. Au passage, difficile de ne pas voir le clin d'œil à Metroid, tant la musique quand on ramasse la capsule fait penser à son homologue du jeu de Nintendo.

Difficulté : gravir les échelons

Autre point fort. Très bien dosée, elle augmente graduellement jusqu'à la fin du jeu, sans jamais frustrer. Les vrais pics de difficulté apparaissent lors des combats contre les boss. Dans le plus pur style de la vieille école, ils sont relativement aisés à vaincre une fois leur schéma d'attaques mémorisé, mais ça ne veut pas pour autant dire que cela sera facile à mettre en place. Mais quoi de plus jouissif et gratifiant que de voir exploser dans une gerbe de pixels un robot qui vous a tant emmerdé avec ses lasers ?
Et pour ceux qui veulent du challenge de l'impossible, il existe même un niveau secret à vous faire arracher les cheveux. (Je ne mets pas ça en spoil parce que je trouve franchement cruel de ne pas le mentionner.)

Durée de vie : encore une partie ?

Il existe différentes fin pour le jeu. Autant vous le dire tout de suite, vous ne verrez pas la bonne fin lors de votre première partie. Sachant ce que cela implique, vous ne pourrez pas résister à l'envie de commencer une nouvelle partie pour avoir cette satanée bonne fin. Pas. Possible.
Comptez entre 4 et 6 heures pour finir le jeu lors de votre première partie, selon votre expérience en tant que joueur.

Pour finir le tour

Ça vous parlera certainement plus si vous avez déjà joué au jeu, mais cela mérite d'être mentionné.
Le jeu, son histoire surtout, semble montrer qu'il se situe dans un monde assez vaste, et des connexions extérieures semblent apparaître dans le scénario du jeu. Bref, on a l'impression d'un véritable univers. Toutefois, le créateur du jeu a bien précisé lors d'une interview :
« Rien dans ce monde n'existe au-delà de ce que vous voyez dans ce jeu, car je n'ai pas les compétences pour créer quelque chose de plus poussé. Je laisse les détails du monde du jeu à l'imagination du joueur. »
Personnellement, je trouve ça génial. Que l'auteur limite délibérément sa présentation de l'univers, alors que l'expliquer hors-contexte, lors d'interviews ou de commentaires, est une pratique très courante de nos jours (cf Oda et sa rubrique SBS), est à la fois osé et la preuve d'un profond respect des joueurs. Chacun, en jouant, construit sa propre expérience de jeu. S'approprie l'univers. L'interprète à sa façon. Se lie avec certains personnages. Laisser le champ libre à l'imagination du joueur même une fois le jeu fini est vraiment le meilleur cadeau que l'on peut lui faire, car ainsi tout ce qu'il a construit de lui-même est préservé. Les jeux vidéos peuvent être beaucoup plus stimulants pour l'imagination qu'on ne pourrait le croire. Doukutsu Monogatari est le parfait exemple de cela.

Oh, avant de clore cette article, ai-je mentionné qu'il s'agit d'un freeware ? C'est-à-dire qu'il est totalement gratuit au téléchargement. Il est originalement en japonais, évidemment, mais il existe une traduction anglaise de très bonne facture, et une française un peu moins bien par contre (quelques bugs d'affichages et des traductions hasardeuses).
Je ne mets pas de lien pour télécharger le jeu, car il y a tellement d'endroits pour le faire, la moindre recherche sur le Net vous donnera tous les résultats dont vous avez besoin et je n'ai pas de site à privilégier.
Toutefois, si vous voulez visiter le site officiel de Pixel, c'est par ici.
À noter aussi que le jeu a une sortie sur WiiWare de prévue.

TheEdgeWalker

Rush hour

Sun, 31 Jan 2010 22:14:10 +0100

Voici venir la mise à jour de Janvier. Qui n'avait à peine plus de deux heures devant elle pour être encore légalement appelée ainsi. Remarquez, nous l'aurions postée plus tard que cela ne nous aurait pas empêché de la qualifier de mise à jour de Janvier. Tout n'est que question d'attribution et de convention. La même force qui fait que tout le monde s'accorde pour dire qu'aujourd'hui nous sommes dimanche et que demain nous serons lundi. Imaginez le chaos si certains décidaient qu'après dimanche 23:59 viendrait non pas lundi 00:00 mais mercredi 00:00 ! Voire 7:00 pour les plus audacieux. Oh, le chaos ! Le désespoir ! L'anarchie que cela engendrerait ! Heureusement que les conventions d'attribution temporelle sont respectées par la (très grande) majorité des gens. C'est pourquoi je vous demande, cher lecteur, de respecter notre convention et de considérer cette mise à jour comme celle de Janvier. CAR SINON !
Enfin bref. Bonne lecture à tous !

Liste des articles proposés :

Pavillon de la culture
Comment fut inventé le Scrabble ? par el-d-brokeur
[Quai Branly] Teotihuacan par Leto

Pavillon des BD/manga
100 Bullets par SneV
Yotsuba&! Par Shaolan

Pavillon du cinéma
Fruit Maudit par VonSturm

Pavillon des jeux vidéos
Super Robot Wars par Dark Link
Visual Novel: Higurashi no naku koro ni par Hachimaki

Pavillon des délires
Jeux Idiots par TheEdgeWalker

Résultats du sondage : « Où en êtes-vous dans vos études ? »

1. Lycée [18 votes]
2. Fac [15 votes]
3. Collège [14 votes]
4. Je suis un vieux, je bosse [11 votes]
5. Grande école [7 votes]
6. Classe prépa [3 votes]
7. Apprentissage [1 vote]

Total : 69 votes

TheEdgeWalker

Super Robot Wars

Sun, 31 Jan 2010 21:26:08 +0100

Il y a des jours où on a vraiment envie de pleurer, surtout quand on voit le nombre de jeux vidéo qui ne parviennent pas jusqu’en Europe. On rate alors de nombreux jeux, dont la saga des Super Robot Wars (ou スーパーロボット大戦 (Sūpā Robotto Taisen)/Super Robot Taisen, pour les puristes de la langue de Miyamoto), indubitablement la série de Tactical-RPGs (Jeux de rôle tactiques) que je préfère (mais comme on s’en doute, tout le monde s’en fout un tant soit peu de mes préférences).

Super Robot Wars
(Ou la Guerre des Super Robots dans le langage du bon français de France)

Le japonais est tout de même difficile à comprendre pour ceux qui ne comprennent pas le japonais.

On peut déjà se demander quel est le nom correct, étant donné que l’on voit souvent se côtoyer des Super Robot Wars avec des Super Robot Taisen. Les deux noms sont tous valables, et ont tous la même signification. Il ne tient qu’à vous de préférer le mix nippo-anglais ou le shakespearien pur et dur. J’ai (je sais, je raconte ma vie et vous aimeriez bien me faire taire) préféré mettre la version anglaise, aussi connue sous « C’est Wikipédia qui l’a dit », car bon, après deux secondes d’intense réflexion (le temps d'un pet), j’en suis arrivé à me dire ça :

La saga a débuté en 1991 sur Game Boy, et poursuit son existence encore de nos jours. Pourtant, pour presque vingt ans d’existence, elle est totalement inconnue de nos contrées et à peine trois des jeux (sur plus d’une cinquantaine de titres, sortis sur virtuellement toutes les consoles connues du Japon, comme le prouve ceci) sont publiés aux Etats-Unis (par Atlus). La raison de cette absence peut s’expliquer par les nombreux problèmes de licence que connaîtrait la publication de tels jeux (et non pas pour des raisons de vente, car pour une série qui dure une cinquantaine de jeux, on s’en doute pas qu’elle a du succès).

Dans le monde virtuel (aussi connu sous le nom du Web, vous savez, le bidule qui vous permet de mater du c... faire des recherches sur l’économie agraire de la Roumanie sans avoir à se déplacer de chez soi. On est jamais assez sédentaire), la saga est assez célèbre avec notamment plusieurs sites très complets tels que DaiTrombe (base de données), The Gate of Magus (guide sur les personnages et les mechas originaux à Banpresto) ou le wiki Akurasu, quoique tous anglophones (le seul site francophone de Super Robot Wars à ma connaissance, SRT-France, est actuellement indisponible).

Réunion de stars

L’éternel duel entre Char et Amuro, même après l’apocalypse.

En plus de contrôler des robots géants (si si, je suis sûr que vous avez rêvé de pouvoir en contrôler, ne serait-ce pour écraser le méchant chien du voisin qui vous mordait les fesses), le joueur utilise les personnages issus de presque tous les mangas et animés mettant en scène des robots, géants ou non. Cela va des classiques Gundam (qu’ils soient issus de l’Universal Century, du Cosmic-Era, de l’After Colony ou de l’After War), aux robots géants de la saga des Mazinger/Goldorak en passant par les Getter Robo sans oublier les séries moins vastes mais toutes aussi célèbres telles que Neon Genesis Evangelion ou Martian Successor Nadesico ou moins célèbres comme Brain Powerd ou GEAR Fighter Dendoh.

Vous reconnaîtrez au moins Goldorak là-dedans.

C’est sûr, ça doit faire plaisir aux fans, surtout de pouvoir jouer avec des personnages mythiques tels que Koji Kabuto ou Amuro Ray, et même de les faire combattre côte à côte. Vous pouvez même vous créer une Dream Team composée uniquement de vos personnages préférés. Attention toutefois car les séries mises en scène diffèrent dans chaque titre. Il n’est donc pas toujours possible de vous constituer une équipe complète.

Berserk Eva est aussi de la partie. Après tout, pourquoi ne peut-elle pas éclater du vilain aussi ?

Comptez le nombre de séries !

Comment jouer
(bah oui, ce serait bête de ne pas pouvoir passer le cap de la première mission non ?)

Durant les missions

Super Robot Wars est une série de Tactical-RPGs, où l’on contrôle une armée de robots à la place de soldats. Vous faites déplacer vos unités durant votre tour et affrontez l’ennemi au besoin. Les missions demandent généralement le génocide de l’armée ennemie ou d’un boss particulier, ou la prise d’une zone spécifique. Attention toutefois, car les conditions de victoire sont souvent radicalement différentes. Il se peut alors que vous n’ayiez donc pas à devoir détruire tel ou tel ennemi comme vous l’auriez cru par exemple. De même, la destruction ou la protection d’une unité particulière peut enclencher parfois des missions bonus ou des variations dans le scénario.

Lors du tour de l’ennemi, il se passe à peu près la même chose, et quand un ennemi cible une de vos unités, vous pouvez choisir de contre-attaquer (si vous en êtes capable), de tenter une esquive, ou de vous préparer à bien l’encaisser.

Les maps sont assez moches, comme la plupart des T-RPGs.

En général, s’il n’y a pas Game Over, la destruction d’une de vos unités ne la fera pas mourir, mais encourera une pénalité de fonds à la fin de la mission. Comme la plupart des T-RPGs, la principale difficulté réside dans l’inégalité des forces, que vous devrez compenser par la tactique (d‘où le nom, bien sûr).

On a jamais une épée assez grande... Ni un fusil aussi bien ajusté...

En plus des actions générales, vous pouvez aussi accéder aux « Spirits », capacités spéciales qui permettront par exemple de doubler vos dégâts ou d’avoir une précision de 100% (car vous n’alliez tout de même pas vous imaginer capable d’atteindre tous vos ennemis avec une réussite totale). Ces capacités consomment des points de spirit, qui sont limités, et sont donc à utiliser de manière raisonnée, car elles sont indispensables si vous voulez avoir une chance de réussir les missions.

Un autre facteur est la « Volonté » (« Will » dans l’anglais d’Irlande) , qui varie de 50 à 150. Elle influe les statistiques de vos unités, et une grande volonté est généralement nécessaire pour avoir accès aux armes les plus puissantes. Vous démarrez généralement à 100 (parfois plus, selon le nombre d’ennemis déjà détruits par vos personnages. Et oui, l’espérience affecte aussi la volonté) et vous en gagnerez par la destruction de vos ennemis, ou de vos alliés (mais j’espère que vous aurez moins recours au deuxième cas).

Certaines attaques sont réellement flashies... Et certaines tenues très... hum... originales...

Enfin, il y a l’expérience et l’argent, que vous obtiendrez à chaque ennemi vaincu, et qui permettra d’améliorer les caractéristiques de vos personnages pour le premier, les rendant plus puissants et efficaces, et leur permettant également d’avoir accès à davantage de capacités de Spirit, et parfois même à de nouvelles armes, et les performances de vos robots pour le second, à savoir l’esquive, l’armure, l’énergie (car certaines armes coûtent de l’énergie), la vie (ou la résistance), et la puissance des armes. Ces deux éléments seront également indispensables si vous voulez espérer voir plus loin que le bout de votre nez.

Entre les missions

Facile à comprendre si on a un minimum de connaissance de l’anglais... Ou mieux, du japonais.

Comme toujours, vous avez toute une série de dialogues entre les missions qui mettent en place le scénario, ainsi que la possibilité de sauvegarder, d’améliorer vos unités et vos pilotes, d’équiper vos robots d’outils ou d’armes, voire même de changer leur pilote (pour certains). Bref, tout ce qui est de courant dans un Tactical-RPG, et tout ce qui est nécessaire.

Pas facile de comprendre l'histoire si on ne suit pas les dialogues.

Robots et pilotes

Certains pilotes sont davantages doués pour le tir, tandis que d’autres préfèrent la mêlée. Ils ont également des compétences et des statistiques différentes. Il est donc important de déterminer quel robot ils vont piloter. De même, on distingue basicalement deux types de robots : les Real Robots, petits et rapides, qui esquivent bien, et qui généralement parés pour l’attaque à distance, et les Super Robots, grands et solides, avec beaucoup de points de vie, et sont plus disposés au corps à corps.

Joueur même sur le champ de bataille.

En plus de ces robots, vous aurez accès à des unités qui sont capables de restaurer les points de vie ou l’énergie/les munitions, ainsi que des vaisseaux-mères, qui ne doivent être généralement en aucun cas détruits, et sont capables de servir de « base » où vos unités pourront s’y restaurer. Une dernière catégorie de robots sont ceux qui agissent comme soutien et sont capables d’améliorer les caractéristiques de vos autres unités, ou de baisser celles de vos ennemis.

Les combinaisons

Certaines unités sont capables de lancer des attaques combos, qui sont généralement extrêmement puissantes. Celles-ci demandent à ce que les deux (voire plus) unités soient adjacentent, qu’elles présentent toutes deux les conditions (énergie, niveau) nécessaires, et qu’une des deux aient la portée requise pour atteindre la cible. Néanmoins, cela en vaut parfois la peine, étant donné que ces attaques combinées sont généralement les plus puissantes que vous aurez à votre disposition.

Puissant et jouïssif (j’ai toujours eu un penchant pour le sadisme)

Les boss

Faites la connaissance de Shû Shirakawa. Que vous vous entendiez bien ou non n’a aucune importance : La galaxie sera atomisée dans 15 secondes, et vous avec.

S’il y a bien une chose envers laquelle on peut crier au scandale, ce sont bien les boss. En effet, d’après la politique de Banpresto, Un boss décent = Un nombre indécent de points de vie + Une capacité à vous démolir en un coup vos unités si elles sont touchées.

Voici un boss très vicieux, donc décent.

C’est parfois un cauchemar quand plusieurs de ces boss au nombre ????? de points de vie (Les ?????, c’est pour indiquer un chiffre trop élevé pour être affiché sur l’écran) sont présents en même temps, surtout quand vous ne contrôlez qu’une petite quinzaine d’unités capables de faire chacun seulement environ 5000 points de dégâts, quand ces boss régénèrent leurs points de vie et leur énergie à chaque tour, et quand ces boss ont soit : une esquive incroyable, une résistance hors normes, une précision inouïe, et même parfois les trois.

Voici la différence entre un boss très vicieux, très très vicieux, très très très vicieux et très très très très vicieux.

Prêt à voir votre mécha coupé en deux ?

La fin du monde... Que dis-je, de l’univers tout entier.

Le scénario

On peut dire que les scénaristes de Banpresto sont vraiment fortiches quand il s’agit de mettre ensemble des univers complètement différents. On retrouve alors parfois Evangelion lutter aux côtés des Gundam et de Goldorak, avec un scénario qui les unit, et qui est également en relation, avec leurs séries, voire inspiré de ceux-ci. Il y a parfois même des modifications dans leurs scénarios originaux, ce qui permet à certains personnages, normalement destinés à mourir dans leur série originelle, de survivre et même de lutter à vos côtés.

Deux séries qui n’ont jamais été mises en relation... Et pourtant...

De plus, étant donné que les développeurs reprennent souvent des éléments n’ayant pas apparu dans les animés (ceux publiés dans les mangas/romans), le joueur retrouve souvent des méchas, personnages et aventures inédites dans les jeux.

Faites votre choix !

Toutefois, il ne faut pas s’attendre à pouvoir parcourir l’histoire entière du jeu en une seule partie. En effet, bien souvent, vous aurez à choisir un personnage (qui est toujours un Banpresto Original, voir section plus loin en-dessous) qui fera guise d’héros (et sera donc votre avatar). Selon le personnage et son robot choisi, de sérieux changements peuvent être apportés au scénario. Par d’ailleurs, vous aurez souvent à choisir, à un moment donné du jeu, quelle route prendre. Sans compter le fait que certains éléments du jeu ne se déclenchent qu’après avoir effectué telle ou telle action, ou remporté un certain nombre de Battle Mastery. Avoir la meilleure fin est donc souvent un grand défi.

Banpresto Originals et Original Generation

En d’autres termes : Super Robot Wars Original Generation

Vous vous doutez bien que si Banpresto se contentait de pomper toutes les séries, leurs jeux seraient bien vides. Il y aura donc toujours au moins un « Banpresto Original », qui est un personnage conduisant un robot, créé par Banpresto (le mécha inclus) qui fera guise d’héros, d’allié, ou de boss.

Sanger Zonvolt, celui qui ridiculise les épéistes conventionnels.

Original Generation

Que c'est bô. (si seulement la qualité de la vidéo n'était pas aussi mauvaise...)

Les personnages issus des Banpresto Originals sont loin d’être inintéressants, au contraire.

La saga des Original Generation est un dérivé des Super Robot Wars, ayant pour particularité de metre en scène uniquement des Banpresto Originals. Ne vous attendez donc pas à trouver les classiques Gundam ou Mazinger dans ces jeux. On retrouve donc à la place l’otaku Ryusei Date, fan de Super Robots devant l’éternel, le parieur Kyosuke Nanbu, qui compare la bataille à un grand pari où il mise sa vie, la Miss Fanservice Excellen Browning, le très impressionant Sanger Zonvolt et son ami Elzam von Branstein, le mystérieux et énigmatique Gilliam Yager, et bien d’autres encore.

Les répliques d’Excellen contiennent souvent des références.

Deux jeux publiés par Atlus. Dommage qu’on ait pas eu droit aux titres sur PS2 (dommage que je ne possède pas de PS2 non plus, mais là n’est pas le sujet).

Les jeux Original Generation sont pour l’instant les seuls ayant franchi officiellement la frontière japonaise, étant donné que les problèmes de license ne s’y appliquent pas, et Atlus a publié dans la langue de l’Oncle Sam les deux titres sur Game Boy Advance sous le nom de « Super Robot Taisen : Original Generation » et « Super Robot Taisen : Original Generation 2 ». Contrairement à ce que l’on pourrait envisager, la série des Original Generation est très populaire, ce qui l’a conduit à se parer de sa propre série animée et de ses propres OVA :

Super Robot Taisen OG Saga : Endless Frontier

Le troisième et dernier jeu ayant quitté les frontières japonaises.

Voici sans doute le titre le plus déroutant, non pas parce qu’il s’agit d’une spin-off ou qu’il s’agit d’un RPG classique plutôt qu’un Tactical-RPG, mais à cause de la profusion du fanservice. Je ne sais pas s’il s’agit d’un nouveau courant de pensée au Japon (si c’est le cas, il faut que je réserve un aller simple pour le pays du soleil levant), mais force est de reconnaître que ce jeu risque de faire crier les chaumières de la bonne morale du bon Dieu nouillesque.

Avec ce genre de jeux, comptez sur moi pour ne pas décoller mes yeux de l’écran.

Hormis cet aspect déroutant, il reste un bon jeu avec une histoire originale, un système de combat assez dynamique, mélange de tour au tour et de temps réel, des dialogues qui ne manquent pas d’humour et des personnages attachants, voire même charmants (surtout les personnages féminins).

Musique et bande-son

Listen to my song !

Comment oublier la bande-son, qui est toujours très complète, et fidèle aux musiques originales des séries ? La plupart des chansons, ou des musiques d’ambiance, sont remixées (et sans paroles pour les chansons), servant de musique de fond, mais cela n’empêche pas qu’elles sont généralement extrêmement réussies. On retrouve quasiment toutes les chansons, qui peuvent, même en qualité MIDI, être aussi bien entraînantes ou délirantes que tristes ou inquiétantes.

On retrouve ainsi :

*Beyond The Time (Mobile Suit Gundam : Char Contre-Attaque : Générique de fin)
*Silent Voice (Mobile Suit Gundam ZZ : Deuxième générisque d’ouverture)
*Heats (Getter Robo Armageddon : Deuxième générique d’ouverture)
*Gundam Takeoff (Mobile Suit Gundam SEED : Musique d’ambiance)
*Go ! Zambot 3 ! (Invincible Superman Zambot 3 : Générique d’ouverture)
*Resolution (After War Gundam X : Deuxième générique d’ouverture)
*Men of Destiny (Mobile Suit Gundam 0083 : Stardust Memory : Deuxième générique d’ouverture)
*W-Infinity (GEAR Fighter Dendoh : Générique d’ouverture)

Il y a même une auto-référence avec Prisoner of the Labyrinth ! (Cela s’explique car Original Generation Gaiden reprend le scénario de l’OVA)

En plus des musiques tirées des animés, Banpresto compose également ses propres musiques, qui sont aussi variées que réussies, et certaines font réellement honneur aux capacités des consoles sur lesquels les jeux sont portés, voire en repousse les limites. En voici déjà un aperçu :

Catégorie des morceaux les plus célèbres :

*So Close Yet So Far
*Dark Knight
*Trombe!
*Marionette Messiah
*Beowulf

Catégorie des musiques douces :

*Dancing Fairies
*Shooting Star, Cut Through The Night !
*Cherry Blossom Illusion
*Brass Sincerity
*Platinum Lucifer

Catégorie des musiques mystérieuses ou inquiétantes :

*Armageddon
*The Arrow of Destiny
*Dark Prison
*Chaos
*The Gate of Magus

Notons au passage que le groupe JAM Project est célèbre également pour sa participation dans la composition des chansons et musiques de la saga des Super Robot Wars.

Succès et popularité

Des maquettes pour garnir sa collection... ou se rincer l’oeil.

On peut facilement deviner que la saga des Super Robot Wars est très populaire au Japon, où elle est considérée comme la saga de jeux vidéo officielle des méchas (ce qui en soi n’est pas complètement faux). En plus de la présence des célébrités du monde de la Japanimation, la saga doit également son succès à une réalisation très soignée des animations et personnages (bien qu’en format Super Deformed), une bande-son très fournie et bien réussie, un scénario complexe mais passionant et solide, et surtout, une difficulté dosée à la limite du possible dans bien des titres.

Rien de tel que de discuter à bord de robots géants.

On retrouve d’ailleurs bien souvent des références à la saga dans des séries animées telles que Lucky Star (comme le montre le lien ci-dessus). Cela s’explique par le fait que les producteurs de ces animés sont souvent des fanatiques des jeux Super Robot Wars. Dans Endless Frontier, on peut noter la présence de KOS-MOS (Xenosaga) et Xiaomu (Namco x Capcom), qui montrent que Banpresto, et par conséquent la saga des Super Robot Taisen, font désormais partie de Namco Bandai.

A noter aussi que certains méchas, tels que Mazinkaiser, ont eu leur série animée après qu’ils aient rencontré un succès dans les Super Robot Wars, et que d’autres animés, tels que Hadès Project Zeorymer, sont sortis de l’ombre grâce aux Super Robot Wars, pour donner une idée de la popularité de la saga.

Le Cybuster, un mécha Banpresto Original, sera tellement populaire qu’il obtiendra sa propre série animée.

On retrouve aussi des parodies qui véhiculent sur le net, ainsi que des recueils de « Gags à 4 cases », des mangas, des versions vocales et/ou remixées des chansons, etc. qui, contrairement à ce que l’on pourrait croire, ne proviennent pas de Banpresto.

Je sais, la qualité est mauvaise et la traduction, pourrie, car j’ai dû rapetisser l’image, et traduire tout seul, ne serait-ce pour que l’Académie Française arrête de me râler dessus.

Pour finir

C’est pourquoi je me dois de conclure mon article.

Je sais bien que vous aimeriez bien voir me noyer sous ma diarrhée verbale de fanatique en chaleur des Super Robots, mais malheureusement ( ?), je me dois de conclure mon article, par manque d’inspiration/manque de motivation/fainéantise. Aussi, je vous propose un mini-jeu, où il s’agit tout simpltement de retrouver le nom de toutes les séries. Une surprise (une récompense, en d'autres termes) est mise en jeu, aussi n’hésitez pas à y participer. Après tout, c’est gratuit, donc pas cher.

Mini-jeu : Retrouvez-les tous !

Il suffit d'envoyer vos réponses par le formulaire de contact du Pavillon. Ne vous inquiétez pas, notre personnel est fiable et digne de confiance (tout du moins, je l'espère). Je posterai les solutions lors de la mise à jour de février.

Et n’hésitez pas à vous y mettre aussi aux Super Robot Wars, après tout :

Si vous cherchez un jeu avec de très très grands robots, de la tactique, une bonne difficulté, et une histoire solide, Super Robot Wars est pour vous, surtout si vous savez lire le japonais !

Bon jeu ! (on peut toujours espérer, non ?)

Dark Link

Visual Novel : Higurashi no naku koro ni

Sun, 31 Jan 2010 20:42:20 +0100

Introduction :

Au japon, il se tient deux fois par an le Comiket. C'est un salon durant lequel des studios amateurs présentent leurs créations : des Doujins. On y trouve de tout : du hentai, des oeuvres sérieuses, des parodies, et des fois des Doujins Games, des jeux rattachés au genre du Visual Novel.

Et il y a quelques années, le 10 Août 2002, un groupe appelé « 07th Expansion » proposait un jeux répondant au nom de Higurashi No Naku Koro Ni. Certaines personnes ont alors acheté ce jeux, par simple curiosité, et là... boom. En quelques jours ce studio amateur se retrouva propulsé sur le devant de la scène. Les copies du Visual Novel (ou Sound Novel) s'arrachèrent ; le nom (enfin pseudo) du créateur de ce jeux, Ryukishi07, fût scandé partout. Ce jeu devint un véritable phénomène.

C'est le début de Higurashi No Naku Koro Ni.
Les débuts du cercle « 07th Expasion ».
Les débuts de la saga When They Cry.
C'est le début d'un mythe.

De nos jours, la saga Higurashi est terminée, et elle a eu le temps de se faire adapter en manga et en animé. Le studio « 07th Expansion », lui, a commencé une nouvelle série : Umineko No Naku Koro Ni. Une série qui est tout aussi populaire que Higurashi, si ce n'est plus. Le cercle, lui, est devenu ultra-connu, et son créateur est reconnu comme étant un des meilleurs scénaristes dans le domaine (il collabore même avec le Studio Key, pour dire).

Et le jeu est même sorti en France il n'y a pas très longtemps.
Je l'ai acheté, et fini, et j'ai énormément envie d'en parler. On y va ?

S'il te plaît, ne pleure plus.
Car si le monde te hait, moi je te pardonne.

S'il te plaît, ne pleure plus.
Car si tu hais le monde entier, moi je te pardonne.

Alors explique moi !
Que dois-je faire pour que toi, tu me pardonnes ?

Higurashi est le premier jeux de la saga When Then Cry. C'est un Visual Novel divisé en quatre chapitres (tous sortis d'un Comiket), de août 2002 à août 2004.

Watanagashi-hen : enlevé par les démons.
Tatarigoroshi-hen : chapitre du Watanagashi.
Himatsubushi-hen : chapitre tueur de malédiction.
Onikakushi-Hen : chapitre du temps perdu.

Pour le moment, ce sont les deux premiers chapitres qui sont sortis en France. Les deux autres chapitres sont prévus pour mi-2010. La traduction de ce Visual Novel sera donc relativement rapide.

Ensuite, la suite de ce Visual Novel est programmée pour fin 2010, mi-2011. Mais attention, c'est une tout autre histoire ça, on en parlera en temps voulu.

Allez, après ceci, rentrons directement dans le vif du sujet, c'est à dire le contenu du visual novel en lui-même.

Histoire :

Nous sommes dans un charmant petit village perdu du nom de Hinamizawa. Les montagnes entourent cette petite bourgade, les ruisseaux serpentent en son sein, et les cigales, elles, y pleurent tous les jours. Vu comme ça, ce village est banal. Mais ce que vous ne savez pas, c'est qu'il s'y est passé quatre étranges incidents :

• Juin 1979, on découvre un responsable de chantier démembré. Cinq coupables seront arrêtés, mais l’un d’entre eux toujours en possession d’un des six morceaux est toujours dans la nature.
• Juin 1980, un couple de vacanciers a un accident et tombe du haut d’une falaise. Seul le corps du mari sera retrouvé.
• Juin 1981, un prêtre meurt d’une crise cardiaque. Il est probable que sa femme se soit suicidée suite au choc, mais son corps demeure toujours introuvable.
• Juin 1982, une femme est retrouvée battue à mort. Son jeune neveu, quant à lui, est porté disparu.

Quand on regarde ça, on peut se dire que rien ne relie ces accidents. Mais quand on regarde de plus près, on peut s'apercevoir d'une chose : quand une personne meurt, une disparaît sans laisser de trace. Troublant non ? Et en plus, ces incidents se passent toujours à la même époque, le jour du festival Watanagashi, en Juin. Ce festival est célébré en honneur de la divinité locale, Oyashiro.

Vu comme ça, on ne peut conclure qu'une chose : c'est la malédiction de Oyashiro-sama. Ca ne peut être l'oeuvre du hasard. Et c'est que la plupart des gens vont penser.

Notre histoire commence en juin 1983, juste avant ce festival. A travers le visual novel, nous incarnerons un jeune homme qui vient d'emménager à Hinamizawa, répondant au nom de Keiichi Maebara. Cependant, il ne se doute pas qu'il a mis les pieds dans un des villages les plus spéciaux qu'il puisse exister.

Mais bon, Keiichi s'intègre bien au village et il commence à s'y faire. Il arrive à reconnaître les gens, et les gens le connaissent. Il a même intégré un club ; ce dernier est constitué de filles, qui jouent tous les jours à des jeux. (Mais attention, ce ne sont pas que de simple jeux... niark. Si l'on perd, la sanction est sévère... et le gage quasi létal. Ha ha.)
En résumé il se plaît à Hinamizawa. Si seulement...

Personnages :

Les personnages principaux de Higurashi sont les membres du club dont je parlais précédemment. Les voici-donc, par ordre de découverte (ce qui n'est pas très important, mais bon, ça fait classe).

Keiichi Maebara
The Magician of words

Keiichi vient d'emménager à Hinamizawa. Ex-citadin, il a découvert les plaisirs de la campagne, ses atouts et ses défauts. Grande gueule, il s'est très vite intégré dans le village, et a pu se faire des amies, et ce très vite. Notamment les membres d'un certain club, qui l'on d'ailleurs accueilli à bras ouverts pour son plus grand malheur. A l'heure qu'il est, on ne compte plus les gages de Keiichi, tellement ils sont légion. Mais malgré les nombreuses sanctions qu'il peut recevoir, Keiichi reste très attaché à ses amis. Et je peux vous dire que ça peut être un casse-tête quand il nous arrive certaines choses ça.

Si Keiichi a déménagé à Hinamizawa, c'est à priori parce que il a causé quelques problèmes dans son ancienne ville. Pourtant, ce n'est pas un délinquant. Parfois, il rentre un peu dans le tas, et il peut être un peu brutal, mais il reste tout de même calme la plupart du temps. D'ailleurs, il préfère toujours utiliser les mots que les poings. Et pour parler, il est assez fort le bougre.

Petite info : dans le visual novel, c'est Keiichi que nous incarnons. Du moins, pour deux chapitres, après je ne sais pas, vu qu'ils n'ont pas encore été traduits dans notre langue.

Rena Ryuugu
The Omochikaerii mode girl

Elle a le même âge que Keiichi, et elle est revenu vivre à Hinamizawa il y a un an avec son père. Dès son retour, elle a subit le même traitement de choc que son ami : le club. Elle y est rentrée directement tout comme lui. Cependant, on ne sait pas si elle a été aussi lynchée que lui. Personnellement, je ne pense pas... Seul Keiichi peut prétendre être le bouc émissaire officiel du club.

« Omochikaerii » signifie « je veux le ramener à la maison » en japonais. Et quand elle rentre en rentre en « The Omochikaerii mode », elle est invincible. Car Rena possède une manie assez bizarre : tout ce qu'elle trouve mignon, elle veut le ramener à la maison. Qu'importe si elle ne peut pas, ou si elle n'a pas le droit. Ca peut aller d'un simple déchet à une... petite fille. En même temps, je la comprends, Rika est mignonne (^^).

Rena est donc une fille timide et mignonne, parfois moe. En résume, une gamine comme les autres... Boom ! Je déconne. Rena ce n'est absolument pas une gamine comme tant d'autres. La demoiselle fait peur, la demoiselle est effrayante, et surtout... peu rassurante quand elle est en colère. On dirait même que parfois, elle a deux personnalités, tellement les deux états dans lesquels elle peut être sont paradoxaux.

Sonozaki Mion
The Club Leader

Mion est la déléguée de la classe, et elle a un an de plus que Rena et Keiichi. Mion est la chef du club, et un petit peu grande soeur de tous. C'est elle qui a créé le club d'ailleurs, et surtout son règlement quelque peu spécial. Mais bon, n'en parlons pas plus, les jeux du club étant les moments les plus EPIC, je n'ai pas envie de vous gâcher plusieurs fous rires.

La demoiselle est la future leader du clan Sonozaki. Elle a montré dès son plus jeune age, qu'elle avait toutes les qualités pour être une chef. Et les Sonozaki ne sont pas des anges, loin de là... Alors Mion serait-elle une personne usant de moyens peu recommandables pour toujours arriver à ses fins ? On se le demande bien.

Satoko Hojo
The trap Master

Satoko est beaucoup plus jeune que Keiichi, mais elle cependant plus intelligente que lui. A première vue, on pourrait croire que la demoiselle n'est qu'une petite fille comme les autres, mais non. Satoko est sans doute la plus rusée du club. Elle est une véritable maîtresse des pièges en tous genres, qui peuvent aller de la simple farce au piège mortel. Et celui qui en souffre le plus c'est Keiichi (évidence même, vous me direz). N'empêche le pauvre, c'est toujours lui qui reçoit les gages, mais en plus, il doit toujours faire attention aux pièges de Satoko. Personnellement je compatis.

Derrière ce côté « petite peste », Satoko cherche à oublier son triste passé. Mais attention, il arrive que des fois il refasse surface. Et alors là, la demoiselle peut rapidement devenir méconnaissable. Très méconnaissable même.

Furude Rika
The Sly Fox

Rika a le même âge que Satoko, et elle est sa meilleure amie. Descendante de la famille Furude, elle appartient à l'une des 3 grandes familles, tout comme Mion. De ce fait, malgré son jeune âge, elle a beaucoup de responsabilités. Vu qu'elle est héritière du temple, elle est vénérée par les villageois. Ce qui ne la dérange pas.

La demoiselle est souvent considéré par la plupart des personnes comme une petite fille très mignonne, mais attention, comme d'habitude il ne faut pas se fier aux apparences. Derrière ce visage d'ange peut se cacher une redoutable adversaire capable de tous les coups bas. Un conseil, ne vous laissez pas avoir par ses, « Nipa », ou « Mii ». Ce n'est pas une petite fille comme les autres.

D'ailleurs, par moment il lui arrive d'être très mystérieuse et de faire preuve d'une sagesse peu commune pour son âge. Dans ces moments-là, elle est capable d'en surprendre plus d'un...

A noter que la boisson préférée de Rika est un vin du nom de Bernkastel. Si certains ont déjà zieuté certaines petites choses sur la saga « When They Cry », peut-être que ça vous rappelle quelque chose. Qui sait...

Allons bon, après cette petite présentation de la série, place à mon avis, qui je vous le garantis, sera 100% subjectif. Que tous ceux qui n'aiment pas me voir en mode fan-boy rebroussent leur chemin. Ce qui suit c'est du fanatisme pur et dur. Mii...

Avis :

J'ai connu Higurashi grâce à son anime. A l'époque, après l'avoir fini, je suis immédiatement tombé fan de l'univers de la série. Pour résumer, j'avais vraiment adoré. Ou comme disent nos amis les kikoolols, j'avais over-mega-kiffé-ma-race. En soi, ça marche aussi.
Puis après avoir vu l'adaptation de ce Visual Novel, une certaine personne m'a appris que le sound novel lui-même allait sortir dans notre pays sous peu. Et bien sûr, en Français. Je ne vous raconte pas comment j'étais content ce jour-là : le VN d'un de mes animes favoris allait sortir. Franchement, pour moi c'était comme si j'avais eu mon BAC avant l'heure (bon, c'est un peu miteux comme comparaison, mais c'est ça).
Ensuite il est sorti. La même personne m'a contacté pour me dire qu'il était en vente sur internet. Et que je pouvais le commander dès maintenant, ce que j'ai fait. Et j'ai attendu... cinq longs jours qui m'ont paru être une éternité. J'ai cru que j'allais mourir tellement c'était long. Pour vous, ça peut paraître un peu bête d'attendre à ce point un Visual Novel, mais pour moi, c'est quasi une question de vie ou de mort. Et heureusement pour moi, par un beau jour d'hiver, il est arrivé. Il était là, dans la boîte aux lettres.
Je l'ai donc déballé vite fait bien fait, puis après l'avoir installé, j'ai commencé à y jouer. Vous ne pouvez pas savoir à quel point j'étais heureux. J'avais un sourire niais sur le visage, et j'aurais pu danser Thriller à poil sur une autoroute ce jour-là. Mais bon, ce sourire s'est vite envolé... très vite même. La faute à qui ? Au studio « 07th Expansion ».

Higurashi n'est pas une oeuvre comique dans l'ensemble, bien que le Visual Novel ait quelques moment EPIC dans le genre, tout de même. Non, à la base, la spécialité de cette sublime oeuvre, c'est l'horreur. Et on peut dire que c'est vraiment bien réussi. Car comme je l'ai dit plus haut, en même pas deux minutes j'étais à terre. L'introduction déboîte, et elle est triste, et horrible. Je m'en souviendrai toute ma vie. Et dites-vous que c'est vraiment excellent pour m'avoir changé comme ça, en un-deux clics de souris.

Enfin, cela au moins m'a fait comprendre une chose : en faisant ce Visual Novel, je ne serais plus le même. L'anime était flippant, certes, mais avec cette introduction j'ai compris également que grâce à ce petit CD-Rom, j'allais flipper ma maman. Et bien sûr, que ce Visual Novel allait être encore plus terrifiant que son adaptation en anime.
Et j'avais effectivement raison. Par la suite, j'ai eu confirmation : après une heure et demi, les choses sérieuses ont commencé. Et alors, je peux vous dire que j'ai flippé, car c'est vraiment... surprenant. Après l'introduction, ce qui suit n'est pas du tout terrifiant : c'est tout simplement drôle et sympathique. On pourrait presque dire que c'est un Visual Novel pour enfant (bien que certaines choses pourraient quelque peu choquer...). Mais non. Et c'est ça qui fait peur. En deux secondes, tout change : exit Alice au pays des merveilles, bienvenue à Hinamizawa. C'est brutal, et ça fait vraiment peur. Même moi qui avait vu l'anime je me suis laissé surprendre ; pourtant, je savais que à un moment ou à un autre ça allait arriver. Cependant, j'ai baissé ma garde devant tant de choses « gentilles ». Et je me suis laissé avoir... car c'est justement l'effet que doit faire ce jeu. Nous rendre heureux, nous faire rire devant la vie de quelques personnages, puis ensuite nous faire cauchemarder quand on ne s'y attend pas. Et c'est on ne peut plus réussi.

En même temps, le studio « 07th Expansion » n'a pas besoin de ça pour faire peur. Car ce studio a vraiment un don pour nous faire cauchemarder. C'est un domaine qu'il maîtrise, en plus de celui du rire. Et je dois dire que c'est l'ambiance qu'ils ont créé dans Higurashi, qui est le plus gros point fort de leur création.

Higurashi n'est pas un Visual Novel banal. Il ne mise pas tout sur les textes et le scénario pour nous faire crier « WTF ». Non, c'est avant tout un VN qui a une ambiance propre. En le réalisant, le studio « 07th Expansion » a donc mis le paquet pour ce qui est du reste... les sons, les musiques (c'est pour ça d'ailleurs, que Higurashi est plutôt un Sound Novel). Ainsi que les « animations » de certains personnages. Et c'est ça qui a marché, car si cette ambiance est aussi efficace c'est grâce à ces sons.

Une batte de base-ball qui fend l'air. Des musiques adaptés à la situation. Par exemple.

C'est magique, et surtout flippant. Mais ça a surtout l'avantage de nous emmener à Hinamizawa. Si vous faites ce Visual Novel avec un casque pour le son (comme moi), vous aurez presque l'impression d'y être. D'être Keiichi même. Et comme je le disais c'est ça le plus gros atout de ce Visual Novel : son ambiance, car en plus de nous faire très très peur, elle nous transporte dans un autre monde sans que l'on s'en s'aperçoive. De ce fait, on dévore littéralement Higurashi. On peut donc dire que ses créateurs ont bien roxxé sur ce plan. Mais heureusement pour nous, il n'y a pas que là qu'ils ont marqué les annales. Sinon, ils ne seraient pas rentrés dans la légende pour si peu (allons bon, vous dîtes que j'exagère ? Mais non !). Ce qui a rendu leur oeuvre si célèbre, ce n'est pas que l'ambiance. Il y a aussi le scénario bien sûr. En toute honnêteté, si l'ambiance est awesome, alors l'histoire de ce Visual Novel est tout simplement divine. Elle est complexe, très complexe. Voir trop pour avoir été inventée par un homme.

Le scénario créé par Ryukishi07 rend son oeuvre exceptionnelle. Son ambiance suffirait à rendre sa création excellente. Mais l'histoire qu'il a inventé l'a propulsé au rang de must, voire plus. C'est ce qui a déclenché cette Higurashi-mania et a rendu tant de gens fans de ce Visual Novel. Parce que bon, ce n'est pas un petit casse-tête policier comme on en a vu d'autres. Oh non, s'il vous plaît, ne dîtes pas ça ! Ce pourrait être dangereux pour votre personne. Car oui, le scénario de Higurashi est bien plus énorme ; beaucoup plus énorme. Peut-être que certains parmi vous connaissent la saga « Ace Attorney » ? Et bien, si oui, je pense que vous savez à quel point les affaires de ce jeux sont souvent complexes. Parfois même, elles sont de vraies casses-têtes... Je dois dire que moi même j'ai déjà balancé ma DS en essayant de les résoudre. Et bien sachez que Higurashi c'est bien pire. Oh, ça oui. Phoenix Wright et ses petits copains c'est des minables avec leurs affaires pour maternelles. L'histoire de ce Visual Novel est vraiment un casse-tête des plus complexes. En réalité, je dois dire que jamais je n'ai vu quelque chose d'aussi dur à résoudre ; à vrai dire, une oeuvre comme celle-ci ne peut être résolue, ou alors vous êtes doués.
Et c'est ça qui fait encore une fois la force de ce Visual Novel : après une ambiance awesome, un scénario divin. C'est ce qui nous donne envie de continuer, encore et encore le Visual Novel. Car on veut savoir la vérité. On veut tout savoir. Cependant, sachez qu'avec ces deux chapitres, peu de réponses peuvent être apportés... Il faudra attendre, à la limite, la sortie des deux chapitres suivants ; après cela, on pourra dire que le Visual Novel peut-être résolu. Et encore... je pense qu'il faudra attendre les chapitres « réponses », car c'est tout bonnement impossible à résoudre, tellement c'est complexe. Ou alors il faut avoir un esprit aussi tordu que les créateurs de Higurashi... Ce qui est dur, car ils sont très forts dans leur genre !

C'est donc encore une fois un gros atout de ce Visual Novel que nous avons là. Et bien sûr, ce n'est pas le dernier, loin de là. Après tout ceci, parlons des personnages. Oh oui, les personnages. Je n'irai pas jusqu'à dire qu'ils portent Higurashi, mais ce n'en est pas loin ; car ils sont excellents. Enfin excellentes. Car je veux bien sûr parler des demoiselles... ah la la. Ces filles sympathiques mais pourtant si terrifiantes.
Higurashi c'est à la fois hilarant et terrifiant. Ces demoiselles sont comme leur oeuvre donc ; drôle mais particulièrement effrayante. Et pour moi c'est clair que avoir de tels personnages dans une oeuvre comme ça, c'est très important ! Des demoiselles qui sont à la fois des rayons de soleil, mais également des marchandes de terreur. C'est si c'est pas priceless ça...

Sinon, que dire d'autre ? Il y aurait tant de choses à dire pour une sublime oeuvre comme celle-ci. Mais malheureusement, ça prendrait trop de temps... Alors je m'arrêterai là. Puis c'est déjà suffisant je trouve (trois pages Word d'avis, argh). C'est déjà assez pour vous faire comprendre que Higurashi est vraiment un must et une expérience qu'il faut faire au moins une fois dans sa vie.

Personnellement, j'ai adoré ce Visual Novel ! J'ai même séché les cours pour y jouer, c'est dire. Et après l'avoir fini, j'ai vraiment reçu une grosse claque ! Mais alors, une vraiment grosse. Je dois dire que ça faisait longtemps que je n'en avais pas pris une pareille.

Et j'espère que vous aussi vous avez envie de tenter l'expérience, maintenant que vous avez lu cet article. Franchement, si c'est le cas, je suis heureux... Et alors ce sera Noël avant l'heure ! Cette série doit vraiment être reconnue en France à l'heure qu'il est, tellement elle est énorme. Et j'espère qu'avec ce petit article, certaines personnes la découvriront et qu'ils l'achèteront. Car oui pas question de télécharger une oeuvre pareille. Il faut l'acheter. (ça me va bien de dire ça !)

Non pas que ce soit indispensable d'avoir la jaquette, et tout, et tout, mais je pense que si beaucoup de personnes achètent Higurashi, les Visual Novels pourront être connus en France. Et alors, il serait possible que l'on ait accès à Umineko No Naku Koro Ni (une oeuvre encore plus démente que Higurashi – créée encore une fois par le studio « 07th Expansion), et pourquoi pas même des Visuals Novel du studio Key, comme Clannad.

Enfin, je rêve un peu...
Quoi qu'il en soit, pour ceux qui vont tenter l'expérience, je vous souhaite bonne chance ! J'espère qu'après ça vous serez le même. Sinon, ce serait triste. Oh oui, très triste... Mouhahahahahaha !

Hachimaki

Comment fut inventé le Scrabble ® ?

Sun, 31 Jan 2010 20:30:07 +0100

Tout le monde a déjà joué à ce jeu ... Certains des fous qui peuplent ce pavillon ont même joué à une variante. Mais savez-vous comment il est né ?

Nous sommes là dans le domaine des exceptionnels succès commerciaux qui ont marqué le siècle dernier. Avec, à l'origine, tous les ingrédients qui forgent une légende : une idée simple, un inventeur ruiné, discret, travailleur et tenace, des fabricants et des distributeurs arrogants, des rebondissements salvateurs au moment où tout semble définitivement perdu, une petite dose de chance et, enfin, un triomphe planétaire.

La terrible dépression économique de 1929 commence par le retentissant Krach de la Bourse de New York, le 24 octobre. La crise va durer trois ans. Elle touche toutes les catégories sociales. Les faillites s'enchainent, les consommateurs endettés ne peuvent plus rembourser leurs dettes, les revenus diminuent, l'activité s'effondre et 25 % de la population active se retrouve au chômage.

Alfred Mosher Butts(1900 - 1993) fait parti de ces millions d'Américains privés d'emploi.
Architecte à New York, Alfred a depuis toujours une véritable passion pour les mots. Aussi profite-t-il de cette inactivité forcée pour explorer plus avant son penchant favori. Tant et si bien qu'il développe un premier jeu de lettres vers la fin de l'année 1931. Il l'appelle le Lexico. Les joueurs doivent alors concevoir des mots avec des lettres tirées au sort. Mais il n'y a pas encore de plateau. En revanche, la valeur du mot écrit dépend déjà des lettres utilisées. Autrement dit, Alfred Butts avait attribué des points différents aux lettres en fonction de leur fréquence d'utilisation dans la langue anglaise.

Le génial architecte venait donc de mettre au point l'une des originalités du jeu en décortiquant un exemplaire du New York Times. Il se livra à une statistique sur la répétition des lettres contenues dans le journal, et il en déduisit une fréquence d'utilisation entre les lettres courantes, rares ou exceptionnelles. Et il leur attribua donc des valeurs différentes. De surcroit, cette analyse lui permit également de déterminer la bonne répartition du nombre de lettres identiques parmi les cent jetons à tirer au sort.

En 1933, deux fabricants de jeux refusent le Lexico. Mais Butts ne désarme pas. Pendant les cinq années qui suivent, il fabrique de façon artisanale deux petites centaines de boites de jeu qu'il donne ou tente de vendre. L'histoire aurait probablement pu en rester là. Mais notre homme s'intéresse aux mots avec une réelle ferveur. Et il ne peut bien évidemment pas passer à côté de cette mode qui fleurit dans tous les journaux : les mots croisés. En les voyant, Butts a l'intuition de composer un tableau qui ressemble à une grille de mots croisés. Puis il modifie son jeu afin que les termes s'entrecroisent. En 1938, le Lexico cède donc sa place au Criss-Cross, puis au Criss-Crosswords. Ce jeu possède déjà les caractéristiques du futur Scrabble : plateau de quinze cases par quinze et chevalets de sept lettres. Même la répartition et la valeur des lettres sont identiques à celles que nous connaissons aujourd'hui (version anglaise ^^).

Malheureusement pour Butts, les fabricants rejettent son Criss-Crosswords. Déçu, Alfred hésite à se lancer personnellement dans l'aventure d'une véritable production. Convaincu qu'il n'a pas la carrure d'un entrepreneur, il renonce d'autant plus volontiers qu'il vient de retrouver un emploi d'architecte. Là encore, l'histoire aurait très bien pu s'arrêter là ...

Survient alors James Brunot. Convaincu de l'énorme potentiel du Criss-Crosswords, il négocie auprès de Butts l'autorisation de fabriquer le jeu, moyennant le versement de royalties à son inventeur. James Brunot opère quelques modifications (notamment la place des cases bonus) et cherche un nom plus attractif.
Après maintes interrogations et tergiversations, son choix se porte sur le verbe scrabble qui signifie entre autre "Tâtonner dans le but de trouver quelque chose". Ne reste plus pour James qu'à déposer la marque Scrabble ® le 16 décembre 1948. L'aventure continue donc avec la famille Brunot qui assemble les premières boites à la main, dans le salon de leur maison du Connecticut. En 1949, ils vendent environ deux mille jeux. Mais l'affaire reste largement déficitaire. Toutefois, pendant les trois années qui suivent, le bouche à oreille leur permet tant bien que mal de maintenir l'activité à flot. Mais rien ne laisse encore présager le succès qui couve.

Un nouveau protagoniste entre en scène à l'automne 1952. Directeur du Macy's, un très grand magasin new-yorkais de l'époque, notre homme a découvert le Scrabble pendant ses vacances. Séduit par la subtilité du jeu, ce passionné entre dans une violente colère lorsqu'il découvre que son magasin ne dispose pas de la moindre boite de Scrabble en rayon. Non seulement ses cadres s'empressent de réparer l'erreur, mais le Macy's s'engage aussitôt dans une puissante campagne de promotion en faveur du Scrabble. Cette fois, la véritable carrière commerciale du jeu commence.
L'année suivante, bien que produisant 6000 boites par semaine, James Brunot ne peut plus répondre à la demande. Aussi doit-il céder sa licence à l'un des principaux fabricants de jeux du moment, Selchow & Righter. Entreprise qui ramasse finalement la mise alors qu'elle avait précédemment rejeté le Criss-Crosswords d'Alfred Butts.

Le Scrabble débarque en Australie et en Grande-Bretagne dès 1953. S'ensuivent les premières adaptations en d'autres langues, dont le français en 1955.
Mais le Scrabble ne s'implante réellement dans notre pays que dix ans plus tard, notamment grâce au soutien du Club Méditerranée. A ce jour, un centaine de millions de boites de Scrabble a été vendue à travers le monde.

el-d-brokeur

[Quai Branly] Teotihuacan

Sun, 31 Jan 2010 20:20:09 +0100

Généralement, j’évite soigneusement d’aller dans les expositions, surtout lorsqu’elles sont temporaires. Je ne rechigne pourtant pas à aller visiter des musées entiers, même si ce genre de sorties a un caractère exceptionnel (qui a dit « comme toutes tes sorties » ?).
En fait, ce qui me rend réticent à acheter un billet pour une expo temporaire, c’est que souvent il doit y avoir une ou deux choses que je tiens spécialement à voir et le reste qui ne m’émoustille pas plus que cela. La gratuité des musées existe (preuve à l’appui), mais la culture se paie dès lors qu’elle a un caractère exceptionnel (et donc parfois temporaire).
Il m’arrive d’aller dans des expos, il ne faut pas exagérer. Je profite parfois du fait d’habiter Paris autrement que pour une connexion haut-débit. La dernière que j’avais dû faire, si mes souvenirs sont bons, était la BD s’invitant au Louvre, en compagnie de SneV, de passage sur Paname. Mais c’était surtout parce qu’il y avait trois planches d’Akari et que ça valait le déplacement. Depuis, j’ai été culturellement au point mort jusqu’à ce que je me dégourdisse les jambes pendant ces vacances de Noël en allant au Quai Branly voir Teotihuacan.

J’entends d’ici les cris d’indignation et les protestations sur le fait que je sois sorti de chez moi autrement que pour aller en cours. Mais cela tient surtout de la curiosité (j’aurais pu dire passion, mais ce serait exagéré vu le temps que j’y consacre) que j’entretiens à l’égard des arts primitifs (le Quai Branly est une sorte de Temple pour moi), surtout concernant les masques. Masques primitifs, je veux dire, tout ce qui est vénitien (pour le style le plus connu) ne m’intéresse pas. Enfin bref, les masques ont un caractère religieux assez fascinant et en même temps grotesque, limite proche de la bande-dessinée. Quand je serai riche, j’aurai une collection de masques rien qu’à moi (et un Totoro géant, mais là n’est pas la question).
Donc, en voyant l’affiche de l’exposition et le musée dans lequel elle avait lieu, je ne pouvais qu’y faire un saut moyennant une somme indécente pour passer une heure et demie dans cinq pièces.

Pour donner un ordre d’idée de la gueule de la cité.

Teotihuacan est une exposition sur la grande cité mexicaine du même nom et qui s’étend de 300 AV J.C à 450 AP J.C. Elle situe cette culture sur la grande fresque des civilisations mésoaméricaines et montre l’héritage qu’elle a pu avoir sur les Empires qui ont suivi. Elle retrace ainsi à travers des pièces d’époque l’architecture, la politique, l’économie, le sociétal, la religion (la partie la plus passionnante) et l’artisanat. L’expo a de particulier de s’intéresser à une culture dont les 95 % des vestiges n’ont pas encore été fouillés, et constitue donc un incroyable patrimoine potentiel que les archéologues rêvent de découvrir. De ce fait, la place est plus à la spéculation sur les objets (450) trouvés, qu’à de réelles affirmations. Allergique au conditionnel, passez votre chemin.
Même si le prix de l’entrée peut paraitre prohibitif au premier abord, il faut avouer que l’expo a bien été dosée : pas trop vide pour qu’on apprenne des choses, pas trop précise pour être accessible aux néophytes (il y a même une fresque qui permet de la situer par rapport aux mayas/incas/aztèques/autres civilisations non-connues et pourtant bien plus imposantes). Comme je m’y attendais, j’y ai trouvé pour ma part la proportion de choses qui m’intéressaient et de choses qui ne m’intéressaient pas : certains objets sont tellement anodins qu’il faut vraiment être connaisseur pour s’extasier devant ; d’autres sont éblouissants au premier regard (dont le masque qui symbolise l’exposition). Masques, peintures murales, sculptures gargantuesques prises des vestiges de la cité (Quetzalcóatl, le Serpent A Plume !)... Une magnifique collection qui vaut le coup d’œil.

La « Poule Folle » ! Très drôle, très kitsch et très intéressante à découvrir.

C'est triste à dire, mais si je vous ai donné envie d'aller voir l'exposition, elle n'est malheureusement plus d'actualité, car finie depuis le 24 janvier ! Désolé, mea culpa, toussa. En attendant, je suis sûr que vous pouvez trouver d'autres expositions sur la culture amérindienne d'aussi bonne qualité, donc n'hésitez pas !

Leto

Yotsuba&!

Sun, 31 Jan 2010 20:11:19 +0100

Ce mois-ci je viens vous parler d'un petit manga bien sympa et très frais.
Yotsuba&! (よつばと!) est un manga comique dessiné par Kiyohiko Azuma, l'auteur de la série Azumanga Daioh. Yotsuba (trèfle en Japonais), fait référence à la coiffure particulière de notre héroïne. Quant au & (と), il sert à annoncer ce que la petite fille va découvrir dans chaque nouveau chapitre.

1 Histoire

Koiwai Yotsuba est une petite fille âgée de 5 ans, pleine de vie, qui découvre le monde et s'émerveille de tout. Chaque chapitre est l'occasion d'apprendre et de connaître un sujet nouveau comme le vélo, la ferme, la pêche, la pluie, la plage...
Elle vit avec son père dans une maison voisine de celle d'une famille de trois enfants, que des filles, qu'elle côtoie régulièrement.
Mais au-delà de l'aspect comique des situations que vit notre petite héroïne, l'auteur glisse également des éléments sur son passé, tels que son adoption, ses origines, sa phobie des motifs en forme d'yeux... afin de créer un univers un peu plus solide qu'une suite de gags.

2 Personnages

2.1 Chez les Koiwai

Yotsuba Koiwai (小岩井四葉) / "Yotsuba" (よつば)
Cette petite fille aux cheveux verts s'émerveille du moindre détail, de la moindre nouveauté qui peuple son quotidien, et son enthousiasme est très communicatif. À chaque page que l'on tourne, on ne peut s'empêcher de la trouver trop mignonne.
Avant de déménager, elle vivait avec son père et sa mère sur une île "vers la gauche", comme elle dit. On sait juste qu'elle est née en dehors du Japon et qu'elle a été adoptée par Mr Koiwai.
Un peu excentrique, elle se rend souvent chez les voisines à l'improviste, pour jouer avec elles.

Mr Koiwai (小岩井) / "Papa" (とうちゃん, tō-chan)
On ne connait pas le prénom de son père adoptif, ni les circonstances de cette adoption.
Il travaille chez lui en tant que traducteur, ce qui lui permet de passer pas mal de temps avec Yotsuba. Même s'il n'est pas toujours le père parfait, il essaie de donner une bonne éducation à sa fille et doit parfois s'excuser pour les frasques qu'elle commet, surtout chez les voisines.

2.2 Chez les Ayase

Asagi Ayase (綾瀬あさぎ)
L'ainée des trois sœurs, elle vit chez ses parents en attendant de trouver un logement près de l'université qu'elle convoite. C'est une jeune femme plutôt belle, qui adore taquiner ses amis et sa famille. C'est celle qui contrôle et manipule le mieux Yotsuba dans toute la famille.

Fuka Ayase (綾瀬風香)
La sœur du milieu, âgée de 16 ans et lycéenne en seconde année. C'est la plus responsable des trois, mais aussi la plus maladroite et la plus excentrique. D'ailleurs, cela lui vaut très souvent des moqueries de la part des autres personnages, surtout à propos de sa façon de s'habiller et de son sens de l'humour assez spécial.

Ena Ayase (綾瀬恵那)
La cadette, un peu plus âgée que Yotsuba et sa compagnon de jeu. Assez sensible pour son âge, elle tente de devenir plus responsable en faisant le tri sélectif et en limitant l'usage de l'air conditionné. Il lui arrive de mentir à Yotsuba, lui faisant croire par exemple que le costume de son amie Miura est un véritable robot. C'est toujours pour voir sa réaction, et non pas pour l'humilier, mais Yotsuba est tellement incontrôlable que cela finit toujours par se retourner contre elle et Miura.
Ena adore dessiner (d'ailleurs elle est plutôt douée dans ce domaine) et jouer avec ses ours en peluche.

Mme Ayase (綾瀬家の母) / "Maman" (かーちゃん)
La mère des trois filles. Elle accueille très souvent Yotsuba chez elle et ne semble pas s'étonner de se faire appeler "maman" par la petite fille. Elle se dispute souvent avec Asagi, sans doute car, comme le souligne son mari, elles ont des caractères assez similaires.

Mr Ayase (綾瀬家の父)
Le père des trois filles. Vu qu'il n'est quasiment jamais chez lui, on suppose que c'est un cadre dans une entreprise. Asagi le taquine souvent à propos de cette absence, en parlant notamment de lui au passé, comme s'il était mort. Mais il s'entend bien avec sa famille d'une manière générale.

2.3 Les amis

Takashi Takeda (竹田隆) / "Jumbo" (ジャンボ)
Ami avec Koiwai et Yotsuba, il se connaissent depuis l'enfance. Ce géant de 2m10, qui se fait toujours appeler Jumbo, rend très souvent visite aux Koiwai. Plutôt placide, et doté d'un sens de l'humour assez sec, il sait se montrer spontané et organiser des activités pour les enfants comme la pêche ou l'étude des étoiles. Il entre d'ailleurs étrangement en compétition avec Miura, notamment la fois où ils partent à Hawaï, simplement parce que la petite fille y était déjà allé.
Asagi ne le laisse clairement pas indifférent, mais trop timide pour se lancer, il utilise son amitié avec Yotsuba pour se rapprocher de la jeune femme, même si ça n'a pas l'air de bien fonctionner...

Miura Hayasaka (早坂みうら)
Amie et camarade de classe d'Ena, elle fait un peu garçon manqué dans sa façon de parler et de s'habiller. Elle semble parfois sans cœur et quelque peu agressive, surtout quand elle sent qu'on se moque d'elle. Pourtant elle est assez perspicace pour analyser les sentiments des autres : elle remarque immédiatement que Jumbo a craqué sur Asagi, et n'hésite pas à s'en servir contre lui.
Elle est aussi extrêmement sensible : elle refuse de se servir d'appât à la pêche et a peur de la grenouille que lui tend Yotsuba.

Torako (虎子)
Une amie d'Asagi qui semble vouloir la même université. Elle fume constamment et semble avoir besoin d'être toujours cool. D'ailleurs elle a du mal avec les excentricités de Yotsuba, même si elle admet ne pas être habituée aux jeunes enfants.
"Tora" signifie tigre en Japonais et "Ko" fille. Mais Yotsuba se contente de l'appeler Tora.

Yasuda (安田) / Yanda (ヤンダ)
C'est un ami de Koiwai et Jumbo. Il n'apparait pas souvent dans la série. Lors de sa première visite, il tente de rentrer chez les Koiwai, alors que Yotsuba est chargée de garder la maison en l'absence de son père, ce qui rend la petite fille très méfiante à son égard. D'un caractère puéril et je-m'en-foutiste, il est toujours en guerre contre Yotsuba pour des broutilles telles que des bonbons ou des questions de principe. Mais on le soupçonne d'apprécier la petite fille malgré tout.

3 Avis personnel

Yotsuba&! est un manga plein de vie qui change des habituels shonen et shojo aux scénarios bien réglés. Suivre la vie de cette petite fille, la voir s'étonner de tout, agir à sa guise, se faire gentiment avoir par les autres, ou encore avoir un regard tellement différent de celui que l'on a habituellement sur le monde, transforme la lecture de ce titre en un pur moment de bonheur et de simplicité.

Je finirai par la petite phrase qui clôture chaque tome : Yotsuba, enjoy everything.

Shaolan

100 Bullets

Sun, 31 Jan 2010 20:02:44 +0100

"Avez-vous déjà rencontré l'agent Graves ? C'est un vieil homme gris avec une mallette noire. Une mallette pour vous, que vous le désiriez ou non. Dans cette mallette ? La raison pour laquelle vous avez une vie de merde; car vous êtes un peu spécial, le saviez-vous ? Quelqu'un vous a fait du mal, beaucoup de mal; vous l'ignoriez peut-être, mais c'est le cas et croyez-nous, oh oui, croyez-nous, cette personne là, elle le mérite, de mourir. C'est de vengeance dont je vous parle, de revanche froide, de vendetta sordide, mais celle-ci est un peu spéciale, comme vous, car Mr Graves a un autre cadeau. Un produit de ces chers Mr Smith et Mr Wesson, accompagné par cent petites amies, cent copines indétectables, intraçables, du genre qui n'existent pas, pour les messieurs de la police. Le crime parfait à portée de main ! Attention quand même, ne vous prenez pas pour le maitre du Monde, elles ne "fonctionnent" qu'avec la cible associée, généreusement donnée et indiquée par une photographie. Ne vous réjouissez pas trop vite non plus, regardez donc cette photo avant ! Car que vous connaissiez le responsable de vos malheurs ou pas, vous risquez d'avoir de drôles de surprises au long du chemin. Et n'oubliez pas, un meurtre ne reste jamais totalement impuni..."

"100 Bullets" est un comic écrit par Brian Azzarello et dessiné par Eduardo Risso. Il se place dans une veine directement Hardboiled / Noir : personnages tragiques et sombres, poids de la fatalité, bagarres sèches et nerveuses, dialogues enfumés et tutti quanti. Terminé aux USA après cent chapitres, la série en est à son neuvième volume en France, un peu moins de la moitié en fait.

Ce que raconte 100 Bullets est de prime abord très simple : une personne que la vie n'a pas raté, se voit offrir sa vengeance par mallette interposée. Se pose donc, dès cet instant, deux problèmes : doit-on accepter cette "chance" ou la rejeter ? Quelle que soit la réponse à cette première question, vient ensuite la seconde : qu'est-ce que cela amène pour la suite ? Ceci étant particulièrement important, si la vengeance est effectivement accomplie. Graves ne prétendra jamais le contraire : la vengeance qu'il permet n'est rien d'autre qu'un meurtre et donc, si le meurtre est parfait à chaque coup, le poids moral, lui, ne disparait pas par enchantement.

Pourtant, si ces histoires de vengeance occupent le début du comic, elles ne sont que la partie émergée de l'iceberg "100 Bullets". Graves n'est pas le bon samaritain, c'est une pourriture, bien sapée, peut-être, mais n'empêche que c'est un "crénios", un vrai de vrai. Graves n'aide personne, il précipite en général les gens dans la direction qu'il voudrait qu'ils prennent. Tout est lié à un plus grand plan, à quelque chose immensément plus grand... véritablement titanesque. Graves n'est pas qu'un costard grisonnant, c'est le warlord, ou plutôt c'était et semble-t-il, il n'apprécie guère de devoir conjuguer son activité au passé. Graves n'est pas seul et s'il parait dangereux, c'est que vous n'avez pas vu ses amis !

"100 Bullets" propose donc une lutte terrible entre deux bandes au travers d'une kyrielle de personnages. Vous connaissez déjà Mr. Graves, voyez donc Lono, le chien fou, un p*tain de colosse increvable; Cole, suave et raffiné, s'il ne vous a pas filé un coup de schlass ou un coup de son S&W avant. Voici quelques-uns des Minutemen. Introduisons aussi la plantureuse Megan, belle, séduisante, jeune, la vie devant elle, la femme parfaite ? En tout cas lui tourner le dos risque d'être votre dernière erreur. Mais tout n'est pas à jeter chez les gens du Trust. Prenons le petit Benito, une petite frappe richarde ? Un peu, mais surtout, quelqu'un de fatigué d'à peine 20 ans, une chance de cocu et un avenir tout tracé qui n'est pas pour lui. Les rôles sont donnés, certains comme la tragique Dizzy ou l'intriguant Mr Shepherd ont eux aussi leur place dans cette grande valse meurtrière, mais il n'est pas sûr qu'ils sachent réellement ce qu'elle est.

Dans ce monde, comme dans toute œuvre de Noir qui se respecte, il n'y a pas de chevalier sur son cheval blanc et Cie. Tout le monde est gris... ou rouge. Graves, qui parait respectable avec son air poli mais tranchant, ne semble plus si sympathique après sa rencontre avec son "ami" Daniel. Cole et sa gueule d'ange est à peine moins violent que l'abominable Lono, mais il est plus "délicat". C'est presque insensé qu'un si beau visage appartienne à une enflure pareille. Il n'y a pas de "méchants" ni de "gentils", il y a deux camps, ceux qui ont choisi le leur, ceux à qui cela à été imposé et ceux qui feraient bien de se grouiller de se décider. C'est une histoire triste, très violente, implacable, qui est narrée et il n'y a éventuellement que les "purs", Dizzy et Loop, pour s'en sortir intact moralement, pour l'instant. La galerie de persos est proprement phénoménale et il m'a été impossible de ne pas m'attacher à chacun, car tout le monde a quelque chose à offrir et rien n'est simple ici-bas. Chaque individu est léché dans sa conception et on assiste presque à une pièce de théâtre gigantesque et vulgaire où tous sont le personnage principal à un instant donné. Un véritable travail d'ensemble qu'il est bon de saluer. Comme toute œuvre hardboiled qui se respecte, le badassism dégouline bien entendu de partout.

"100 Bullets" s'appuie donc sur des personnages bétons, un scénario très riche, plein de mythes américains, on baigne réellement dans l'American Dream, ou plutôt on s'y noie, car ce n'est bien sûr qu'une façade, un mythe somptueux, réservé à quelques privilégiés. Un travail de langue savoureux est de même à l'œuvre. Chaque dialogue est délicieux et il semblerait que l'auteur ait réfléchi à un style pour presque chacun de ses protagonistes : tantôt agressif, animal, cynique, précieux, sophistiqué, vulgaire, sarcastique,... Il y en a pour tous les gouts, mais pour un peu qu'on s'y intéresse, c'est un régal !

Côté graphique, on est loin d'être en reste : le travail sur l'ombre et le contraste lumineux est le plus saisissant et le plus évident. L'atmosphère sombre qui s'en dégage et qui saisit l'image à chaque page est lui aussi, parfaitement maitrisé. Que ce soit au niveau des visages, qui apparaissent subitement comme des dents et prunelles déchirant la nuit ou cette même nuit qui s'engouffre partout, comme un océan noir dans la ville et sur les gens, l'effet est partout au rendez-vous. Le découpage des planches et le rythme sont presque cinématographiques et on s'étonnerait peu de voir les personnages s'animer pour de bon. L'action est extrêmement bien gérée, entre poses et jeux de regards et violence sèche et instantanée. Quelques exemples semblent de rigueur... Glace sanglante et sourde / On déconne pas sur Dieu devant Milo ! / MIB dans le désert / Discussion dans une église

Breffons, "100 Bullets" est sans le moindre doute un des plus grands comics que j'ai lu à ce jour (avec "Transmetropolitan" et "Hellblazer" je crois). C'est puissant, sombre, beau, badass, maitrisé, complexe. Surtout, on sent que les auteurs prennent leur temps, se plaisent à raconter leur histoire, la densifie sans cesse, puis prennent une pause pour narrer quelque chose d'autre. Le travail d'ensemble est impeccable, chaque personnage se renvoyant la balle intelligemment, on saute d'une intrigue à une autre pour les raccorder petit à petit, avec beaucoup de fluidité. Graphiquement, ce n'est peut-être pas révolutionnaire, mais l'essence du Noir passe très bien dans ce monde de couleur du XXe siècle. Et pour finir, les questions que l'œuvre pose sur la vengeance, l'amitié, la violence, le destin, sont très justement développées.

Un magnifique travail pour un magnifique comic. Impérial.

Go! Go! Minutemen!

SneV

Fruit Maudit

Sun, 31 Jan 2010 19:52:40 +0100

Goddag !*
Comme le disait Shaolan dans son excellent article, tout le monde est inculte. Vraiment tout le monde, en un sens. Et ce que je vais présenter pourrait me permettre, d’une certaine manière, si je me comporte exactement à l’instar de A dans son exemple, de tous vous considérer ainsi sans sommation, car je vais traiter d’un film que pratiquement personne n’a vu. Cependant, étant loin d’être un vantard pédant et imbu de sa personne (jolie suite de pléonasmes !) je me rends bien compte que le simple fait qu’une écrasante majorité de gens ne l’ait pas vu ne me permet pas d’employer cette insulte à loisir (et cela dit, ma conscience non plus).
À cet égard, je vais donc me retenir et ainsi vous parler d’un film que je considère comme original, mais méconnu, car je ne connais personne qui l'ait vu, sauf les gens que j’ai sournoisement forcé à le visionner sous la contrainte. Ces mêmes personnes en sont ressorties grandies, si je puis dire, vu que, même si elles n’ont pas forcément tout compris en le regardant, elles ont passé un bon moment devant ce métrage plus que space. Pour la petite histoire, j'ai eu moi-même l'occasion de le voir au cinéma avec un ami, il y a fort longtemps, dans le cadre d'une projection d'un film étranger (vous savez, le genre de films qui sont parfois excellents, mais que - presque - personne ne va voir).
Pour commencer, quelques petites indications concernant notamment les titres que ce film a reçus. Officiellement, il a obtenu les Grand Prix et Prix du Public au Festival International du film fantastique de Bruxelles en 2006. De plus, officieusement (car je ne sais ça que de réputation uniquement), il aurait reçu aussi le titre de « film préféré des adolescents », ce que je comprends à présent parfaitement après l’avoir regardé pas moins de trois fois. Je vais bientôt vous en dire plus sur ses caractéristiques, alors continuez à lire mon article, en sautant les diverses explosions d’égo en tout genre et les applications du phénomène décrit dans l’article de Shaolan**.
Voilà donc de quoi il sera question ici. Je vous l’avais mentionné dans mon article sur Millenium, je vous en parle maintenant, pour le meilleur et pour le pire. Tremblez, forbans !

Bon, de quoi ça parle, Von ?
L’histoire, se déroulant au Danemark, dépeint principalement deux hommes et leurs caractères.
Adam est un homme renfrogné, violent et patibulaire. Sympathisant de la cause néo-nazie, et fraichement relâché en liberté conditionnelle, il est envoyé en rééducation dans un bled paumé de la campagne danoise, chez un pasteur, Ivan.
Ce dernier est son antagoniste parfait : (trop) serviable, humble, gentil et patient, il prend en charge des délinquants et/ou des désespérés sous son aile, afin de les aider à se réintégrer dans la société. À peine arrivé, le pasteur dit à Adam qu’il doit concrétiser un projet pour pouvoir quitter cet endroit. Ce dernier, qui a remarqué le magnifique pommier qui trône dans le domaine du pasteur, et voulant partir au plus vite, lui répond qu’il compte faire un gâteau avec les pommes de cet arbre.
Seulement, peu après son arrivée, des catastrophes (corbeaux, vers, etc…) s’enchaînent au fur et à mesure sur le pommier. En parallèle, Adam apprend à connaitre les autres pensionnaires de l’établissement, notamment Khalid, « ex »- braqueur de stations-service et Gunnar, tennisman alcoolique. Il découvre aussi qu’Ivan a une curieuse manière d’aborder les choses qui le gênent et les problèmes qu’il rencontre. En effet, ce dernier est incapable de voir les mauvais côtés des gens et des situations qu’il y a autour de lui, car sa foi (inébranlable ?) lui fait croire qu’il y a du bon dans chaque homme.
Au premier abord agacé par la philosophie d’Ivan, Adam découvre les fondements de celle-ci grâce, entre autres, à une Bible et au médecin du village. Le pasteur pense en effet que Satan est en train de le tester (ainsi que les autres) en lui/leur faisant subir des épreuves en tous genres. Le néo-nazi va donc essayer de ramener le fervent dévot à la raison.

Et t'en penses quoi?
Même si le danois est loin d’être ma langue préférée (ça ressemble vaguement à un croisement entre du hollandais, de l’allemand et du suédois, donc ce n’est pas forcément très joli à entendre), je dois dire que ce film, aussi atypique soit-il, est plutôt intéressant pour les raisons suivantes.
Pour commencer, il faut savoir que la religion occupe une place plus qu'importante dans ce long-métrage, ce qui peut se ressentir d’abord par son titre, puis l’endroit où il est tourné, puis l’histoire en elle-même. Car en fait, toute l’histoire est une sorte de reconstitution d’un livre de l’Ancien Testament (qu’Adam finira par lire), à savoir le Livre de Job. Ainsi, tout le film est une fable religieuse, qui est marquée par le deuxième élément qui le rend attachant, dont je vous parlerai plus bas. Le personnage de Job, qui, je le rappelle, est un homme sujet d’un pari entre Dieu et le Diable, est amené dans la pire situation qui soit afin de tester sa foi (pour ne donner que quelques éléments, on commence par le ruiner, puis il perd femme et enfants, et est atteint de diverses maladies). La personne qui est le « Job » de la Bible n’est autre que, bien sûr, Ivan, qui pense ainsi avec une ferveur sans borne que tout ce qui lui arrive de fâcheux est une épreuve, afin de voir s’il a toujours foi en Dieu, en qui il croit ardemment. Cela dit, lorsqu’on voit la quantité énorme de malheurs qu’il a subi et qu’il subit encore, on peut comprendre la raison pour laquelle il s’est cadenassé dans la religion. Mécanisme de défense qui peut sembler utile au premier abord, mais qui sera ébranlé plusieurs fois par Adam au cours de l’histoire.
Ce dernier subit lui aussi une évolution durant tout le développement de la trame du long-métrage, qui le fera ainsi changer complètement de bord. Il deviendra ainsi un autre homme durant une métamorphose kafkaïenne qui est engendrée principalement par sa relation sociale plus que tourmentée avec Ivan. On observera – entre autres – qu’il manifeste de plus en plus d’intérêt pour cette fichue tarte aux pommes qui au départ n’était pour lui qu’une simple formalité pour quitter ce coin perdu…

"Belle journée pour faire du tir aux corbeaux, hein Adam ?"

Une interprétation cinématographique d’une parabole est une chose. La manière dont on la traite est une tout autre paire de manches. De manière sobre, sérieuse, humoristique, poétique, triomphale, on peut la dépeindre sous divers aspects. Cette liste est tout sauf exhaustive, ça va de soi.
Où voulais-je en venir ? Ce qui fait l’originalité et tout l’intérêt d’Adam’s Apples est le fait que toute la trame est empreinte d’une énorme dose d’humour noir (le docteur qu’Adam rencontrera en est un des producteurs les plus prolifiques), ce qui lui donne une couleur particulière, mais tout à fait supportable, voire plaisante pour ceux qui aiment le genre. Il vous suffit de zieuter la bande-annonce*** pour en avoir un joli exemple. Couplé au scénario plus que fantasque du long-métrage, cela forme donc un énorme oxymore visuel qui est extrêmement bien rendu.

En ce qui concerne les personnages de manière générale, outre la surprise d’y voir Mads Mikkelsen (surtout connu des occidentaux pour son rôle de méchant dans James Bond : Casino Royale) dans la peau d’Ivan, on assiste à une jolie galerie de « gueules » qui donnent au film ses traits si caractéristiques. Du docteur cynique à la femme enceinte dépressive, en passant par le soldat nazi retraité, tous s’inscrivent dans l’esprit du film et l’expriment d’une manière plus que correcte, malgré le peu de rapports qu’on pourrait leur trouver objectivement parlant.

Alors je ne m’étendrai pas plus longtemps sur le sujet, et terminerai tout simplement de la manière suivante. Si vous aimez le cinéma étranger, les films tordus, l’humour noir et rire un bon coup, Adam’s Apples est fait pour vous !

Sur ce, Farvel****

Et n'oubliez pas la fin du Livre de Job, quand même...
PS: Puisque je constate que ce long-métrage est relativement difficile à trouver, voilà la VF en streaming (à vos risques et périls toutefois, c'est assez mal doublé). Sinon, Google is Your Friend!

*Bonjour en danois
**Eh oui, faut bien faire un peu de pub de temps en temps ! Vous ne liriez jamais les autres formidables articles qui peuplent les méandres de ce site, sinon !
***Désolé, je n’ai pas trouvé d’autres versions qu’en danois sous-titré anglais.
****Au revoir en danois (vous aurez appris au moins deux mots étrangers en lisant ce texte).

VonSturm

Jeux idiots

Sun, 31 Jan 2010 18:58:22 +0100

Ce mois-ci, je n'ai pas le courage d'écrire un article digne de ce nom pour le Pavillon des fous. Pas terrible de dire ça juste après le 100ème article, n'est-ce pas ? Non pas que je n'ai pas de matériel, mais l'envie me manque. Heureusement, je tente quand même de sauver la donne en appliquant la bonne vieille formule « En cas d'urgence, poster un article dans le Pavillon des délires ». C'est facile, rapide et le contrat est rempli dès que l'on réussit à décrocher un sourire de la part du lecteur, donc tout le monde y gagne. Sauf la portée culturelle des articles du mois, mais s'il y a bien quelque chose que Michael Bay nous a appris, c'est que l'on peut bien laisser son cerveau de côté de temps en temps (C'est tellement marrant de taper sur Michael «Shit blows up» Bay, ça vous dirait que cela devienne un running gag ?). Et puis même, qu'est-ce qui nous empêche, moi ou tout autre membre du Pavillon optant la solution délire, d'y réfléchir un minimum ?
Après cette introduction inutilement longue dont le but inavoué, mais néanmoins transparent, est de remplir un maximum d'espace, rentrons dans le vif du sujet. J'ai décidé de vous faire découvrir des

Jeux idiots au succès reconnu en soirée après quelques verres

Les deux jeux que je vais vous présenter ne nécessitent aucun matériel. Juste des participants volontaires pour jouer à des jeux incroyablement absurdes, n'ayant donc pas peur du ridicule.

Le jeu de Gilles de la Tourette

Contrairement à ce que son nom pourrait faire croire, ce jeu ne consiste pas à insulter les autres participants, mais le nom semble approprié tant il leur fait tenir des propos incohérents.
Le principe est simple : l'un après l'autre, sans forcément un ordre précis, les joueurs disent un mot. La seule règle est que ce mot doit avoir le moins de rapport possible avec le précédent. Ce moins de rapport signifie, au sens le plus strict, que :
-le nouveau mot ne doit pas être du même type que le précédent (nom, adjectif, verbe, adverbe...)
-aucun des joueurs ne doit pouvoir trouver de rapport logique entre le mot précédent et le nouveau
-le nouveau mot ne doit pas déjà avoir été prononcé avant dans la partie
Là où le jeu est amusant, c'est dans le flou artistique qui enveloppe le concept de rapport logique. Dès qu'un mot est dit par un joueur, un autre peu le contester, en expliquant pourquoi. Lorsque c'est à cause du rapport logique, il n'est pas rare que la raison soit tirée par les cheveux, d'où potentiel comique. D'autant plus qu'une contestation peut elle-même être contestée, si elle ne fait pas l'unanimité. Dans ce cas, c'est à l'ensemble des joueurs de trouver un consensus, pour savoir si le mot est validé ou non. Généralement, cela ne prend pas bien longtemps, l'enjeu n'est pas tellement important et les possibilités très nombreuses.
Un exemple de chaîne de mot valide : « ascenseur, bêcher, complètement, arriviste, cosmique, partitionner »
Un exemple d'enchaînement invalide : ascenseur puis escalier, parce que ce sont deux noms, de plus ils servent tous les deux à se déplacer entre des étages. De même que cosmique et année-lumière, parce que même si ce sont un adjectif et un nom, les deux ont un rapport avec l'espace. J'espère que vous suivez.
Là, vous vous demandez peut-être quel est le but du jeu, qui gagne à la fin, quand s'arrête-t-on. Et bien, c'est ça qui est beau, c'est que ce jeu n'a aucun gagnant. À part peut-être le groupe de joueurs lui-même. Le but est simplement de faire la plus longue chaîne de mots possible, jusqu'à ce que plus personne n'ait envie de jouer. L'intérêt de ce jeu réside uniquement dans le plaisir d'y jouer, ce qui le rend presque poétique. Pour la petite histoire, la première fois que j'y ai joué, c'était avec des gens que je ne connaissais presque pas, la partie a duré deux bonnes heures.
À noter aussi que ce jeu peut se révéler un véritable challenge, puisque plus il dure, plus il devient difficile de penser à des mots nouveaux et surtout, de ne pas répéter les anciens. Il n'est pas rare ainsi de voir la façon de jouer des joueurs au fil de la partie : tout d'abord les mots sortent comme des ressorts de la bouche des joueurs qui imitent les gens atteints du syndrome, puis progressivement, les réflexions se font plus intenses, les joueurs plus sérieux, ce qui est paradoxalement encore plus drôle à bien y réfléchir.
Au final, un jeu pour se vider le cerveau, littéralement parlant.

Le jeu des liens logiques à divers degrés, aussi connu sous le nom de Pyramide en différent

Si vous avez aimé le concept de lien logique développé dans le premier jeu, vous aimerez celui-là aussi, car il y accorde encore plus d'importance. Il se joue à partir de 2 personnes. Le principe de base est simple, il peut ensuite être adapté si l'on veut avoir un jeu plus strict. Un joueur dit un mot, un autre en dit un second qui doit avoir un lien logique avec le premier et le reste des joueurs doivent reconstruire la chaîne logique qui mène du premier au second mot. Exemple : un joueur dit cachemire, l'autre dit fou. Parce que le cachemire est obtenu à partir de la laine d'une chèvre, or chèvre est synonyme de fou, d'où cachemire → chèvre → fou. C'est d'ailleurs un exemple de chaîne logique à deux degrés. Parce qu'il y a deux liens (symbolisés par les flèches) allant du premier au dernier mot. Le moyen de rendre le jeu plus régulé est de définir un certain nombre de degrés pour chaque chaîne logique.
Je sais ce que vous vous dites : c'est complètement débile comme jeu. C'est vrai. En même temps, je vous avais prévenus. Mais il y a quand même un intérêt majeur à ce jeu : les liens logiques peuvent être de véritables private jokes, utilisant des références très particulières mais partagées par les joueurs. Si vous en êtes adeptes, ce jeu vous permettra de les exploiter à fond. Contrairement au jeu précédent, il est possible de lui fixer un but, en instaurant un système de points. Ainsi on peut désigner un gagnant. Ce qui n'empêche pas de jouer uniquement pour le plaisir de jouer aussi.
Au final, un jeu un poil plus réfléchi que le précédent, mais potentiellement tout aussi dingue.

À bien y regarder, ces deux jeux sont extrêmement personnalisables. Les seuls points vraiment définis en sont les principe de base (« aucun rapport entre les mots » pour le premier, et « un rapport entre les mots » pour le second), le reste dépend de comment les participants veulent jouer. Étant donné l'aspect très décousu de ces jeux, la partie type est celle où l'on joue pour jouer. D'ailleurs, c'est même rare de faire une vraie partie, plutôt qu'un simple enchaînement de mots ou de chaînes, parce que le principe est drôle. Ça n'occupe pas toute une soirée (encore que...), mais c'est marrant à découvrir et à essayer. Le succès n'est pas garanti, mais la curiosité, dans tous les sens du terme, si.

Maintenant, je vous encourage à faire encore plus de soirées, parce que c'est bien, mais aussi pour organiser un maximum de parties de ces deux jeux. Ensuite, vous revenez ici et vous partagez vos plus beaux enchaînements, vos plus belles invalidités et vos meilleurs enchaînements logique. Ainsi, une fois que nous aurons suffisamment de matériel et de succès, je pourrai lancer la FFDJALLP (Fédération Française Des Jeux À La Logique Particulière), commercialiser une version de chacun de ces jeux, et à moi la fortune ! Et tout ça grâce à vous ! HA HA HA HA HA HA HA HA HAAAAAAAAAAAAAAAAAAAA !!!

Merci d'avance et amusez-vous bien.

TheEdgeWalker

Centième

Thu, 14 Jan 2010 22:41:57 +0100

Ça va bientôt faire un an que le nouveau pavillon des fous existe. Que le temps passe vite. Pour moi, c'est comme si l'aventure avait commencé hier. Je n'ai absolument pas vu les mois défiler. Et pourtant, cela fait bien un an que la bande de fous que nous sommes écrivons des articles pour ce site. Actuellement, nous avons posté 99 articles, et avec cet article nous en serons à 100. Je dois admettre que ça fait un sacré paquet de pages word tout ça, et surtout beaucoup de boulot.

Si j'écris ce billet d'humeur, c'est avant tout pour le symbole du chiffre 100. Je trouvais que pour notre 100ème article, il fallait faire quelque chose de différent de ce que l'on fait d'habitude. Et surtout, à travers ce billet d'humeur je voulais adresser des remerciements aux autres personnes.

Eh oui, Le pavillon des fous ce n'est pas moins de 17 internés qui écrivent chaque mois un article (ou plus), et qui donnent de leur personne pour faire vivre ce site. Je voudrais les remercier, car je sais que ce n'est pas toujours très facile d'écrire un article pour le pavillon chaque mois. Merci à vous tous donc, que vous soyez schizophrène ou roux, suisse ou hippie. Vous vous êtes donné du mal pour faire vivre ce site pendant presque un an, et vous continuerez sans aucun doute à le faire pendant encore longtemps. Et pour ça j'ai envie de dire : respect.

Ensemble, nous avons réussi à écrire une centaine d'articles. Qui sait, si ça continue, dans dix ans on y est encore !

Longue vie au pavillon des fous !

Hachimaki

Biloup Bloup

Fri, 01 Jan 2010 15:13:02 +0100

Nous voulions vous offrir ceci :

Mais finalement, nous nous contenterons de vous souhaiter une bonne année 2010 !

Toute l'équipe du Pavillon

Le drôle de Noël du Pavillon

Sun, 27 Dec 2009 21:32:03 +0100

Chers Pavillonnaires,

Alors que Noël est déjà passé et que le nouvel an s’apprête à poindre le bout de son nez, le Pavillon, lui, reste à quai pour vous proposer en cette fin d’année 2009 une ultime mise à jour. Quand on y pense, c’est quand même bizarre de se dire que les années 2000 arrivent à échéance et que sous peu débuteront les années 2010...

Tout ça, en effet, ne nous rajeunit pas. Mais au fond, tant qu’on peut encore profiter des fêtes de fin d’année, qu’importe ? Se retrouver en famille ou entre amis et partager un bon moment ensemble, c’est peut-être ça, la vraie valeur des choses.

Comme on le répète souvent, il en faut peu pour être heureux.

En espérant que vous avez passé un joyeux Noël, toute l’équipe du Pavillon des Fous vous souhaite par avance une charmante année 2010 !

Joyeusement vôtre.

Liste des articles proposés :

Ses humeurs
Dude, do you feel elitist this morning ?

Pavillon des BD/Manga
Andy et Gina de Relom

Pavillon du cinéma
Mars Attacks
L'imaginarium du Docteur Parnassus
O'Brother (Where Art You)

Pavillon des séries
Scrubs, toubib or not toubib

Pavillon acoustique
Porcupine Tree

Résultats du sondage : « Aimez-vous les sondages ? »

1. Oui [20 votes]
2. Je ne réponds pas [9 votes]
3. Rien à fiche [4 votes]
4. Non [3 votes]

Total : 36 votes

dop_

Porcupine Tree

Sun, 27 Dec 2009 21:11:29 +0100

Au hasard de conversations, de lectures, d'écoutes ou de vagabondages sur le net, il nous arrive de croiser et recroiser un nom. Ce nom peut cacher un groupe de musique, un auteur, un dessinateur, un réalisateur, bref, un artiste au sens large ; toujours est-il que par une suite de coïncidences, il revient souvient. Le point commun entre ces multiples rencontres est qu'à chaque fois, la personne qui en parle le fait en termes élogieux. Évidemment, si vous partagez les goûts de cette personne, ou si vous vous laissez convaincre par ses arguments, vous décidez d'aller à la rencontre de ce nom. En toute logique, vous commencez par aller voir tout ce qui a été fait qui porte la marque de ledit nom.
Et soudain, c'est le drame.
L'auteur a une bibliographie longue comme un bras de Godzilla, le réalisateur a fait suffisamment de films pour traverser le Chili (dans le sens Nord-Sud) en déroulant toutes ses bobines, le dessinateur est un mangaka avec une série de plus de 50 tomes et qui se porte très bien, merci pour lui, ou le groupe possède une discographie qui vous fera tenir plusieurs semaines d'écoute assidue afin de bien se familiariser avec l'ensemble de l'œuvre...
C'est ce dernier point qui nous intéresse, puisque c'est ce qui m'est arrivé avec Porcupine Tree.
Mais bon sang, qu'est-ce que ça valait le coup.

Mais qu'est-ce que c'est que ce nom à coucher dehors ?
Porcupine Tree est un groupe anglais formé en 1987. Le style de ce groupe est difficile à définir, parce qu'il a énormément évolué au fil du temps et des albums. Il faut avouer qu'en près de 23 ans d'existence, ils ont largement eu le temps pour cela. Actuellement, le consensus semble être au niveau du rock/métal progressif, ce qui reste quand même assez large. Sachant qu’il est passé par le rock ambiant et le rock psychédélique. Il n'empêche que quoi que Porcupine Tree fasse, il le fait très bien.
Une présentation rapide des membres, parce qu’ils sont tellement sympathiques.
Toutes les photos sont ©Diana Nitschke 2009.

Steven Wilson – Guitare et chant

Fondateur et leader du groupe. Ultra-reconnaissable avec son look d’éternel adolescent (cheveux longs et lunettes), c’est un guitariste d’exception et un parolier de génie.

Richard Barbieri – Claviers

Plus le temps passe et plus il a de claviers !

Colin Edwin – Basse

Lui aussi possède un look ultra reconnaissable, grâce à son béret. En plus, il est toujours souriant.

Gavin Harrison – Batterie

Ce type est un véritable maître de la batterie, la façon dont il est capable de s’en servir est impressionnante.

A noter qu’ils se produisent avec un deuxième guitariste, qui fait aussi des accompagnements vocaux, mais je n’ai pas réussi à trouver son nom.

Rétrochronologie
Parce que ce sont les albums les plus récents que je connais le mieux.
Et aussi parce que ça m'amuse.
NB : J’ai fait de mon mieux pour rendre cet article le plus exhaustif possible, mais je n’ai pas réussi à trouver des versions écoutables en ligne de tous les albums, c’est pourquoi certaines descriptions seront très succinctes. Au moins, vous aurez une bonne idée de ce qu’a produit le groupe.

The Incident (Septembre 2009)

Le dernier album de Porcupine Tree fait partie de ces albums qui forment un tout, encore plus qu'un album lambda, dans le sens où chaque chanson est indissociable des autres. Chaque chanson a une place logique, puisqu'en quelque sorte, cet album raconte une histoire. Il y a un début, un milieu et une fin, comme un récit en aurait. Ce n'est pas étonnant quand on considère le titre : l'album raconte l'avant, le pendant et l'après « l'incident ». Au sens large, puisqu’apparemment, plusieurs histoires se croisent, permettant ainsi d’aborder tous les aspects du terme. L’album n’est plus alors seulement récit, il est aussi thématique.
L'intro (Occam’s Razor plus The Blind House) remplit très bien son travail, annonçant un album aux sonorités variées. Tant il est vrai que la chanson The Incident sonne différemment à l'oreille des autres. L’avant et l’après se justifient par le côté dérangeant de cette chanson, tout comme l’est un incident. Ainsi les notes métal de la première partie laissent une plus grande place à un style plus coulé, presque folk (je préviens que ma perception de ce terme vaut ce qu'elle vaut), sur Time Flies notamment, ainsi que I Drive The Hearse, chanson finale de l’album. Cet album est donc une vraie réussite dans la forme et le fond.

Nil Recurring (Septembre 2007)

EP sorti peu après Fear Of A Blank Planet, car les chansons présentes ont été enregistrées pendant la même session qui a donné naissance à cet album.

Fear Of A Blank Planet (Avril 2007)

Il s'agit probablement de l'album le plus abrupt du groupe. Seulement six chansons, mais toutes d'une force, presque d'une agressivité, sans toutefois trop pencher du côté négatif de ce terme, qui ne laissent pas indifférent. Il n'y a qu'à écouter la toute première chanson, Fear Of A Blank Planet, qui annonce le ton de tout l'album. Même la dernière chanson, Sleep Together, qui surprend par son décalage entre le titre et le ton adopté, n'échappe pas à la règle. Tout ceci n'empêche pas quelques airs plus lyriques, notamment sur Anestethize, mais l'ambiance reste globalement la même.
Même en étudiant les albums rétrochronologiquement, on voit que Porcupine Tree a à cœur de produire des albums cohérents.

Deadwing (Mars 2005)

Encore un album avec deux ans d'écart entre lui et le suivant. Pourvu que ça dure.
Deadwing est un album pour le moins surprenant. Même s'il apparaît comme le moins cohérent des albums écoutés jusque-là, c'est une fausse impression. Au début, je ne l'écoutais que pour la chanson phare, Arriving Somewhere (But Not Here). Puis, petit à petit, chacune des chansons s'est emboîtée autour de celle-là, comme si Arriving... était le pilier central et que les autres étaient d'autres piliers, tout aussi importants pour soutenir l'ensemble, mais que ce n'était pas ceux que l'on voyait en premier. Je recommande fortement Mellotron Scratch et Open Car. Il n'empêche que cette chanson centrale exprime très bien l'ambiance générale qui se dégage de cet album : une ambiance perdue, d'égarement, avec un soupçon d'immobilisme, même si l'on sent en transparence qu’il est toujours possible d’avancer au final. Cette ambiance est d’ailleurs tellement bien retranscrite qu’elle en devient visuelle aussi. Ce qui est plutôt puissant parlant de musique.

Warsawa (Février 2004)

Cet album est tiré d'un live, enregistré, comme son nom l'indique, à Varsovie, pour une radio polonaise. Je n'ai du l'écouter qu'une seule fois, mais il contient certaines chansons parmi les plus magnifiques et touchantes du groupe : Even Less et Stop Swimming, par exemple.
Ainsi que Voyage 34, mais j'en reparle plus bas.

In Absentia (Septembre 2002)

Voici l'album le plus sombre de Porcupine Tree. Il s'en dégage une atmosphère de fragilité, de détresse même, ce qui est presque déstabilisant. Il n'y a qu'à écouter Heartattack In A Layby pour s'en rendre compte. En même temps, il s'agit probablement de l'un des plus beaux albums du groupe. Certaines chansons sont magnifiques (Trains, The Sound Of Muzak). Il finit d'ailleurs sur la chanson à la plus forte charge émotionnelle de tout le répertoire du groupe : Collapse The Light Into Earth (j'en ai des frissons rien qu'à écrire le titre).
In Absentia occupe une place toute particulière dans mon panthéon musical personnel.

Stars Die : The Delerium Years 1991-1997 (Mars 2002)

Best-of du groupe qui, comme son nom l'indique, se concentre sur la période 91-97. Certaines chansons y sont présentes sous la forme d'enregistrements inédits auparavant (Up The Downstair, Fadeaway, The Sound Of No One Listening). D’autres sont des inédits (Synesthesia, Phantoms).

Metanoia (Décembre 2001)

Réédition d'un vinyle sorti quelques années auparavant, ce sont des improvisations enregistrées pendant l'enregistrement d'un autre album (Signify). Le génie du groupe s'exprime.

Recordings (Mai 2001)

Album très spécial sorti uniquement à 20 000 copies. Sachant qu’il contient des pistes introuvables sur les autres albums, il va sans dire qu’il définit la notion même de collector.

Lightbulb Sun (Mai 2000)

Cet album contient plusieurs des chansons parmi les plus efficaces du groupe. Four Chords That Made A Million, ballade rock très entraînante ; Shesmovedon, chanson douce-amère et prenante ; Last Chance To Evacuate Planete Earth Before It Is Recycled, mélancolique et poétique ; Hatesong, surprenante malgré son titre ; Russia On Ice violemment belle. Une valeur sûre.

Voyage 34: The Complete Trip (Avril 2000)

L'album qui assoit définitivement la position de Porcupine Tree comme un groupe progressif. La forme : 4 chansons de plus d'un quart d'heure chacune. Le fond : les chansons sont des recueils de témoignages de trips sous LSD. Ce qui donne évidemment une musique psychédélique, inventive, qui n'est pas sans rappeler les maîtres même du progressif : Pink Floyd. Voyage 34 mérite bien son nom : l'écouter est en soi une expérience et un voyage.

Stupid Dream (Mars 1999)

Cet album est une perle, une réussite majeure du groupe. Chaque chanson sonne juste et nous touche. Rien que le fait qu’il commence par Even Less annonce la couleur. L’écriture est à son meilleur niveau pour chacune des chansons. Mais surtout, ce qui impressionne chez cet album, c’est sa construction. Toutes les premières chansons de l’album réussissent à être positives, malgré des titres peu enclins à cela, comme Even Less ou Don’t Hate Me. Mais lorsque l’on arrive à Smart Kid on découvre une fragilité qui rappelle (ou annonce, si on ne l’a pas encore écouté) In Absentia. Puis arrive la dernière chanson, Stop Swimming. Et là le titre de l’album prend tout son sens : le rêve stupide prend fin, nous arrêtons de nager en son sein, la réalité nous rattrape. Garanti de vous marquer.

Coma Divine (Octobre 1997)

Live du groupe, enregistré à Rome. Il reprend majoritairement des titres du groupe de l'album qui était sorti peu auparavant à l'époque, Signify, ainsi que du précédent, The Sky Moves Sideways. Et il le fait bien. Je pourrais citer TOUTES les chansons, tellement elles sont sublimées par la performance live du groupe. Mais si je ne devais en citer qu'une, je citerai Radioactive Toy : l'une des premières chansons du groupe, elle gagne ici en longueur et en force, grâce à un rythme plus lent qui sublime la montée en puissance au final dévastateur de la chanson.

Signify (Septembre 1996)

Un adjectif qualifie presque à lui seul cet album : onirique. Pas seulement à cause de la présence de The Sleep Of No Dreaming, l’une des chansons du groupe que je trouve les plus fortes. C’est toute une atmosphère diffuse qui se dégage de cet album, surtout de par la présence de chansons uniquement instrumentales, le meilleur exemple étant Waiting Phase Two, comparée à Waiting Phase One juste avant. De plus, les samples de voix utilisés par le groupe ont un côté fantasmagorique qui s'ajoute à l’ambiance générale. La phrase concluant l’album est une perle d’incongruité.
À noter que la réédition de cet album contient un disque bonus, joliment nommé Insignificance, contenant des versions précédemment non sorties en album de certaines chansons.

The Sky Move Sideways (Février 1995)

Cet album est porté presque à lui seul par la chanson qui lui donne son titre, pur concentré de rock progressif de plus de 30 minutes, en deux parties, lui permettant d’être à la fois l’intro et la conclusion de l’album. Le morceau part du rock classique jusqu’à dériver dans le psychédélique, sans jamais perdre celui qui écoute. Mais les autres chansons valent le coup aussi. Dislocated Day réussit à être presque plus psychédélique, si c’était possible. The Moon Touches Your Shoulder transporte en douceur dans son univers. En bref, un album tout en ambiance. La réédition contient un cd bonus avec des versions alternatives ou improvisées de certaines chansons (respectivement The Sky Move Sideways et Moonloop de l’album précédent).

Up The Downstair (Mai 1993)

Up The Downstair est sans aucun doute l’album le plus mélodique du groupe. Les chansons instrumentales qu’il comporte en sont la preuve (Burning Sky, Fadeaway). Mais surtout, ce sont les paroles qui comptent le plus. La chanson introductive, What You Are Listening To, joue avec nous en se coupant net avant la fin d’une phrase. Des titres comme Always Never
et Not Beautiful Anymore regorgent de poésie et de sens. De plus, avec le disque bonus de la réédition de 2004, on gagne cinq chansons dans la même veine que le reste de l’album, comme Rainy Taxi et son ambiance inimitable et Yellow Hedgerow Dreamscape, au titre le plus improbable qu’il m’ait été donné de voir. Porcupine Tree continuait sur sa lancée et il le fait toujours.

On The Sunday Of Life (Juillet 1991)

Si le second album était mélodique, le premier est psychédélique. La musique semble parfois déformée, le rythme brisé, la voix mutée. Certaines chansons sonnent même d’une manière qui n’est présente sur aucun autre album (Jupiter Island, Linton Samuel Dawson). Le côté psychédélique ressort très bien lorsque l’on considère les titres de certaines chansons (Message From A Self-Destructing Turnip, Begonia Seduction Scene…) et leur contenu n’est pas en reste. Pour continuer sur les titres, certaines en ont un qui colle tellement bien que c’en est presque effrayant. Je vous mets au défi de ne pas ressentir le sentiment nommé en écoutant The Nostalgia Factory. Quant à Space Transmission, c’est évident au possible, grâce à sa forme particulière. And The Swallow Dance Above The Sun se paie même le luxe d’avoir des sonorités trip-hop ! Et, si vous vous posiez la question : oui, Radioactive Toy était déjà à l’origine belle, forte et poignante. Bref, dès le départ, Porcupine Tree était excellent. Rien d’étonnant à ce que les années aient rendu le groupe génial.

Performances live

DVD : Arriving Somewhere... (Août 2006)

Ce DVD vidéo est le seul que le groupe ait sorti. Il s’agit d’un concert datant de 2005, lors de la tournée de promotion de l’album Deadwing. Pas étonnant dans ce cas que les chansons proviennent majoritairement de cet album, ainsi que du précédent (In Absentia), puis de Stupid Dream.
Ce qui frappe le plus en découvrant le groupe en concert, c’est l’importance donnée au visuel. Pour celui-ci, Porcupine Tree se produit avec des vidéos projetées en arrière plan de la scène. C’est une pratique courante, mais la c’est la teneur de ces vidéos qui est intéressante : elles sont vraiment en harmonie avec les chansons jouées. On se retrouve face à des vidéos artificiellement vieilles, au défilement accéléré, rendues non-naturelles. L’ambiance étrange de Deadwing est rendue à merveille et l’expérience du concert ne s’en vit qu’encore plus.
Ensuite, ce que l’on remarque, c’est Steven Wilson. Au centre de la scène, alternant guitare électrique et acoustique, il vit la musique comme personne, on sent qu’elle le traverse et qu’il la transmet au public de tous les moyens possibles. Sa gestuelle des mains en particulier. C’est presque un spectacle à lui tout seul. Bien sûr, les autres membres ne sont pas en reste : comment ne pas sourire avec Colin Edwin, qui semble toujours tellement content d’être là ? Comment ne pas admirer la performance de Gavin Harrison ? Ne pas vibrer avec le deuxième guitariste, ou se sentir complice de Richard Barbieri derrière ses remparts de claviers ?
En ce qui concerne la performance elle-même, elle transporte. De Open Car à Heartattack In A Layby, en passant par Don’t Hate Me, chaque chanson est sublimée. Le fait de placer Arriving Somewhere But Not Here en milieu du concert montre de plus le côté pilier de cette chanson. Enfin, finir par Trains, chanson unanimement reconnue par les amateurs comme étant parmi les plus magnifiques du groupe, assure un final parfait.
Ajoutez à cela un deuxième DVD avec d’autres chansons en live (dont une version de Radioactive Toy), des vidéos de live et des clips projetés lors des concerts, ainsi qu’une vidéo complètement dingue intitulée Cymbal song (le titre veut tout dire) et vous comprendrez pourquoi Arriving Somewhere… a enfin comblé les attentes de ceux qui voulaient désespérément un DVD du groupe.

Concert : The Incident Tour (Novembre 2009)

J’ai eu la chance d’assister à un concert de Porcupine Tree récemment. Ils revenaient pour la première fois depuis une bonne dizaine d’années à Lyon, pour un concert de leur tournée suivant la sortie de The Incident.
J’ai été comblé par ce concert, alléché comme je l’avais été par Arriving Somewhere… Le concert promouvait donc The Incident et ce dernier étant, comme je l’ai dit, un album-tout, la première partie du concert était entièrement consacrée aux chansons de cet album, jouées dans l’ordre significatif qui le caractérise, sans interruption. La performance était là encore accompagnée de vidéos. Vidéos qui servent et éclairent, en quelque sorte, l’ambiance de l’album. Elles étaient diverses, du film à l’animation 2D en passant par le stop motion. Toujours oppressantes (Occam’s Razor) voire à la limite du malsain (The Incident, chanson à l’identité visuelle la plus forte), ou simplement nostalgique (Time Flies), elles remplissaient parfaitement leur rôle de sublimer les chansons. Je vous assure que voir une série de photos dont le sujet veut cacher l’objectif avec sa main, ou un accident de voiture avec verre qui vole au ralenti, ça marque. Les chansons en elles-mêmes ne sont pas en reste, Drawing The Line par exemple, gagne une force en live qui mérite d’être vue. Encore une fois, la gestuelle de Wilson et sa quasi-transe musicale pouvaient être admirées.
La deuxième partie du concert survient dix minutes pile après la première (il y avait même un compte à rebours projeté sur l’écran de la scène !). Cette fois-ci, des chansons plus anciennes sont jouées, en suivant le même schéma en boucle : une chanson d’un ancien album, une chanson tirée de Fear Of A Blank Planet. Nous avons ainsi été gratifié de : The Start Of Something Beautiful, Anesthetize, Stars Die, Way Out Of Here puis une chanson dont je ne n’ai pas su retrouver le titre. Après cela, Steven Wilson décide d’arrêter de jouer avec le public en avouant qu’il leur reste à jouer des chansons tirées d’In Absentia (cris dans la salle). Et c’est parti pour The Sound Of Muzak et Trains, décidément une excellente chanson finale. A noter un petit bémol sur le manque apparent du public français quant à chanter un passage d’une chanson en anglais. Tant pis, taper dans les mains c’était bien aussi selon le chanteur. Avant de nous quitter, le groupe rend hommage à son membre américain puisque ce jour-là, c’était Thanksgiving (« Even if we don’t know what giving they’re thanking for » dixit Steven). Ainsi le deuxième guitariste a-t-il reçu une ovation du public tandis que le refrain de Born In The USA (de Bruce Springsteen) était joué.
Puis c’était fini. J’avais perdu près de 25% de mes capacités auditives, mais putain, ça valait le coup.

Pour finir, je tiens à vous féliciter si vous avez tout lu. Porcupine Tree est un groupe que j’ai découvert sur le tard, mais qui s’est élevé plus rapidement que n’importe quel autre dans mon Panthéon musical personnel. Je ne peux que vous encourager à faire l’expérience, vous ne serez en aucun cas déçu. Porcupine Tree, c’est Puissant et ça Transporte.

Le site officiel, avec des vidéos, des titres exclusifs et tout ce qu’il faut savoir sur l’actualité du groupe.

TheEdgeWalker